Caspar David Friedrich: Pintor del alma solitaria

A los trece años, vio a su hermano menor caer a través del hielo de un lago congelado y ahogarse. Caspar David Friedrich pasó el resto de su vida pintando diminutas figuras humanas empequeñecidas por la niebla, el hielo, las ruinas y el cielo abierto; paisajes que se leen menos como documentación que como meditaciones sobre la mortalidad, la fe y el aislamiento, por parte de un artista que tenía razones para conocer los tres íntimamente.

Una infancia marcada por la muerte

Nacido el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, entonces parte de la Pomerania sueca en la costa báltica, Friedrich fue criado bajo una estricta piedad luterana por su padre, fabricante de velas y jabón. La pérdida llegó pronto y repetidamente: su madre murió en 1781 cuando él tenía siete años, una hermana al año siguiente, otra hermana de tifus en 1791, y su hermano Johann Christoffer se ahogó en 1787 tras caer a través del hielo del lago, una tragedia que Friedrich presenció de primera mano a los trece años. Comenzó su formación artística formal en 1790 bajo la tutela de Johann Gottfried Quistorp en la Universidad de Greifswald, donde también conoció al teólogo Ludwig Gotthard Kosegarten, cuya enseñanza de que la naturaleza era "una revelación de Dios" daría forma a su arte por el resto de su vida. De 1794 a 1798 estudió en la Academia de Copenhague bajo Christian August Lorentzen y Jens Juel, obteniendo acceso a la colección de paisajes holandeses de la Galería Real de Pintura antes de establecerse permanentemente en Dresde en 1798.

El avance y el Altar de Tetschen

La reputación de Friedrich se consolidó en 1805, cuando ganó un concurso en Weimar e impresionó a Johann Wolfgang von Goethe con sus dibujos a sepia. Su primera gran pintura, Cruz en la montaña (el Altar de Tetschen, 1808), rompió bruscamente con la convención al utilizar un paisaje, una cruz solitaria en la cima de una montaña, como tema de un retablo en lugar de una escena religiosa tradicional, y provocó una controversia inmediata sobre si la pintura de paisaje era adecuada para fines sagrados. Le siguieron Monje a la orilla del mar y Abadía en el robledal (1808–1810), pinturas construidas alrededor de figuras diminutas y aisladas situadas frente a entornos naturales o en ruinas abrumadores. La compra de dos de sus obras por parte del príncipe heredero de Prusia llevó a su elección para la Academia de Berlín en 1810, y obtuvo la ciudadanía sajona en 1816 y una membresía en la Academia Sajona con un modesto estipendio en 1818, aunque se le negó repetidamente la cátedra completa que buscaba, siendo su obra juzgada por sus contemporáneos como "demasiado personal, su punto de vista demasiado individual".

Rückenfigur y el paisaje del sentimiento

El recurso característico de Friedrich, la Rückenfigur, una figura mostrada de espaldas, contemplando una vasta escena natural en lugar de mirar al espectador, aparece a lo largo de sus obras más famosas, incluyendo El caminante sobre el mar de nubes y Acantilados de creta en Rügen, pintados después de su luna de miel en 1818. Pobló sus lienzos con cruces y cielos despejados que sugerían redención, y árboles muertos, anclas y ruinas que sugerían mortalidad y esperanza en un equilibrio inquietante, creando lo que los críticos alemanes llamaron die romantische Stimmungslandschaft: un paisaje saturado de sentimiento más que de mera topografía. Durante la ocupación napoleónica de Alemania, también se convirtió en uno de los primeros pintores en utilizar el paisaje como simbolismo político abierto, invocando al antiguo caudillo germánico Arminio en Tumbas de antiguos héroes (1812) y representando a un soldado francés condenado empequeñecido por un bosque oscuro en Bosque de abetos con el dragón francés y el cuervo (c. 1813).

Matrimonio, depresión y declive

Friedrich se casó con Caroline Bommer, hija de un tintorero veinte años menor que él, el 21 de enero de 1818; la pareja tuvo tres hijos, incluido Gustav Adolf, quien también se convirtió en pintor. El matrimonio hizo poco por aliviar su aislamiento (para 1820 era descrito como "el más solitario de los solitarios") y sufrió episodios depresivos documentados en 1799, 1803–1805, alrededor de 1813, en 1816 y nuevamente de 1824 a 1826, períodos durante los cuales buitres, búhos, cementerios y ruinas entraron en su imaginería y, después de 1826, nunca la abandonaron por completo. Un derrame cerebral en junio de 1835 le causó parálisis parcial y lo confinó a pequeñas acuarelas y dibujos a sepia durante sus años restantes. Murió en Dresde el 7 de mayo de 1840, en gran parte ignorado por el mundo del arte; su esposa Caroline murió en la pobreza siete años después.

Casi olvido, distorsión nazi y redescubrimiento

La reputación de Friedrich colapsó casi por completo después de su muerte y permaneció en lo que los historiadores describen como "casi olvido" hasta que una exposición en Berlín de treinta y dos de sus pinturas en 1906 comenzó su recuperación. Esa recuperación sufrió un grave revés en la década de 1930, cuando el régimen nazi se apropió de su imaginería para su ideología de "Sangre y Suelo", una distorsión aún visible en el veredicto desdeñoso del crítico Kenneth Clark de 1949 de que Friedrich trabajaba con una "técnica gélida" inadecuada para el gusto moderno. Historiadores del arte como Werner Hofmann, Helmut Börsch-Supan y Sigrid Hinz pasaron décadas recontextualizando su obra fuera de su uso político, y para la década de 1970 Friedrich había logrado un pleno renacimiento internacional; desde entonces, artistas desde Mark Rothko hasta Gerhard Richter y Anselm Kiefer han reclamado su influencia, y se dice que Samuel Beckett afirmó que la obra de Friedrich fue la fuente de Esperando a Godot.

Por qué Caspar es llamado un genio

El Museo Metropolitano de Arte, al organizar una gran retrospectiva de su obra, reconoció a Friedrich por haber "reimaginado la pintura de paisaje europea al retratar la naturaleza como un escenario para encuentros espirituales y emocionales profundos", desarrollando estrategias pictóricas que dieron al paisaje una interioridad que rara vez había tenido antes que él. Esa es la afirmación específica y defendible detrás de la palabra "genio" aquí: no el virtuosismo técnico al estilo de un dibujante como Durero, sino un salto conceptual, el reconocimiento de que una montaña, una ruina o un banco de niebla podían llevar el peso emocional y teológico previamente reservado para figuras en escenas religiosas. Su invención de la contemplativa Rückenfigur y su fusión del paisaje con el dolor personal y la fe luterana dieron a los pintores románticos, simbolistas e incluso abstractos del siglo XX un vocabulario para la experiencia interior que continuaron tomando prestado. El contraargumento honesto es que Friedrich fue, según el juicio de su propia época, un pintor difícil y de nicho, al que se le negaron los honores académicos completos en vida precisamente porque su visión se consideraba demasiado idiosincrásica, y su estatura actual debe tanto a un rescate historiográfico deliberado de mediados del siglo XX de la apropiación nazi como a una aclamación ininterrumpida.

Legado

Friedrich produjo más de quinientas obras atribuidas y ahora es considerado, en palabras del Met, como un artista cuya visión "meditativa y misteriosa" del paisaje "sigue siendo vital hoy en día"; un pintor de la duda y la fe en igual medida que pasó toda una vida convirtiendo el dolor privado en una nueva forma de ver la naturaleza.