Ann-Margret: Der Star, der sein eigenes Image überdauerte

Im September 1972 stürzte sie während eines Auftritts in Lake Tahoe fast sieben Meter tief von einer Plattform, wobei sie sich den Arm, das Jochbein und den Kiefer brach und drei Tage im Koma lag. Sie unterzog sich einer Gesichtsrekonstruktion. Zehn Wochen später stand sie wieder auf der Bühne. Wenn Sie nach einer Tatsache suchen, die erklärt, warum eine Karriere, die darauf basierte, betrachtet zu werden, sieben Jahrzehnte überlebte, dann ist es diese: Ann-Margret war nie das zerbrechliche Wesen, als das sie in der Öffentlichkeit dargestellt wurde.

Von Schweden nach Illinois

Sie wurde am 28. April 1941 als Ann-Margret Olsson in Schweden geboren – Berichte über den genauen Ort unterscheiden sich; manche nennen Stockholm, andere ein kleines Fischerdorf im hohen Norden nahe dem Polarkreis. Die Familie emigrierte nach dem Zweiten Weltkrieg in die USA, kam 1946 an und ließ sich in Illinois nieder; 1949 wurde sie eingebürgert.

Nach eigenen Angaben war sie ein introvertiertes Kind, das Singen und Tanzen nutzte, um auszudrücken, was sie anders nicht sagen konnte – ein wichtiges Detail, denn das öffentliche Image, das sie später umgab, war das genaue Gegenteil von schüchtern. Sie arbeitete sich durch lokale Talentwettbewerbe und Schulaufführungen, besuchte kurz die Northwestern University und ging dann mit einer Jazzband nach Kalifornien. So kam es, dass eine in Schweden geborene Teenagerin aus Illinois in Las Vegas auftrat.

George Burns' Goldmine

In Las Vegas sprach sie bei George Burns vor, der sie in seine Show und in bedeutende Kasinos aufnahm. Burns, der über ein halbes Jahrhundert hinweg jede Art von Künstler gesehen hatte, brachte es auf den Punkt: "George Burns hat eine Goldmine in Ann-Margret... sie hat einen ganz eigenen Stil."

Danach beschleunigte sich alles. Das Magazin Life stempelte sie zum nächsten Hollywood-Starlet. Ihr Filmdebüt in Die unteren Zehntausend (1961) brachte ihr einen Golden Globe als Nachwuchsdarstellerin des Jahres ein. 1963 machte sie Bye Bye Birdie zum echten Star, und 1964 bildete sie in Tolle Nächte in Las Vegas an der Seite von Elvis Presley das elektrisierendste musikalische Paar seiner Filmkarriere – so sehr, dass Colonel Tom Parker angeblich die kommerzielle Veröffentlichung ihrer Duette einschränkte, aus Sorge, sie könnte seinen Klienten in den Schatten stellen.

Die Falle

So gut darin zu sein, diese Art von Star zu sein, erwies sich als berufliches Risiko. Die Industrie legte fest, was sie war – das Sexsymbol, die tanzende Rothaarige – und besetzte sie dementsprechend. Rollen, die ihr Aussehen ausbeuteten, häuften sich. Der Erfolg an den Kinokassen ließ nach. Ende der 1960er Jahre sah es so aus, als hätte die Karriere, die Life prophezeit hatte, ihren Zenit bereits überschritten, so wie das bei Starlets üblicherweise der Fall ist.

Die Kunst zu lieben

1971 beendete Die Kunst zu lieben (Originaltitel: Carnal Knowledge) diese Geschichte. Gegen alles besetzt, was das vorangegangene Jahrzehnt über sie festgelegt hatte, lieferte sie eine Darstellung roher, ungeschminkter emotionaler Offenheit ab. Die Industrie, die sie zehn Jahre lang als Dekoration benutzt hatte, nominierte sie für einen Academy Award. Sie gewann den Golden Globe. Vier Jahre später wurde sie für eine zweite Oscar-Nominierung für die Filmversion von Tommy (1975) bedacht – eine Rolle, die von ihr verlangte, sowohl eine Rockoper-Interpretin als auch eine zerbrechende Frau zu sein.

Zwei Oscar-Nominierungen in fünf Jahren, nach einem Start, der fast völlig von Kritikern ignoriert wurde, ist eine der markantesten Umkehrungen in der Geschichte Hollywoods.

Was das Darstellen eigentlich ist

Da sie als körperliche Präsenz vermarktet wurde, werden die Details ihrer Fähigkeiten oft übersehen, weshalb es sich lohnt, sie festzuhalten.

Sie ist erstens eine ausgebildete Tänzerin, und das zeigt sich in etwas Grundlegenderem als der Choreografie: Sie ist in allem rhythmisch präzise, auch im Dialog. Beobachten Sie sie gegenüber Presley, und der Grund, warum die Paarung funktioniert, ist, dass sie sich an sein musikalisches Timing anpasst, anstatt nur darauf zu reagieren.

Sie ist zweitens eine echte Sängerin und nicht nur ein Filmstar, der singt. Ihre Karriere begann in Kasino-Shows, und sie arbeitete dort weiter. Ein Vegas-Auftritt muss einen Saal jeden Abend aus eigener Kraft füllen, ohne Skript, ohne Schnitt und ohne Co-Star, der schwache Passagen trägt.

Und sie besitzt drittens eine Qualität, die erst zum Vorschein kam, als jemand sie endlich einforderte: das Fehlen von Selbstschutz vor der Kamera. Was Die Kunst zu lieben funktionieren lässt, ist, dass sie sich weigert, ihre Figur würdevoll darzustellen. Die Künstlerin, von der ein Jahrzehnt lang verlangt wurde, begehrenswert zu sein, war bereit, als verzweifelt wahrgenommen zu werden, was eine viel schwierigere Sache und eine völlig andere Fähigkeit ist.

Warum Ann-Margret als Genie bezeichnet wird

Die ehrliche Antwort ist, dass das Wort meist locker auf sie angewendet wird und dass es untersucht statt wiederholt werden sollte. Sie hat nicht geschrieben, Regie geführt, komponiert oder entwickelt. Sie war eine Darstellerin, die mit Material arbeitete, das andere schufen, und im ersten Jahrzehnt ihrer Karriere war dieses Material oft schwach.

Was außergewöhnlich ist, ist eine Kombination, die fast niemand durchhält: die vollständige Beherrschung dreier getrennter Handwerke – Tanzen, Singen und Schauspiel – auf professionellem Niveau gleichzeitig und die Fähigkeit, über sechzig Jahre hinweg an allen drei weiterzuarbeiten. Die meisten Multi-Talente sind in einer Disziplin stark und in den anderen nur ausreichend. Burns, ein sachkundiger Zeuge, identifizierte das Entscheidende, als er sagte, sie habe "einen ganz eigenen Stil": Der körperliche Rhythmus ist unverkennbar ihrer und er ist in einer Musical-Nummer, einer dramatischen Szene und einem Club-Auftritt gleichermaßen lesbar.

Die zweite außergewöhnliche Qualität ist schwerer zu benennen, aber leichter zu beweisen: eine ungewöhnliche Bereitschaft, gegen ihr eigenes Image besetzt zu werden, genau in dem Moment, als das Festhalten an diesem Image sicherer gewesen wäre. Es folgten zwei Oscar-Nominierungen.

Das Gegenargument ist, dass dies eher Ausdauer und Anpassungsfähigkeit als Genie im strengen Sinne ist – dass sie eine hervorragend begabte Unterhaltungskünstlerin war, die zwei großartige Rollen bekam und ihnen gewachsen war, was ein anderer Anspruch ist, als eine große Künstlerin zu sein. Ihre Filmografie enthält eine große Menge vergessenswerter Arbeit, einige davon in ihren stärksten Jahren. Und ein wesentlicher Teil ihrer frühen Wirkung war offen gesagt körperlich: Sie wurde auf die Leinwand gesetzt, um betrachtet zu werden, und sie war außergewöhnlich anzusehen.

Der letzte Punkt erfordert die meiste Ehrlichkeit. Ihr Ruhm begann als eine Frage der Präsenz, nicht der Interpretation. Was sie danach daraus machte – der Emmy 2010 für Law & Order: Special Victims Unit, das komödiantische Comeback in Ein verrücktes Paar – Der kürzere Weg ins Glück (1993), die siebzigjährige Arbeitskarriere – ist das Argument, sie ernst zu nehmen, und es ist ein starkes. Aber es ist ein Argument über Handwerk, Disziplin und Beständigkeit. Das sind die richtigen Worte. Genie ist übertrieben, und sie hat diese Überhöhung nie gebraucht.

Vermächtnis

Sie heiratete den Schauspieler Roger Smith im Jahr 1967; er wurde ihr Manager und lenkte die Neuerfindung, die sie vom Starlet zur zweifachen Oscar-Nominierten und Charakterdarstellerin machte. Ihr Name ist auf dem Hollywood Walk of Fame. Die Künstlerin, die eigentlich nur ein Phänomen der frühen sechziger Jahre sein sollte, gewann noch im 21. Jahrhundert Preise, was die einzige Widerlegung des Typecastings ist, die jemals wirklich funktioniert hat: einfach sich zu weigern aufzuhören.