Francis Ford Coppola: El jugador que apostó todo por el arte

El estudio quería una película de gángsters barata. Lo que Francis Ford Coppola entregó, luchando contra Paramount en cada paso sobre el casting, la duración y su insistencia en un desconocido sombrío llamado Al Pacino, fue El padrino — una película tan dominante que instantáneamente se convirtió en el estándar contra el que se miden todas las películas estadounidenses. Coppola tenía treinta y tres años, estaba arruinado y seguro de que lo despedirían durante el rodaje. En su lugar, hizo una de las mejores películas jamás producidas, y luego, casi imposible, igualó su nivel en la secuela. Su carrera sería un patrón de por vida de exactamente esto: enormes apuestas artísticas contra la posibilidad de la ruina.

El insurgente del Nuevo Hollywood

Coppola nació en Detroit en 1939 en una familia ítalo-estadounidense musical y se formó en la escuela de cine de UCLA, uno de los primeros directores estadounidenses importantes en emerger de un programa universitario de cine en lugar del sistema de estudios. Llegó cuando ese sistema antiguo se estaba derrumbando, y se convirtió en una figura central del "Nuevo Hollywood" — la generación de Scorsese, Spielberg, Lucas y otros que, a finales de los años 1960 y 1970, se apoderaron del control creativo y hicieron películas personales, ambiciosas y dirigidas por directores. Coppola fue su audaz hermano mayor, el que ganó los Óscar primero y que usó su influencia para apoyar a los demás; ayudó a su amigo George Lucas a hacer American Graffiti y Star Wars.

Una década de obras maestras

La serie de películas que Coppola dirigió en los años 1970 es una de las mayores rachas que cualquier cineasta haya logrado jamás. El padrino (1972) y El padrino: Parte II (1974) convirtieron una saga de crimen sensacionalista en una épica trágica estadounidense sobre familia, poder, inmigración y corrupción, y la segunda película —una secuela y precuela simultánea— es ampliamente considerada una de las pocas continuaciones que superan a su original. Entre ellas hizo La conversación (1974), una tranquila y paranoica obra maestra sobre vigilancia que ganó la Palma de Oro en Cannes. Por un tiempo a mediados de los años 1970, Coppola tuvo dos películas compitiendo por Mejor Película en el mismo año.

Luego arriesgó todo en Apocalypse Now (1979). La producción se convirtió en una de las más notorias de la historia del cine: un tifón destruyó los decorados, su estrella Martin Sheen sufrió un ataque al corazón, Marlon Brando llegó con sobrepeso y sin prepararse, y Coppola vertió millones de sus propios dinero en un rodaje que se extendió salvando el horario en la selva filipina. Más tarde dijo: "Estábamos en la selva, éramos demasiados, teníamos acceso a demasiado dinero, demasiado equipo y poco a poco nos volvimos locos". El resultado fue una épica alucinatoria de guerra que muchos consideran la película definitiva sobre Vietnam y un monumento a la obsesión artística que casi lo destruyó.

El costo de la visión

El genio de Coppola era inseparable de su apetito por el riesgo. Hipotecó repetidamente su fortuna, su viñedo y su seguridad para financiar películas que los estudios no querían. Su musical de 1982 Corazón solitario fue tan caro e infructuoso que quebró su propio estudio, American Zoetrope, y pasó los siguientes años dirigiendo películas en parte para pagar la deuda. Fue un visionario y un jugador en igual medida, un hombre que creía que el cine merecía la misma imprudencia financiera que un pintor trae a un lienzo. Al final de su vida demostró el punto una última vez, vendiendo parte de su imperio vinícolo para autofinanciar Megalópolis, el proyecto de pasión de décadas que finalmente estrenó en 2024 — una última y desafiante apuesta de un hombre que nunca aprendió a jugar seguro.

Por qué esto importa

Francis Ford Coppola importa porque elevó el techo de lo que el cine popular estadounidense podía lograr. Las películas de El padrino demostraron que un blockbuster de audiencia masiva también podía ser una obra de profundidad shakespeareana, y Apocalypse Now demostró que una épica de estudio podía ser arte genuino al borde de la locura. Ayudó a arrebatar el poder creativo a los estudios y se lo entregó a los directores, moldeando toda la cultura del autor moderno.

Su legado más profundo es el ejemplo de su audacia. Coppola trató el cine como un acto de compromiso total, digno de arriesgar todo, y se negó hasta el final a separar el arte del peligro. Ganó y perdió fortunas, triunfó y fracasó espectacularmente, y nunca dejó de creer que las únicas películas dignas de hacer eran las que podían romperlo. En una industria construida sobre la precaución, sigue siendo el santo patrón de la apuesta todo-nada — prueba de que los mayores recompensas en el arte pertenecen a aquellos dispuestos a perderlo todo.