Mary Cassatt: A americana que pintou mulheres a observar

Edgar Degas disse uma vez a Mary Cassatt: "Nenhuma mulher tem o direito de desenhar assim". Não foi inteiramente um elogio, e também não foi inteiramente um insulto — uma admissão relutante de um pintor notoriamente difícil de que a americana que ele pessoalmente recrutou para o círculo impressionista desenhava com uma disciplina que ele associava apenas aos homens. Cassatt passou as quatro décadas seguintes a provar que o elogio era verdadeiro e que o insulto não vinha ao caso, tornando-se a única americana formalmente integrada no grupo impressionista e uma das poucas pintoras da sua época a representar a vida privada das mulheres de dentro para fora, e não como mera paisagem.

Uma herdeira americana que queria uma carreira, não um casamento

Cassatt nasceu a 22 de maio de 1844 em Allegheny, Pensilvânia, atualmente parte de Pittsburgh, numa família de classe média alta; o seu pai era corretor da bolsa e especulador de terras, o seu irmão Alexander tornou-se mais tarde presidente da Pennsylvania Railroad, e a sua mãe, culta e bem educada, foi a progenitora a quem o próprio círculo de Cassatt creditava a formação do seu intelecto. Inscreveu-se na Academia de Belas Artes da Pensilvânia aos quinze anos, contra as objeções da família a uma carreira artística profissional para uma filha, e estudou lá durante os anos da Guerra Civil antes de concluir que o ritmo da escola e a condescendência dos estudantes do sexo masculino nada mais tinham para lhe ensinar. Em 1866 mudou-se para Paris; banida da École des Beaux-Arts por ser mulher, treinou em privado com Jean-Léon Gérôme, Charles Chaplin e Thomas Couture, e copiava pinturas diariamente no Louvre para construir a base técnica que a academia não lhe daria.

Um convite de Degas muda tudo

Cassatt teve uma aceitação no Salão logo em 1868 e estabeleceu-se permanentemente em França em 1874, mas o verdadeiro ponto de viragem da sua carreira surgiu em 1877, quando Edgar Degas — cujos pastéis ela já estudava obsessivamente, lembrando mais tarde que costumava "ir e esmagar o meu nariz contra aquela vitrine e absorvê-los" — a convidou para expor com os impressionistas, um grupo que operava totalmente fora do sistema oficial do Salão. Ela aceitou imediatamente: "Mudou a minha vida", disse. "Vi a arte então como queria vê-la". Mostrou onze obras na exposição impressionista crucial de 1879, a de maior sucesso comercial do grupo até à data, e permaneceu uma expositora ativa até 1886, tornando-se, segundo o crítico contemporâneo Gustave Geffroy, uma das "les trois grandes dames" do Impressionismo ao lado de Berthe Morisot e Marie Bracquemond — e a única americana formalmente admitida no círculo. Degas ensinou-lhe diretamente a técnica de gravura e pastel; os seus estúdios ficavam a cinco minutos de caminhada, e embora tenham tido confrontos amargos sobre o Caso Dreyfus décadas depois, a amizade manteve-se até à sua morte em 1917.

Pintar mulheres como sujeitos, não como paisagem

Enquanto os seus colegas impressionistas homens pintavam a vida nos cafés, bulevares e paisagens, Cassatt voltou a sua atenção quase exclusivamente para o mundo interior disponível a uma mulher da sua posição social: camarotes de teatro, mesas de chá e, acima de tudo, mães com crianças, um assunto que perseguiu com tal foco que depois de 1900 dominou inteiramente a sua produção, em composições que os historiadores de arte compararam à pintura renascentista da Madonna com o Menino, despida de enquadramento religioso. Crucialmente, as suas mulheres são representadas como observadoras ativas em vez de objetos passivos do olhar do espectador — uma distinção possível, em parte, porque Cassatt tinha acesso social aos espaços domésticos e privados das mulheres que os seus pares masculinos simplesmente não tinham. No Camarote (1878) mostra uma mulher na ópera segurando os seus próprios óculos de ópera, observando ativamente em vez de ser simplesmente observada; A Festa do Barco (1893-94), agora na Galeria Nacional de Arte de Washington, comprime uma mãe, um filho e um remador numa composição achatada e fortemente angulada que o museu atribui diretamente à "influência das superfícies planas e estampadas, cores simplificadas e ângulos incomuns das gravuras japonesas" então em voga em Paris.

Uma série de gravuras que os críticos ainda chamam de insuperável

A conquista técnica mais radical de Cassatt surgiu em 1891, quando exibiu uma série de gravuras a ponta seca e água-tinta a cores feitas como resposta direta a uma exposição marcante de gravuras ukiyo-e japonesas que tinha visto em Paris um ano antes. Trabalhando em estreita colaboração com Degas durante 1879-80 para dominar a gravura, ela levou a gravura para um território genuinamente original: cores pastel claras, perspetiva achatada e composições construídas em torno de padrões em vez de profundidade ilusionista. A crítica Adelyn Breeskin julgou mais tarde estas gravuras como "a sua contribuição mais original... tecnicamente, como gravuras a cores, nunca foram superadas" — uma afirmação sobre o artesanato puro em vez do tema, e um dos superlativos técnicos mais concretos aplicados a qualquer gravador da era impressionista.

Uma conselheira que construiu museus americanos

Para além das suas próprias telas, Cassatt moldou o que vários grandes museus americanos possuem hoje. Persuadiu os seus ricos amigos Havemeyer a comprar sistematicamente pinturas impressionistas e de Mestres Antigos, orientando uma coleção que acabou por ancorar grande parte das participações do Metropolitan Museum of Art. Foi uma sufragista assumida, mostrando dezoito obras numa exposição de 1915 em apoio ao direito de voto das mulheres, organizada por Louisine Havemeyer — uma posição que a colocou em conflito com uma cunhada antisufragista e lhe custou alguma benevolência familiar. A França concedeu-lhe a Légion d'honneur em 1904. Diabetes, reumatismo e cataratas avançadas forçaram-na a parar de pintar após 1914, e morreu quase cega no Château de Beaufresne, fora de Paris, a 14 de junho de 1926.

Por que Mary é chamada de génio

A versão mais forte da alegação de génio para Cassatt é sobre uma conquista formal e social específica: ela encontrou, dentro do estreito mundo doméstico que uma mulher do século XIX tinha permissão para ocupar, um assunto visual genuinamente novo — mulheres como observadoras ativas das suas próprias vidas — e executou-o com um rigor técnico, especialmente na gravura, que pares e críticos reconheceram como excecional durante a sua própria vida. O elogio irónico de Degas de que "nenhuma mulher tem o direito de desenhar assim" é por si só prova de que o seu desenho era lido, por um juiz notoriamente exigente, como pertencente a um registo que ele associava à mestria. A limitação honesta, reconhecida até por historiadores admiradores, é que a sua inovação foi maioritariamente inicial: na década de 1900 as suas composições de mãe e filho tornaram-se comercialmente adoradas, mas, nas palavras das contas padrão da sua carreira, ela "já não estava a abrir novos caminhos", e permaneceu ativamente hostil aos movimentos pós-impressionistas, fauvistas e cubistas que se seguiram ao seu. O seu génio, por outras palavras, é limitado — uma década ou duas de genuína inovação formal, particularmente na década de 1880 e na série de gravuras de 1891, seguidas de uma longa e bem-sucedida, mas largamente repetitiva, carreira tardia.

Legado

Cassatt foi incluída no National Women's Hall of Fame em 1973, e A Festa do Barco tem aparecido em selos postais dos EUA e na Coleção Chester Dale da Galeria Nacional desde então. As suas pinturas são agora vendidas por milhões de dólares em leilão, mas o seu legado mais duradouro percorre os museus americanos que ela ajudou silenciosamente a abastecer há um século, e através de um corpo de gravuras que os críticos ainda consideram um marco técnico que poucos pintores, de qualquer era, igualaram.