Soshana Afroyim: Ein Jahrhundert des Exils, gemalt

Sie plante, ihre Autobiografie Das Mädchen, das Nein zu Picasso sagte zu nennen. Es war wahr – Picasso hatte sie auf dem Salon de Mai getroffen, sie in seine Villa in Vallauris eingeladen und 1954 ihr Porträt gezeichnet – und sie gab später eine gewisse Ambivalenz zu, damit zu beginnen. Das Problem mit der Anekdote ist nicht, dass sie falsch ist, sondern dass sie das am wenigsten Interessante an einer Frau ist, die mit elf Jahren aus Wien vertrieben wurde, den Atlantik auf dem, wie sie es nannte, letzten zivilen Schiff, das Europa verließ, überquerte, Pinselarbeit von buddhistischen Mönchen in Kyoto lernte, die königliche Familie von Sikkim malte und ihre Miete im Chelsea Hotel mit Leinwänden bezahlte.

Wien, 1938, und das letzte Schiff

Sie wurde am 1. September 1927 als Susanne Schüller in Wien in eine jüdische Mittelschichtfamilie geboren. Ihr Vater Fritz besaß eine Manschettenknopffabrik; ihre Mutter Margarethe war eine Bildhauerin, die das Zeichnen des Kindes förderte und sammelte, was sie machte. Im März 1938 beobachtete die Elfjährige den Anschluss von der Straße aus. „Ich sah Hitlers triumphalen Einzug in Wien“, erinnerte sie sich. „Mir wurde kalt und ich hatte schreckliche Angst.“

Die Familie floh: Schweiz, dann Paris, dann 1939 London, wo sie am Northwood College und am Chelsea Polytechnic studierte und die Nächte des Blitz in Luftschutzbunkern verbrachte. Sie zeichnete, was sie sah, einschließlich eines Blattes mit dem Titel Hitler als Clown. 1941 segelten sie an Bord der S.S. Madura nach New York. Sie sollte für die nächsten fünfundsechzig Jahre in Bewegung sein, in die eine oder andere Richtung.

Ein Name aus Havanna

In New York besuchte sie die Washington Irving High School und studierte Malerei bei dem Künstler Beys Afroyim. Mit siebzehn reiste sie mit ihm durch Amerika und malte Thomas Mann, Otto Klemperer und Arnold Schoenberg; 1945 porträtierten sie Delegierte auf der Konferenz von San Francisco, die die Vereinten Nationen gründete. Sie heiratete Afroyim in jenem Jahr; ihr Sohn Amos wurde 1946 geboren. 1948, für ihre erste große Einzelausstellung in Havanna, gab Beys ihr den Namen, den sie für den Rest ihres Lebens tragen sollte: Soshana. Die Ehe endete 1950 im gegenseitigen Einvernehmen, und 1951 nahm sie Amos mit zurück nach Wien.

Wien hielt sie nicht. Sie schrieb sich 1950 an der Universität für angewandte Kunst und 1952 an der Akademie der bildenden Künste ein, studierte bei Sergius Pauser und Albert Paris Gütersloh, fand das akademische Regime unerträglich und ging im selben Jahr nach Paris.

Paris: Derains Atelier, Brâncuși nebenan

Paris war von 1952 bis 1972 ihre Basis, und allein die Adressliste ist außergewöhnlich: Sie arbeitete in Ateliers, die zuvor von André Derain und Paul Gauguin belegt waren, mit Constantin Brâncuși als Nachbarn, der sie, wie sie sagte, wie eine Tochter liebte. Sie kannte Kupka, Max Ernst, Yves Klein und Marc Chagall. Alberto Giacometti zählte sie zu ihren engsten Freunden.

Ihre Malerei änderte sich entsprechend. Die naturalistischen Landschaften und Porträts der amerikanischen Jahre – fauvistisch und amerikanisch-realistisch geprägt, dann sozialrealistisch unter Beys' Einfluss, voller Straßenszenen, Fabrikarbeiter und Gesichter mit einem deutlich melancholischen Blick – wichen der École de Paris, dem Informel und dem Abstrakten Expressionismus. Kritiker haben ihr Werk neben Jackson Pollock, Georges Mathieu und Hans Hartung gestellt.

Der Pinsel aus Kyoto

Der entscheidende Wandel kam aus Asien. 1956–57 reiste sie durch China, Indien, Thailand, Kambodscha und Japan und stellte 1957 in Peking aus. In Kyoto brachten ihr buddhistische Mönche die kalligrafische Technik auf Xuan-Papier bei. Die Kunst der Kalligrafie wurde prägend für ihren Malstil: Sie nahm chinesische Tinte auf Papier und übertrug die Geste dann auf Öl. Von diesem Punkt an hat ihre Abstraktion einen spezifischen Charakter – nicht die Ansammlung westlicher Pinselstriche, sondern der einzelne, engagierte, unwiederholbare Strich.

Sie entwickelte eine Signaturmethode mit Terpentin, die als eine Art umgekehrte Tropfmalerei beschrieben wurde und Oberflächen mit der Struktur von Flüssigkristallen erzeugte. Sie wiederholte gerne, was Biochemiker ihr sagten: dass ihre Bilder dem ähnelten, was man sieht, wenn man durch ein Mikroskop schaut.

Mexiko, Sikkim, das Chelsea Hotel

1959 malte sie Albert Schweitzer in Lambaréné. Im selben Jahr arbeitete sie in Paris und Alba mit dem italienischen Künstler Pinot Gallizio zusammen und produzierte etwa zwanzig gemeinsame Gemälde, die sie für beeindruckend hielt – bis sein Händler sich weigerte, ihren Namen neben seinem erscheinen zu lassen. Durch Gallizio näherte sie sich der Avantgarde-Gruppe COBRA, die sich weigerte, sie als Vollmitglied aufzunehmen, weil sie eine Frau war.

Zwischen 1964 und 1966 lebte sie in Cuernavaca, freundete sich mit Rufino Tamayo und David Alfaro Siqueiros an und eröffnete eine Ausstellung im Palacio de Bellas Artes. Mexiko drängte sie in Richtung des Surrealen: unendliche Horizonte, ausgedehnte endlose Räume, in denen mysteriöse Formen, Masken oder Köpfe zu schweben scheinen. Eine zweite Weltreise 1968 führte sie durch die Südsee, die Karibik, Bali, Australien, Indien, Nepal, Afghanistan, den Iran und Israel; 1969 beauftragte sie der Chogyal von Sikkim, die königliche Familie zu malen. Sie zog 1972 nach Jerusalem und ging, als der Jom-Kippur-Krieg ausbrach, und kam 1974 in New York an.

Das New Yorker Jahrzehnt verbrachte sie im Chelsea Hotel, wo sie ihre Miete mit Gemälden beglich. Sie kannte Mark Rothko und Francesco Clemente und blieb Adolph Gottlieb nahe. Sie stellte ständig aus und war unglücklich, und 1985 kehrte sie nach Wien zurück.

Das Frauenproblem

Das Hindernis wiederholt sich ihr ganzes Leben lang mit deprimierender Beständigkeit. Galeriebesitzer sagten ihr offen, dass sie keine Künstlerinnen unter Vertrag nehmen wollten – es galt als zu riskant, weil eine Frau heiraten, Kinder bekommen und ihre Karriere aufgeben könnte. COBRA lehnte sie aus den gleichen Gründen ab. Gallizios Händler löschte ihre Signatur. Dass sie dennoch in die Sammlungen der Albertina, des Jüdischen Museums in New York, des Israel Museums, des Hirshhorn und der Museen für moderne Kunst in Paris, Rom, Rio, São Paulo, Mexiko-Stadt und Neu-Delhi aufgenommen wurde, ist ein Maß dafür, wie hart sie kämpfen musste.

Warum Soshana als Genie bezeichnet wird

Die Qualität, die es wert ist, benannt zu werden, ist eher aufnahmefähig als erfinderisch: eine außergewöhnliche Fähigkeit, eine Technik aus einer Kultur, die völlig außerhalb ihrer eigenen liegt, aufzunehmen und sie in eine persönliche Sprache statt in ein Souvenir zu verwandeln. Viele europäische Maler der Jahrhundertmitte flirteten mit ostasiatischer Kalligrafie. Soshana ging nach Kyoto, saß mit Mönchen zusammen, lernte Tinte auf Xuan-Papier und baute dann ihre Ölmalerei um das herum auf, was der Pinsel sie gelehrt hatte. Die darauf folgende Terpentin-Tropfmethode ist wirklich ihre eigene, und das mikroskopisch-kristalline Ergebnis war so ausgeprägt, dass Wissenschaftler ihre eigenen Bilder darin erkannten. Ihr eigener Bericht über den Zustand – „Wenn ich male, vergesse ich alles um mich herum, ich werde eins mit der Leinwand und drücke meinen Schmerz aus“ – beschreibt eine ungewöhnlich vollständige Absorption.

Das Gegenargument ist, dass das Wort nach diesem Beweis nicht von bedeutenden Kritikern verwendet wurde. Sie wird mit Pollock, Mathieu und Hartung verglichen – was sie innerhalb des Informel und des Abstrakten Expressionismus platziert, anstatt an deren Ursprung. Sie gründete nichts und führte nichts an. Und sie war, nach ihrem eigenen strategischen Eingeständnis, bereit, sich durch die Nähe zu Picasso zu vermarkten, was der Schachzug einer Künstlerin ist, die wusste, dass ihre Arbeit allein die Türen nicht öffnete. Ein Teil ihrer Berühmtheit ist die Berühmtheit eines außergewöhnlichen Lebens. Das faire Urteil ist, dass Soshana eine ernsthafte, originelle und radikal kosmopolitische Abstraktionistin war, deren Reichweite über Kulturen hinweg fast jeden ihrer Generation übertraf und deren Ruf systematisch von einem Galeriesystem unterdrückt wurde, das keine Frauen unter Vertrag nahm.

Vermächtnis

Österreich holte spät auf. Eine Gedenkbriefmarke erschien 2008, dem Jahr, in dem die Österreichische Nationalbibliothek ihren Nachlass aus Manuskripten, Fotografien, Briefen und Dokumenten erwarb; das Goldene Verdienstzeichen des Landes Wien folgte 2009 und das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst 2010. Eine Monografie erschien 2010 und ein Dokumentarfilm gewann 2014 den Silbernen Delphin in Cannes. Sie malte weiter in einem Pflegeheim, nachdem ihre Gesundheit 2005 nachließ, und starb am 9. Dezember 2015 in Wien im Alter von achtundachtzig Jahren – in der Stadt, die sie einst zur Flucht gezwungen hatte.