Louis Armstrong: Del asilo de huérfanos a embajador mundial

En la Nochevieja de 1912, la policía de Nueva Orleans arrestó a un niño de once años por disparar una pistola al aire y lo encerró en el Hogar de Niños Huérfanos de Color. Ese confinamiento puso por primera vez una corneta en sus manos bajo la instrucción de un líder de banda llamado Peter Davis. En dos décadas, ese mismo niño reescribiría el vocabulario de la música estadounidense y terminaría su vida conocido mundialmente como "Embajador Satch".

El campo de batalla

Louis Daniel Armstrong nació el 4 de agosto de 1901 en Nueva Orleans, Luisiana, y fue criado por su madre, Mayann, en un barrio difícil que los lugareños llamaban "El campo de batalla". La pobreza puso fin a su educación formal después del quinto grado y comenzó a trabajar pronto, incluso para la familia Karnofsky, inmigrantes judíos que lo emplearon en su negocio de chatarra y lo trataron con una amabilidad que él reconoció durante toda su vida. Los salarios que ganó allí le permitieron comprar su primera corneta, una compra que marcó la dirección de todo lo que siguió. Su liberación del hogar de huérfanos en 1914, con sus habilidades de corneta intactas, lo puso en un camino hacia los músicos profesionales de la ciudad en lugar de volver a los problemas que lo habían llevado a ser arrestado.

Aprendiendo de King Oliver

El mentor decisivo de Armstrong fue Joe "King" Oliver, el principal cornetista de Nueva Orleans, quien tomó al joven músico bajo su ala y, en 1922, lo llamó a Chicago para unirse a su Creole Jazz Band. Los dos cornetistas desarrollaron intrincados cortes de dos trompetas que se convirtieron en un sello distintivo del sonido del grupo, y la banda comenzó a grabar en 1923, capturando algunos de los primeros discos de jazz importantes. La pianista Lillian Hardin, compañera de banda que se convertiría en la segunda esposa de Armstrong en 1924, lo presionó para que saliera de la sombra de Oliver y siguiera una carrera bajo sus propios términos, un consejo que lo llevó primero a Nueva York para tocar con la orquesta de Fletcher Henderson, y luego de regreso a Chicago en 1925 para comenzar a grabar bajo su propio nombre.

Los Hot Five y Hot Seven

Las grabaciones que Armstrong hizo en Chicago con sus propios grupos, los Hot Five y Hot Seven, siguen siendo el punto de inflexión de la historia del jazz. Mientras que el jazz anterior había enfatizado la improvisación colectiva impulsada por el conjunto, la forma de tocar de Armstrong cambió el centro de gravedad de la música hacia el solista virtuoso, utilizando la trompeta con una libertad rítmica e invención melódica que otros músicos pasaron años tratando de absorber. Su canto en estas sesiones fue igualmente importante: según la Casa Museo de Louis Armstrong, sus voces introdujeron "estallidos innovadores de scat y una sensación de swing subyacente" que abrieron nuevos territorios artísticos para los vocalistas de jazz tanto como su forma de tocar la trompeta lo había hecho para los instrumentistas. A finales de la década de 1920, su popularidad había crecido lo suficiente como para llevarlo de regreso a Nueva York, donde protagonizó la revista de Broadway Hot Chocolates.

Estrellato internacional

A lo largo de la década de 1930, Armstrong construyó un seguimiento nacional y luego internacional a través de la radio, el cine y las ventas de discos, recorriendo Europa por primera vez en 1932 y regresando en 1933 para una estancia prolongada de más de un año, prolongada en parte por una lesión labial debido a las demandas físicas de su forma de tocar. De regreso en los Estados Unidos en 1935, contrató a Joe Glaser como su manager, una asociación que dio forma a la arquitectura comercial del resto de su carrera, encabezando conjuntos más grandes y grabando material popular para Decca mientras expandía su presencia en el cine. La década de 1940 trajo giras incesantes por todo el país y, en 1947, a medida que la economía de las grandes bandas que habían sostenido a las grandes orquestas de jazz colapsaba, Armstrong cambió a liderar un combo más pequeño, Louis Armstrong and His All Stars, que se convirtió en su principal vehículo por el resto de su vida.

Éxitos discográficos y el "Embajador Satch"

A partir de 1949, Armstrong obtuvo una serie de éxitos en las listas de pop, y sus giras en el extranjero generaron recepciones tan abrumadoras que se ganó el apodo de "Embajador Satch", un reconocimiento de su papel como emisario cultural no oficial de los Estados Unidos durante los años de la Guerra Fría. Su grabación de 1964 de "Hello, Dolly!" se convirtió en un éxito que encabezó las listas y que, notablemente, sacó a los Beatles de la primera posición durante el apogeo de la Beatlemanía, una hazaña comercial para un artista de sesenta y tres años que sorprendió incluso a su propia discográfica.

Derechos civiles y vida pública

La personalidad pública de Armstrong como artista a veces generó críticas durante la década de 1950, con algunos artistas y comentaristas negros más jóvenes calificándolo de acomodaticio. Él respondió a esas acusaciones inequívocamente en 1957, condenando públicamente la lenta respuesta del gobierno federal a la crisis de los Nueve de Little Rock y la obstrucción del gobernador Orval Faubus a la integración escolar, una declaración que sorprendió a sus contemporáneos que habían asumido que su personalidad escénica reflejaba pasividad política además de dotes de espectáculo.

Últimos años

Décadas de giras agotadoras afectaron la salud de Armstrong: sufrió su primer episodio cardíaco en 1959 y fue hospitalizado en 1968 en el Beth Israel Hospital por complicaciones cardíacas y renales. Incluso después de que los médicos le aconsejaran dejar de actuar, continuó practicando corneta diariamente en su casa en Corona, Queens, donde había vivido con su cuarta esposa, Lucille, desde 1943. Tocó compromisos esporádicos hasta 1970, incluida una presentación final en el Waldorf-Astoria, antes de morir mientras dormía el 6 de julio de 1971, en Nueva York, a los sesenta y nueve años.

Por qué a Louis se le llama genio

El genio de Armstrong no es una metáfora tomada prestada libremente de otros campos: es una afirmación arraigada específicamente en lo que hizo con un instrumento y una gramática musical. Britannica le atribuye "gran sensibilidad, técnica y capacidad para expresar emoción" que le permitieron liderar la transformación del jazz "en una bella arte", y el cambio que diseñó —del jazz de conjunto de Nueva Orleans a una música organizada alrededor del solista inventivo— es tratado por los historiadores como el movimiento fundacional de la música estadounidense del siglo XX, uno que dio forma a prácticamente todos los músicos de jazz y populares que lo siguieron. Ese logro es un genio de la arquitectura musical y el dominio físico más que la inteligencia abstracta o verbal que la palabra a veces implica: Armstrong inventó en gran medida a través de la trompeta y su propia voz, refinando la técnica mediante una práctica incesante desde la infancia en el hogar de huérfanos en adelante en lugar de mediante la teoría formal, ya que su educación terminó a los once años. La complicación honesta es que su personalidad escénica cálida y complaciente —la amplia sonrisa, la habilidad de espectáculo de "Embajador Satch"— llevó a algunos críticos, particularmente durante los años más militantes de los derechos civiles, a subestimar la sofisticación del artista bajo el animador, una mala interpretación que su propia postura de 1957 sobre Little Rock ayudó a corregir.

Legado

Más de cincuenta años después de su muerte, las grabaciones de Armstrong con los Hot Five y Hot Seven todavía se enseñan como los textos fundacionales de la improvisación de jazz, y su ingreso en 1990 al Salón de la Fama del Rock and Roll, junto con un Grammy en 1964, reconoce una influencia que llegó mucho más allá del género que transformó: un niño del "Campo de batalla" que terminó definiendo, bajo sus propios términos, cómo podía sonar la música estadounidense.