Arthur Rackham : L'employé de bureau qui a dessiné l'âge d'or de l'illustration

Arthur Rackham a passé ses premières années de travail comme employé d'assurance à la Westminster Fire Office, ne suivant des cours d'art que le soir après sa journée de travail. Vingt ans plus tard, ses cinquante et une planches en couleur pour Rip Van Winkle allaient être reconnues pour avoir réinventé l'apparence d'un livre illustré en couleur, et à sa mort, il était devenu, selon les mots d'un critique, l'un des meilleurs illustrateurs de son siècle — une carrière construite presque entièrement sur les nuits et les week-ends jusqu'à ce que le dessin devienne son métier.

Du bureau d'assurance à la rédaction

Rackham est né le 19 septembre 1867 au 210 South Lambeth Road à Vauxhall, Londres, l'un des douze enfants de la famille. À dix-sept ans, une santé fragile l'a conduit à un voyage de récupération en mer vers l'Australie, accompagné de deux tantes ; à son retour, il a occupé le poste d'employé d'assurance à la Westminster Fire Office tout en étudiant à temps partiel à la Lambeth School of Art, le parcours classique pour un Londonien de la classe ouvrière avec une ambition artistique mais sans revenu indépendant. En 1892, il a quitté le bureau d'assurance pour devenir reporter et illustrateur pour le Westminster Budget, esquissant des scènes de rue londoniennes et des personnalités publiques, y compris le mariage royal de 1893 du futur roi George V et de la reine Mary — un travail journalistique qui l'a formé à un trait de plume rapide et confiant sous la pression des délais, une compétence qui définirait ses futures illustrations de livres.

La percée : Rip Van Winkle

Les premières illustrations de livres de Rackham sont apparues en 1893, et sa première commande sérieuse a suivi en 1894 pour des croquis accompagnant les Dolly Dialogues d'Anthony Hope. Les premiers volumes illustrés comprenaient The Ingoldsby Legends (1898) ainsi que Gulliver's Travels et les Contes de fées des frères Grimm, tous deux publiés pour la première fois en 1900 et retravaillés plus tard avec des planches en couleur. Il dira plus tard à propos du projet Grimm : « À bien des égards, j'ai plus d'affection pour les dessins de Grimm que pour d'autres séries », une rare déclaration directe de préférence de la part d'un artiste qui, par ailleurs, a laissé peu de commentaires personnels sur son propre travail. Le véritable tournant a eu lieu en 1905 avec Rip Van Winkle de Washington Irving, qui comprenait cinquante et une planches en couleur et a coïncidé avec de véritables avancées dans la technologie d'impression en couleur, établissant Rackham comme l'illustrateur décoratif prééminent d'Angleterre presque du jour au lendemain. Peter Pan in Kensington Gardens a suivi en 1906 avec quarante-neuf autres planches en couleur, consolidant une position commerciale et critique qu'il conserverait pour le reste de la décennie.

Une technique issue du journalisme

La méthode mature de Rackham combinait un travail à la plume et à l'encre audacieux et confiant — un héritage direct de ses années de croquis journalistiques — avec des lavis d'aquarelle délicats et sobres, reproduits par des processus d'impression en trois puis quatre couleurs capables de capturer des demi-teintes subtiles. Il bloquait généralement une composition légèrement au crayon, l'encrait avec un travail de ligne minutieux, puis effaçait complètement les guides au crayon, un flux de travail qui lui permettait d'équilibrer le traitement gracieux et élégant de ses personnages humains et féeriques centraux avec des personnages secondaires délibérément grotesques et troublants, en particulier des arbres noueux, des gobelins et de vieilles sorcières. Après la Première Guerre mondiale, il a de plus en plus incorporé le travail de silhouettes dans ses livres, plus visiblement dans ses éditions de 1919 et 1920 de Cendrillon et La Belle au bois dormant. Son vocabulaire visuel puisait simultanément dans la peinture féerique victorienne, les détails préraphaélites, la composition des estampes japonaises et les lignes organiques fluides de l'Art nouveau, synthétisés en quelque chose de distinctement et reconnaissablement britannique.

Une carrière prolifique et largement traduite

Sur plus de cinquante volumes illustrés, Rackham a apporté son style à Alice au pays des merveilles (1907), Le Songe d'une nuit d'été (1908), les opéras de l'Anneau du Nibelung de Wagner (1910–1911), les Fables d'Ésope (1912), Un chant de Noël de Dickens (1915) et les Contes de fées anglais (1918), parmi beaucoup d'autres, travaillant régulièrement à travers ce que les historiens de l'édition appellent l'âge d'or de l'illustration de livres britannique, environ de 1890 à 1918, une époque définie par des éditions de luxe limitées somptueusement produites, reliées en vélin et signées par l'artiste, vendues aux côtés d'éditions commerciales plus abordables des mêmes livres. Il a été élu membre de la Royal Watercolour Society et est devenu maître de l'Art Workers' Guild en 1919, a reçu des médailles d'or à l'Exposition internationale de Milan en 1906 et à l'Exposition internationale de Barcelone en 1912, et a vu son travail exposé au Louvre en 1914 — un lieu inhabituellement prestigieux pour un illustrateur travaillant dans ce qui était encore souvent considéré comme un médium commercial plutôt que comme un art noble.

Fin de carrière et décès

La Première Guerre mondiale a gravement endommagé le marché des livres illustrés de luxe, et l'évolution des goûts du public, s'éloignant des fées et de la fantaisie au cours des années 1920, a réduit le flux des commandes majeures, bien que Rackham ait continué à travailler régulièrement, illustrant La Tempête en 1926 et maintenant ses revenus grâce à des expositions annuelles aux Leicester Galleries de Londres. Il a épousé Edyth Starkie, une voisine, en 1903 ; leur fille Barbara est née en 1908 après une fausse couche antérieure. La famille a déménagé dans plusieurs maisons de la région londonienne avant de s'installer à Limpsfield, dans le Surrey, en 1929. Rackham est décédé d'un cancer le 6 septembre 1939 à Limpsfield, après avoir tout juste terminé les illustrations pour Le Vent dans les saules, qui a été publié à titre posthume en 1940 et a réalisé ce que les biographes décrivent comme une ambition personnelle de plusieurs décennies d'illustrer ce livre en particulier.

Pourquoi Arthur est qualifié de génie

La prétention de Rackham au mot repose carrément sur le métier plutôt que sur l'originalité intellectuelle : il n'a pas inventé une nouvelle théorie de l'art ou de la littérature, et son génie, tel qu'il est, est la compétence spécifique et démontrable d'un dessinateur capable de fusionner la ligne rapide et assurée d'un journaliste avec le sens de la couleur d'un artiste peintre et de produire systématiquement des images qui semblaient à la fois délicates et troublantes. Les critiques contemporains l'ont qualifié de « l'un des meilleurs illustrateurs du siècle », louant un travail qui était « absolument individuel et persuasivement suggestif », et des cinéastes ultérieurs, dont Guillermo del Toro, ont cité sa combinaison spécifique de « ton sombre » et de « dessins réalistes et granuleux » comme une influence visuelle directe sur des films tels que Le Labyrinthe de Pan et Hellboy — preuve concrète que sa grammaire visuelle particulière, plutôt que n'importe quelle image individuelle, est ce que les artistes ultérieurs ont absorbé. Le contre-argument honnête est que l'illustration elle-même occupait, de son vivant, un échelon de prestige artistique inférieur à la peinture ou à la sculpture, et l'exposition de Rackham au Louvre en 1914 était elle-même traitée comme une exception authentique plutôt que comme la norme pour un illustrateur de livres ; son don était une maîtrise technique reproductible et une sensibilité esthétique cohérente affinée sur des décennies, et non une percée conceptuelle singulière du type de celles revendiquées pour les scientifiques ou les théoriciens.

Héritage

Les illustrations de Rackham restent imprimées plus d'un siècle après leur première publication, et son influence traverse directement l'art fantastique du XXe siècle : des illustrateurs comme Gustaf Tenggren, Brian Froud et Tony DiTerlizzi, et des cinéastes, du film d'animation Le Hobbit de 1977 aux travaux ultérieurs de del Toro, ont tous souligné son langage visuel spécifique comme une référence fondatrice pour l'apparence des mondes fantastiques sur la page et à l'écran.