Leo Ornstein

>

L'improvisation est terriblement hasardeuse.

Leo Ornstein fut un compositeur expérimental et pianiste américain majeur du début du vingtième siècle. Ses interprétations d'œuvres de compositeurs d'avant-garde et ses propres pièces novatrices, voire choquantes, firent de lui une célébrité des deux côtés de l'Atlantique.

Ornstein fut le premier compositeur important à faire un usage étendu du cluster tonal. En tant que pianiste, il était considéré comme un talent de classe mondiale. Au milieu des années 1920, il tourna le dos à sa célébrité et disparut bientôt de la mémoire populaire. Bien qu'il ait donné son dernier concert public avant l'âge de quarante ans, il continua à composer de la musique pendant un demi-siècle supplémentaire et au-delà. Largement oublié pendant des décennies, il fut redécouvert au milieu des années 1970. Ornstein acheva sa huitième et dernière sonate pour piano en septembre 1990 à l'âge de quatre-vingt-quatorze ans, faisant de lui le compositeur publié le plus âgé de l'histoire, un record depuis dépassé par Elliott Carter.

Sommaire 1 Jeunesse 2 Célébrité et « futurisme » 3 Transition dans les années 1920 4 Vie ultérieure 5 Voir aussi 6 Notes 7 Sources 8 Liens externes 8.1 Écoute

Jeunesse

Ornstein naquit à Krementchouk, une grande ville de la province ukrainienne de Poltava, alors sous domination impériale russe. Il grandit dans un environnement musical — son père était chantre juif, tandis qu'un oncle violoniste encourageait les études du jeune garçon. Ornstein fut reconnu très tôt comme un prodige du piano ; en 1902, lorsque le célèbre pianiste polonais Josef Hofmann visita Krementchouk, il entendit le jeune Ornstein, âgé de six ans, jouer. Hofmann lui donna une lettre de recommandation pour le très réputé Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Peu après, Ornstein fut accepté comme élève à l'École impériale de musique de Kiev, alors dirigée par Vladimir Puchalsky. Un décès dans la famille força le retour d'Ornstein chez lui. En 1903, Ossip Gabrilovich l'entendit jouer et le recommanda au Conservatoire de Moscou. En 1904, Ornstein, âgé de neuf ans, auditionna pour l'école de Saint-Pétersbourg et fut accepté. Il y étudia la composition avec Alexandre Glazounov et le piano avec Anna Essipova. À l'âge de onze ans, Ornstein gagnait sa vie en accompagnant des chanteurs d'opéra. Pour échapper aux pogroms incités par l'organisation nationaliste et antisémite Union du peuple russe, la famille émigra aux États-Unis le 24 février 1906, exactement quatre-vingt-seize ans avant sa mort. Ils s'installèrent dans le Lower East Side de New York, et Ornstein s'inscrivit à l'Institute of Musical Art — prédécesseur de la Juilliard School — où il étudia le piano avec Bertha Feiring Tapper. En 1911, il fit des débuts new-yorkais bien accueillis avec des pièces de Bach, Beethoven, Chopin et Schumann. Des enregistrements deux ans plus tard d'œuvres de Chopin, Grieg et Poldini démontrent, selon l'historien de la musique Michael Broyles, « un pianiste de sensibilité, d'une capacité technique prodigieuse et d'une maturité artistique ».

Célébrité et « futurisme »

Ornstein s'orienta bientôt dans une direction très différente. Il commença à composer des œuvres contenant des sonorités dissonantes et saisissantes. Ornstein lui-même fut déstabilisé par les premières de ces compositions : « J'ai vraiment douté de ma santé mentale au début. Je me disais simplement : qu'est-ce que c'est ? C'était tellement éloigné de toute expérience que j'avais jamais eue. » Le 27 mars 1914, à Londres, il donna sa première interprétation publique d'œuvres alors qualifiées de « futuristes », aujourd'hui connues comme modernistes. En plus d'un arrangement par Busoni de trois préludes chorals de Bach et de plusieurs pièces de Schoenberg, Ornstein joua un certain nombre de ses propres compositions. Le concert provoqua un émoi considérable. Un journal décrivit l'œuvre d'Ornstein comme « la somme de Schoenberg et Scriabine au carré ». D'autres furent moins analytiques : « Nous n'avons jamais souffert d'une telle hideur insupportable, exprimée en termes de prétendue musique. »

La prestation suivante d'Ornstein provoqua une quasi-émeute : « Lors de mon deuxième concert, consacré à mes propres compositions, j'aurais pu jouer n'importe quoi. Je ne pouvais pas entendre le piano moi-même. La foule sifflait et hurlait et lançait même des projectiles à portée de main sur la scène. » La réaction, cependant, ne fut nullement universellement négative — le Musical Standard le qualifia de « l'un des compositeurs les plus remarquables de l'époque... ce germe de réalisme et d'humanité qui est révélateur de génie ». L'année suivante, il était au centre des conversations de la scène musicale américaine pour ses interprétations d'œuvres avant-gardistes de Schoenberg, Scriabine, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel et Stravinsky — dont beaucoup étaient des premières américaines —, ainsi que pour ses propres compositions, encore plus radicales.

 Les violents clusters tonaux de Wild Men's Dance (vers 1913-14) (Poon Hill Press/Severo Ornstein) Entre 1915 et le début des années 1920, période où il cessa pratiquement de se produire en public, Ornstein était l'une des figures les plus connues — et selon certains, les plus scandaleuses — de la musique classique américaine. Selon Broyles et Denise Von Glahn, « son pouvoir d'attraction était immense. Il se produisait constamment devant des salles combles, souvent de plus de deux mille personnes, constituant en de nombreux endroits "le plus vaste public de la saison." » Ses pièces pour piano solo telles que Wild Men's Dance, également intitulée Danse Sauvage (vers 1913-14), et Impressions of the Thames (vers 1913-14) ont été pionnières dans l'utilisation intégrée de l'agrégat sonore dans la composition de musique classique, que Henry Cowell, de trois ans son cadet, contribuerait encore davantage à populariser. Selon le chercheur Gordon Rumson, Wild Men's Dance est une « œuvre au rythme véhément et indiscipliné, composée d'agrégats denses d'accords... et d'accents brutaux. Des rythmes complexes et des accords colossaux fracassants parcourent toute l'étendue du piano. Il s'agit toujours d'une œuvre destinée à un grand virtuose capable de l'imprégner d'une énergie ardente et féroce. » Aaron Copland se rappelait une de ses exécutions comme le moment le plus controversé de sa fin d'adolescence. En 2002, un critique du New York Times déclara qu'elle « demeure un choc. » Selon le critique Kyle Gann, Impressions of the Thames, « si debussyste dans ses textures, utilisait des accords plus piquants que Debussy n'osa jamais, ainsi que des agrégats dans le registre aigu et un martèlement grave qui annonçait Charlemagne Palestine, tout en modulant... avec un sens convaincant de l'unité. »

En tant qu'exemple de ce qu'Ornstein décrivait comme une « musique abstraite », sa Sonate pour violon et piano (1915 ; non 1913 comme il est souvent indiqué par erreur) alla encore plus loin ; « jusqu'au bord du précipice », comme il le formula : « Je dirais que j'avais amené la musique jusqu'à l'extrême limite... Je me suis simplement retiré en disant : "au-delà se trouve le chaos complet." » En 1916, le critique Herbert F. Peyser déclara que « le monde a en effet progressé entre l'époque de Beethoven et celle de Leo Ornstein. » Ce printemps-là, Ornstein donna une série de récitals dans la résidence new-yorkaise de l'un de ses défenseurs ; ces concerts constituèrent des précédents cruciaux pour les sociétés de compositeurs autour desquelles la scène musicale moderne prospérerait dans les années 1920. Ornstein se rendit également à La Nouvelle-Orléans en 1916, où il découvrit le jazz. L'année suivante, le critique James Huneker écrivit :

> Je n'aurais jamais pensé vivre assez longtemps pour entendre Arnold Schoenberg sonner sage, et pourtant sage il sonne — presque timide et hésitant — après Ornstein qui est, très catégoriquement, le seul véritable, l'authentique compositeur futuriste vivant.

Outre le terme « futuriste », Ornstein fut également parfois qualifié — aux côtés de Cowell et d'autres membres de leur cercle — d'« ultra-moderniste ». Un article du Baltimore Evening Sun le désignait comme « le pianiste intransigeant qui a mis le monde musical tout entier en émoi et qui est probablement la figure la plus discutée de la scène des concerts ». Dans The Musical Quarterly, il fut décrit comme « le phénomène musical le plus saillant de notre époque ». Le compositeur d'origine suisse Ernest Bloch le proclama « le seul compositeur en Amérique qui manifeste des signes positifs de génie ».

En 1918, Ornstein était suffisamment célèbre pour qu'une biographie complète lui soit consacrée. L'ouvrage, de Frederick H. Martens, suggère non seulement le niveau de renommée d'Ornstein à l'âge de vingt-quatre ans, mais aussi son effet clivant sur la scène culturelle :

> Leo Ornstein représente pour beaucoup un génie musical maléfique errant au-delà des limites extrêmes de l'orthodoxie tonale, dans une étrange terre de personne hantée de sons tortueux, de plaintes de désespoir futuriste, de hurlements cubistes et de cris et fracas post-impressionnistes. Il est le grand anarchiste, l'iconoclaste.

Cowell, qui avait rencontré Ornstein alors qu'il étudiait à New York, poursuivrait un style tout aussi radical dans le cadre d'une grande mission intellectuelle et culturelle, impliquant également des écrits ambitieux sur la théorie musicale ainsi que des efforts d'édition et de promotion en faveur de l'avant-garde. Ornstein, l'iconoclaste d'avant-garde de la musique classique américaine, suivit une muse beaucoup plus idiosyncratique : « Je suis guidé entièrement par mon seul instinct musical quant à ce que je ressens comme conséquent ou inconséquent. » La preuve en est qu'au sommet même de sa notoriété ultra-moderniste, il composa également plusieurs œuvres lyriques et tonales, telles que la Première Sonate pour violoncelle et piano : « [cela] dépasse mon entendement. » Commentant cette pièce après la mort d'Ornstein, environ trois quarts de siècle plus tard, le critique Martin Anderson écrivit qu'elle « rivalise avec celle de Rachmaninov en mélodies somptueuses ».

Avant la fin de la décennie — probablement en 1918 ou 1919 — Ornstein produisit l'une de ses œuvres les plus distinctives impliquant des agrégats sonores, Suicide in an Airplane. Sa partition requiert un motif ostinato rapide dans les graves destiné à simuler le bruit des moteurs et à capturer la sensation du vol. Cette pièce servira d'inspiration pour l'Airplane Sonata (1923) de George Antheil, qui refléta l'influence d'Ornstein dans d'autres œuvres telles que Sonata Sauvage (1923). Écrivant en 2000, le pianiste et historien Joseph Smith cita Suicide in an Airplane parmi ces pièces d'Ornstein qui « représentaient et peuvent encore représenter le nec plus ultra de la violence pianistique. »

Transition dans les années 1920

Ornstein, épuisé, abandonna effectivement sa carrière de concertiste célèbre au début des années 1920. Sa « musique fut rapidement oubliée », écrit le chercheur Erik Levi, le laissant « personnage essentiellement périphérique de la vie musicale américaine ». Comme le décrit Broyles, « Ornstein avait pour l'essentiel pris sa retraite au moment où les nouvelles organisations musicales des années 1920 sont apparues. Trop tôt et trop indépendant, Ornstein n'éprouvait guère le désir de participer au mouvement moderniste lorsque celui-ci prit son essor aux États-Unis. ... semblait peu préoccupé par la publicité ou son absence. Il n'écoutait que sa propre voix. »

Le style compositionnel principal d'Ornstein était lui aussi en mutation. Comme le décrit le critique contemporain Gordon Rumson, son

>

langage musical s'organisait en une gradation chatoyante et lumineuse entre simplicité et rudesse. Les mélodies possèdent une teinte hébraïque, et Ornstein n'hésite pas à placer musique dissonante et tonale côte à côte. Ce glissement stylistique n'est qu'un des outils créatifs d'Ornstein. Plus important encore, il existe une franchise émotionnelle qui rend la musique véritablement séduisante. Il convient également de noter que sa musique est idéalement écrite pour le piano et constitue manifestement l'œuvre d'un pianiste magistral.

Cette transformation contribua à la plongée d'Ornstein dans l'obscurité. Ceux qu'il avait inspirés le rejetèrent désormais, presque aussi véhémentement que les critiques qu'il avait choqués une décennie plus tôt. « Il avait été l'emblème du modernisme radical tout au long des années 1910, et lorsqu'il abandonna ce style pour un style plus expressif, les ultramodernes réagirent comme un amant éconduit », selon Broyles. « Pas même Cowell, connu pour son tempérament tolérant, ne put pardonner à Ornstein. »

Ayant renoncé non seulement à la scène de concert, mais aussi aux revenus qui l'accompagnaient, Ornstein signa un contrat d'exclusivité avec le label Ampico pour réaliser des rouleaux de piano. Il enregistra plus de deux douzaines de rouleaux pour Ampico, principalement d'un répertoire non moderniste ; les compositeurs qu'il interpréta le plus souvent furent Chopin, Schumann et Liszt. Deux rouleaux contenaient ses propres compositions : Berceuse Cradle Song vers 1920-21 et Prélude tragique 1924. Ornstein n'enregistra jamais, sous quelque format que ce soit, ne serait-ce qu'un seul exemple de ses pièces futuristes qui lui avaient apporté la célébrité.

Au milieu des années 1920, Ornstein quitta New York pour accepter un poste d'enseignement à la Philadelphia Musical Academy, plus tard intégrée à l'University of the Arts. Durant cette période, il écrivit certaines de ses œuvres les plus importantes, dont le Concerto pour piano, commandé par le Philadelphia Orchestra en 1925. Deux ans plus tard, il produisit son Quintette avec piano. Œuvre tonale épique marquée par un usage audacieux de la dissonance et des arrangements rythmiques complexes, elle est reconnue comme un chef-d'œuvre du genre.

Dernières années

Au début des années 1930, Ornstein donna sa dernière représentation publique. Quelques années plus tard, lui et son épouse — l'ancienne Pauline Cosio Mallet-Prèvost 1892-1985, également pianiste — fondèrent l'Ornstein School of Music à Philadelphie. Parmi les élèves, John Coltrane et Jimmy Smith poursuivirent des carrières majeures dans le jazz. Les Ornstein dirigèrent et enseignèrent à l'école jusqu'à sa fermeture lors de leur retraite en 1953. Ils disparurent essentiellement de la vue du public jusqu'au milieu des années 1970, lorsqu'ils furent retrouvés par l'historienne de la musique Vivian Perlis : le couple passait l'hiver dans un parc de caravanes au Texas ; ils possédaient également une maison dans le New Hampshire. Ornstein avait continué à composer de la musique ; doté d'une mémoire puissante, il ne se montrait pas diligent pour tout transcrire et n'avait pas cherché à la faire connaître depuis des décennies. Bien que son style se fût considérablement tempéré depuis les années 1910, il conservait son caractère unique, et avec sa redécouverte vint un nouvel élan de productivité. Selon la description de Gann, les œuvres pour piano composées par Ornstein dans sa quatre-vingtième année, telles que Solitude et Rendezvous at the Lake, présentaient des mélodies qui « jaillissaient à travers d'interminables arabesques ornées qui ne rappelaient aucun autre compositeur. »

 Couverture de Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work (1918), par Frederick H. Martens

En 1988, Ornstein, âgé de quatre-vingt-douze ans, écrivit sa Septième Sonate pour piano. Avec cette composition, Ornstein devint, à quelques années près, le compositeur publié le plus âgé, avant Elliott Carter, à jamais produire une œuvre nouvelle substantielle. Le 23 septembre 1990, à l'âge de quatre-vingt-quatorze ans, Ornstein acheva son œuvre finale, la Huitième Sonate pour piano. Les titres des mouvements de la sonate reflètent non seulement le passage d'une durée de vie remarquable, mais un sens de l'humour et un esprit explorateur intacts : I. « Le tumulte de la vie et quelques fragments de satire » / II. « Un voyage au grenier — Une larme ou deux pour une enfance à jamais disparue » a. « Le clairon » / b. « Une lamentation pour un jouet perdu » / c. « Un berceau à demi mutilé — Berceuse » / d. « Première promenade en manège et sons d'un orgue de Barbarie » / III. « Disciplines et improvisations. » Rendant compte de la première new-yorkaise de l'œuvre, le critique Anthony Tommasini écrivit : « Entre la folie rugissante des premier et troisième mouvements, le mouvement central constitue une suite de quatre courtes méditations musicales sur des souvenirs d'enfance découverts dans un grenier. Bien que complètement incongru, le changement de ton est audacieux et la musique désarmante. Le public écouta avec attention, puis éclata en applaudissements. »

Le 24 février 2002, Ornstein mourut à Green Bay, Wisconsin. À l'âge de 106 ans, il fut parmi les compositeurs ayant vécu le plus longtemps.