Henry Moore: I fori come scultura

A undici anni, in una cittadina mineraria di carbone nello Yorkshire, Henry Moore ascoltò un sermone su Michelangelo e decise, su due piedi, di diventare uno scultore. Gli ci vollero altri tre decenni, una guerra e un incontro fortuito con una statua tolteco-maya vecchia di mille anni al Louvre per giungere alla scoperta che lo avrebbe definito: il fatto che un foro tagliato attraverso un blocco di pietra potesse sostenere tanto peso scultoreo quanto la pietra lasciata intorno ad esso.

Il figlio di un minatore che rifiutò la miniera

Moore nacque il 30 luglio 1898 a Castleford, nel West Riding dello Yorkshire, il settimo degli otto figli di Raymond Spencer Moore, caporeparto nella miniera di Wheldale, e di Mary Baker Moore. La famiglia viveva vicino alla soglia della povertà, ma Raymond Moore, autodidatta e determinato a fare in modo che nessuno dei suoi figli scendesse sottoterra, spinse per la loro istruzione. Un'insegnante d'arte della Castleford Secondary School, Alice Gostick, sostenne l'ambizione del giovane Moore e, dopo il servizio nella prima guerra mondiale — sopravvisse a un attacco con gas mostarda a Cambrai nel 1917 —, si formò alla Leeds School of Art, dove conobbe la scultrice Barbara Hepworth, per poi vincere nel 1921 una borsa di studio per il Royal College of Art di Londra. Una borsa di studio per viaggi nel 1924 lo portò attraverso l'Italia rinascimentale e a Parigi, dove iniziò a studiare le cosiddette tradizioni di intaglio "primitive" nelle collezioni etnografiche del British Museum: sculture messicane, africane e cicladiche che la tradizione accademica europea aveva ampiamente ignorato.

L'intaglio diretto e una statua al Louvre

La prima produzione scultorea di Moore seguì il principio dell'intaglio diretto, allora associato a modernisti come Brâncuși: lavorare la pietra o il legno a mano anziché modellare l'argilla per farla riprodurre da un fonditore, lasciando che le venature e la durezza del materiale plasmassero la forma finale — una dottrina che lui e i suoi contemporanei chiamavano verità ai materiali. La svolta arrivò nel 1924, quando Moore vide il calco in gesso di una figura reclinata Chac Mool tolteco-maya nel museo etnografico del Trocadéro. La sua posa massiccia e reclinata si impresse nella sua immaginazione e divenne il soggetto più persistente della sua carriera: la figura reclinata, rielaborata in pietra, legno e infine bronzo per i successivi sessanta anni, che quasi sempre rappresenta una donna, spesso letta come madre e figlio o come paesaggio in forma umana.

Tagliare attraverso la forma solida

Nel corso degli anni '30 Moore sviluppò l'innovazione che separa la sua opera matura da ogni precedente figura reclinata: perforare la massa solida con fori e vuoti, in modo che lo spazio negativo della scultura diventasse un elemento compositivo attivo tanto quanto il suo bronzo o la sua pietra. Descrisse l'obiettivo come scolpire "lo spazio, non solo intorno a loro ma in genere attraverso di loro", trasformando l'assenza in forma. Sperimentò brevemente con il gruppo surrealista di Londra organizzato da Roland Penrose a metà degli anni '30, ma il suo stile maturo rimase più vicino a un'astrazione radicata nel corpo che alla fantasia surrealista. Verso la fine degli anni '30 aveva inoltre ampiamente abbandonato il puro intaglio diretto a favore della modellazione di bozzetti in argilla e gesso da fondere in bronzo, un cambiamento che gli permise di lavorare a una scala — e di produrre un volume di commissioni pubbliche — che l'intaglio diretto nella pietra non avrebbe mai potuto sostenere.

Il Blitz, sottoterra

La seconda guerra mondiale indirizzò l'opera di Moore in una direzione inaspettata. Incaricato dal comitato consultivo degli artisti di guerra di Kenneth Clark, trascorse l'inverno del 1940-41 a disegnare i londinesi che si rifugiavano dal Blitz nelle stazioni della metropolitana, corpi rannicchiati avvolti in coperte sulle banchine, immagini giudicate in seguito tra le migliori prodotte dal programma WAAC. Nel 1941 tornò nello Yorkshire per disegnare i minatori nella miniera di Wheldale, il vecchio luogo di lavoro di suo padre, chiudendo un cerchio iniziato con la sua decisione infantile di evitare del tutto la miniera. I disegni dei rifugi diedero a Moore il suo primo vasto riconoscimento pubblico in Gran Bretagna e collegarono le sue figure astratte e biomorfe — che alcuni spettatori trovavano fredde o difficili — a un soggetto inequivocabilmente umano: corpi che resistono sottoterra, in attesa della fine di una guerra.

Da scultore di studio a simbolo nazionale

A seguito dei danni da bombe subiti dal suo studio londinese nel 1940, Moore e sua moglie Irina Radetsky, che aveva sposato nel 1929, si trasferirono in una casa colonica chiamata Hoglands a Perry Green, nell'Hertfordshire, che rimase la sua casa e il suo laboratorio per il resto della vita; la loro figlia Mary nacque lì nel 1946. Seguirono commissioni pubbliche su una scala che pochi scultori raggiungono mai: Gruppo di famiglia (1950) per la nuova città di Stevenage, una Figura reclinata per il Festival of Britain del 1951, una Figura reclinata in marmo per la sede dell'UNESCO a Parigi nel 1958 e Energia nucleare (1967), un bronzo di dodici piedi che segna il luogo della prima reazione nucleare controllata all'Università di Chicago. Vinse il Premio Internazionale per la Scultura alla Biennale di Venezia del 1948, fu nominato Compagno d'Onore nel 1955 e membro dell'Ordine al Merito nel 1963, e rifiutò il cavalierato nel 1951 per il timore che ciò lo allontanasse dai colleghi artisti. Secondo la Henry Moore Foundation, divenne "il primo artista britannico a diventare una stella globale durante la sua vita", e la sua opera fu considerata sinonimo del modernismo britannico del dopoguerra stesso.

Perché Henry viene chiamato genio

La tesi a favore del genio di Moore poggia su una singola intuizione formale applicata con straordinaria coerenza: la consapevolezza che un foro non è un'assenza di scultura ma una parte di essa, portante nella composizione esattamente come il materiale solido che lo circonda. Si tratta di un salto concettuale piuttosto che di una dimostrazione di pura virtuosità nell'intaglio — Moore era tecnicamente abile, ma molti dei suoi contemporanei scolpivano altrettanto bene; quasi nessuno di loro pensò di lasciare che il vuoto svolgesse un lavoro compositivo nel modo in cui lo fece lui dopo l'incontro con il Chac Mool. La Henry Moore Foundation gli riconosce il merito di aver catalizzato "un Rinascimento scultoreo britannico" che ha plasmato Anthony Caro, Phillip King e altri assistenti passati dal suo studio. Il controargomento onesto, sollevato dai giovani scultori della cosiddetta generazione della "Geometria della paura" della Biennale di Venezia del 1952, è che il vocabolario delle figure reclinate di Moore si sia calcificato in una formula che egli ha ripetuto, a scala crescente e per parcelle di commissione crescenti, per decenni dopo che l'intuizione originale era stata formulata. Se tale ripetizione debba essere letta come maestria o come marchio di fabbrica è ancora oggetto di dibattito.

Eredità

Moore morì a Hoglands il 31 August 1986, avendo donato trentasei sculture alla Tate Gallery nel 1978 e istituito la Henry Moore Foundation nel 1977 per mantenere la sua tenuta e i suoi studi a Perry Green aperti al pubblico in perpetuo. Al momento della sua morte, era lo scultore vivente le cui opere venivano vendute alle aste ai prezzi più alti in tutto il mondo, e le sue figure reclinate si ergono ancora fuori da parlamenti, università e musei in cinque continenti — scultura pubblica nata dalla scoperta privata che un foro nella pietra poteva essere espressivo quanto la pietra stessa.