Mary Cassatt: Die Amerikanerin, die Frauen beim Beobachten malte

Edgar Degas sagte einmal zu Mary Cassatt: „Keine Frau hat das Recht, so zu zeichnen.“ Es war nicht ganz ein Kompliment und auch nicht ganz eine Beleidigung – ein widerwilliges Zugeständnis eines notorisch schwierigen Malers, dass die Amerikanerin, die er persönlich in den Impressionistenkreis rekrutiert hatte, mit einer Disziplin zeichnete, die er nur Männern zuschrieb. Cassatt verbrachte die nächsten vier Jahrzehnte damit, zu beweisen, dass das Kompliment wahr war und die Beleidigung nebensächlich, und wurde die einzige Amerikanerin, die jemals offiziell in die Impressionistengruppe aufgenommen wurde, und eine der wenigen Malerinnen ihrer Zeit, die das Privatleben von Frauen von innen heraus darstellte und nicht als reine Kulisse.

Eine amerikanische Erbin, die eine Karriere wollte, keine Ehe

Cassatt wurde am 22. Mai 1844 in Allegheny, Pennsylvania, heute Teil von Pittsburgh, in eine Familie der oberen Mittelschicht geboren; ihr Vater war Börsenmakler und Landspekulant, ihr Bruder Alexander wurde später Präsident der Pennsylvania Railroad, und ihre Mutter, belesen und gut gebildet, war der Elternteil, dem Cassatts eigener Kreis die Formung ihres Intellekts zuschrieb. Mit fünfzehn Jahren schrieb sie sich an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts ein, entgegen den familiären Einwänden gegen eine professionelle künstlerische Laufbahn für eine Tochter, und studierte dort während der Jahre des Bürgerkriegs, bevor sie zu dem Schluss kam, dass das Tempo der Schule und die Herablassung ihrer männlichen Kommilitonen ihr nichts mehr beibringen konnten. 1866 zog sie nach Paris; da ihr als Frau der Zugang zur École des Beaux-Arts verwehrt blieb, wurde sie privat von Jean-Léon Gérôme, Charles Chaplin und Thomas Couture ausgebildet und kopierte täglich Gemälde im Louvre, um die technische Grundlage zu schaffen, die die Akademie ihr nicht geben wollte.

Eine Einladung von Degas ändert alles

Cassatt wurde bereits 1868 zum Salon zugelassen und ließ sich 1874 dauerhaft in Frankreich nieder, aber der eigentliche Wendepunkt ihrer Karriere kam 1877, als Edgar Degas – dessen Pastelle sie bereits obsessiv studiert hatte, wobei sie sich später erinnerte, dass sie früher „hinging und meine Nase gegen das Schaufenster drückte und sie aufsog“ – sie einlud, mit den Impressionisten auszustellen, einer Gruppe, die völlig außerhalb des offiziellen Salonsystems operierte. Sie akzeptierte sofort: „Es hat mein Leben verändert“, sagte sie. „Ich sah die Kunst damals so, wie ich sie sehen wollte.“ Sie zeigte elf Werke auf der entscheidenden Impressionisten-Ausstellung 1879, dem bis dato kommerziell erfolgreichsten Auftritt der Gruppe, und blieb bis 1886 eine aktive Ausstellerin. Laut dem zeitgenössischen Kritiker Gustave Geffroy wurde sie zu einer der „les trois grandes dames“ des Impressionismus neben Berthe Morisot und Marie Bracquemond – und zur einzigen Amerikanerin, die jemals offiziell in den Kreis aufgenommen wurde. Degas brachte ihr direkt die Radier- und Pastelltechnik bei; ihre Ateliers waren nur fünf Gehminuten voneinander entfernt, und obwohl sie Jahrzehnte später wegen der Dreyfus-Affäre heftig aneinandergerieten, hielt die Freundschaft bis zu seinem Tod 1917.

Frauen als Subjekte malen, nicht als Kulisse

Während ihre männlichen impressionistischen Kollegen das Caféleben, Boulevards und Landschaften malten, wandte Cassatt ihre Aufmerksamkeit fast ausschließlich der Innenwelt zu, die einer Frau ihres sozialen Standes zugänglich war: Theaterlogen, Teetische und vor allem Mütter mit Kindern, ein Thema, das sie mit solchem Fokus verfolgte, dass es nach 1900 ihr gesamtes Werk dominierte, in Kompositionen, die Kunsthistoriker mit der Renaissance-Malerei von Madonna und Kind verglichen haben, befreit von religiösem Rahmen. Entscheidend ist, dass ihre Frauen als aktive Betrachterinnen und nicht als passive Objekte des Blicks des Betrachters dargestellt werden – eine Unterscheidung, die teilweise möglich war, weil Cassatt sozialen Zugang zu den häuslichen und privaten Räumen von Frauen hatte, den ihre männlichen Kollegen einfach nicht hatten. In der Loge (1878) zeigt eine Frau in der Oper, die ihre eigene Operngläser hält und aktiv beobachtet, anstatt nur beobachtet zu werden; Die Bootsfahrt (1893–94), heute in der National Gallery of Art in Washington, komprimiert eine Mutter, ein Kind und einen Ruderer in eine flache, scharf abgewinkelte Komposition, die das Museum direkt dem „Einfluss der flachen, gemusterten Oberflächen, vereinfachten Farben und ungewöhnlichen Winkel japanischer Drucke“ zuschreibt, die damals in Paris in Mode waren.

Eine Druckserie, die Kritiker immer noch als unübertroffen bezeichnen

Cassatts radikalste technische Errungenschaft kam 1891, als sie eine Serie von Farbkaltnadelradierungen und Aquatinten ausstellte, die als direkte Reaktion auf eine bahnbrechende Ausstellung japanischer Ukiyo-e-Drucke entstanden, die sie ein Jahr zuvor in Paris gesehen hatte. In enger Zusammenarbeit mit Degas während 1879-80, um das Radieren zu meistern, stieß sie in wirklich originelles Gebiet vor: helle Pastellfarben, abgeflachte Perspektive und Kompositionen, die eher auf Mustern als auf illusionistischer Tiefe aufbauten. Die Kritikerin Adelyn Breeskin beurteilte diese Drucke später als „ihren originellsten Beitrag... technisch als Farbdrucke wurden sie nie übertroffen“ – eine Behauptung über reines Handwerk statt über den Gegenstand, und eines der konkreteren technischen Superlative, die auf einen Grafiker der Impressionisten-Ära angewendet wurden.

Eine Beraterin, die amerikanische Museen aufbaute

Jenseits ihrer eigenen Leinwände prägte Cassatt das, was mehrere große amerikanische Museen heute besitzen. Sie überredete ihre wohlhabenden Freunde, die Havemeyers, systematisch impressionistische und altmeisterliche Gemälde zu kaufen, und lenkte eine Sammlung, die letztlich einen großen Teil des Bestandes des Metropolitan Museum of Art verankerte. Sie war eine ausgesprochene Suffragette und zeigte achtzehn Werke auf einer Ausstellung 1915 zur Unterstützung des Frauenwahlrechts, die von Louisine Havemeyer organisiert wurde – eine Haltung, die sie in Konflikt mit einer antisuffragistischen Schwägerin brachte und sie etwas familiäres Wohlwollen kostete. Frankreich verlieh ihr 1904 die Légion d'honneur. Diabetes, Rheuma und fortschreitender Grauer Star zwangen sie, nach 1914 das Malen aufzugeben, und sie starb am 14. Juni 1926 fast blind im Château de Beaufresne bei Paris.

Warum Mary als Genie bezeichnet wird

Die stärkste Version des Genie-Anspruchs für Cassatt bezieht sich auf eine spezifische formale und soziale Errungenschaft: Sie fand innerhalb der engen häuslichen Welt, die eine Frau des 19. Jahrhunderts besetzen durfte, ein wirklich neues visuelles Thema – Frauen als aktive Beobachterinnen ihres eigenen Lebens – und führte es mit einer technischen Strenge aus, besonders in der Druckgrafik, die Zeitgenossen und Kritiker zu ihren Lebzeiten als außergewöhnlich erkannten. Degas' ironisches „keine Frau hat das Recht, so zu zeichnen“ ist selbst ein Beweis dafür, dass ihre Zeichenkunst für einen notorisch anspruchsvollen Richter als zu einem Register gehörend gelesen wurde, das er mit Meisterschaft assoziierte. Die ehrliche Einschränkung, die selbst von bewundernden Historikern anerkannt wird, ist, dass ihre Innovation größtenteils zu Beginn stattfand: Bis zu den 1900er Jahren waren ihre Mutter-Kind-Kompositionen kommerziell beliebt geworden, aber, in den Worten der Standarddarstellungen ihrer Karriere, „betrat sie kein Neuland mehr“, und sie blieb aktiv feindselig gegenüber den Post-Impressionismus-, Fauvismus- und Kubismus-Bewegungen, die auf ihre eigene folgten. Ihr Genie ist mit anderen Worten begrenzt – ein oder zwei Jahrzehnte echter formaler Innovation, besonders in den 1880er Jahren und der Druckserie von 1891, gefolgt von einer langen, erfolgreichen, aber weitgehend repetitiven Spätkarriere.

Vermächtnis

Cassatt wurde 1973 in die National Women's Hall of Fame aufgenommen, und Die Bootsfahrt ist seitdem auf US-Briefmarken und in der Chester Dale Collection der National Gallery erschienen. Ihre Gemälde verkaufen sich heute bei Auktionen für Millionen von Dollar, aber ihr dauerhafteres Vermächtnis zieht sich durch die amerikanischen Museen, deren Bestand sie vor einem Jahrhundert stillschweigend mit aufbaute, und durch eine Sammlung von Drucken, die Kritiker immer noch als technischen Höhepunkt betrachten, den nur wenige Maler jeder Ära erreicht haben.