Muddy Waters: Den Blues buchstäblich elektrisieren

Als Muddy Waters 1944 mit einem Verstärker einen Club in Chicago betrat, löste er ein praktisches Problem: Niemand in einem lauten, überfüllten Raum konnte eine Akustikgitarre hören. „Als ich in die Clubs ging, wollte ich als Erstes einen Verstärker. Mit einer Akustischen konnte dich keiner hören.“ Diese Lösung erfand quasi ein Genre. Die Rock and Roll Hall of Fame drückte es später großartiger aus: Waters „elektrifizierte den Blues — buchstäblich und im übertragenen Sinne“ — und baute damit die Vorlage, der seitdem jede Rockband gefolgt ist.

Von der Stovall-Plantage zur Library of Congress

McKinley Morganfield wurde am 4. April 1913 — sein späterer eigener Anspruch auf 1915 und das abweichende Datum auf seinem Grabstein ließen das genaue Jahr umstritten — in oder bei Rolling Fork, Mississippi, geboren. Seine Mutter starb kurz nach seiner Geburt und er wurde von seiner Großmutter Della Grant auf der Stovall-Plantage bei Clarksdale aufgezogen; sie gab ihm den Spitznamen „Muddy“, da er als Kind gerne im Schlamm entlang des Deer Creek spielte. Mit siebzehn hatte er sich selbst Mundharmonika und Gitarre beigebracht und verkaufte das Familienpferd, um seine erste Gitarre für etwa zwei Dollar fünfzig zu kaufen. Im August 1941 kam der Folklorist Alan Lomax nach Stovall, um lokale Musiker für die Library of Congress aufzunehmen, und nahm Waters bei ihm zu Hause auf; Lomax kehrte im folgenden Juli für weitere Sitzungen zurück. Das erste Anhören seiner eigenen Stimme bei der Wiedergabe war für Waters laut eigener Aussage eine Offenbarung: „Als er das erste Lied abspielte, klang ich genau wie die Platten von jedem anderen.“ Diese Aufnahmen der Library of Congress, die später unter dem Titel „Down on Stovall's Plantation“ veröffentlicht wurden, sind die früheste überlieferte Dokumentation seines Talents.

Chicago und die Geburt eines Sounds

1943 zog Waters nach Chicago, ein Ereignis, das er als „das bedeutsamste Ereignis seines Lebens“ bezeichnete. Er arbeitete tagsüber in Fabriken und als LKW-Fahrer und spielte nachts in Clubs, wobei er Mentorenschaft von der etablierten Blues-Größe Big Bill Broonzy aufsog. Seine Entscheidung, 1944 auf die elektrische Gitarre umzusteigen, angetrieben von nichts Romantischerem als der Notwendigkeit, in einem lauten Raum gehört zu werden, erzeugte einen Sound — roh, verstärkt und rhythmisch treibend —, der die gesamte Richtung des Nachkriegs-Blues neu ausrichtete. Er nahm 1946 kurz für Columbia auf, bevor er bei Aristocrat Records unterschrieb, das 1947 in Chess Records umbenannt wurde, wo er den größten Teil seiner Karriere aufnehmen sollte. Seine Veröffentlichungen von 1948 „I Can't Be Satisfied“ und „I Feel Like Going Home“ etablierten ihn als Star des Chicago Blues, und im selben Jahr nahm er „Rollin' Stone“ auf, einen Song, dessen Titel eine junge britische Band ein Jahrzehnt später komplett übernehmen sollte.

Die Band, die das moderne Blues-Ensemble erfand

Im September 1953 erlaubte Chess Waters, mit seiner vollständigen Arbeitsband aufzunehmen — dem Mundharmonikaspieler Little Walter Jacobs, dem Gitarristen Jimmy Rogers, dem Schlagzeuger Elga Edmonds, dem Pianisten Otis Spann und dem Bassisten und Songwriter Willie Dixon —, ein Ensemble, das heute als eine der einflussreichsten Besetzungen in der Geschichte des Blues gilt. Zusammen spielten sie „Hoochie Coochie Man“, „I Just Want to Make Love to You“ und „I'm Ready“ ein, Platten, die das ineinandergreifende Arrangement von Gitarre, Mundharmonika, Klavier und Rhythmusgruppe etablierten, das später fast vollständig als grundlegende Instrumentierung der Rockband übernommen wurde. Mehrere Mitglieder von Waters' Bands starteten später eigene bedeutende Solokarrieren, was seine Gruppe ebenso zu einer Talentschmiede wie zu einer Aufnahmeneinheit machte.

Die Überquerung des Atlantiks und die Benennung der Rolling Stones

Waters tourte 1958 durch England, eine Reise, die das Publikum, das an akustischen Folk-Blues gewöhnt war, zunächst verunsicherte; britische Zeitungen brachten Schlagzeilen über seine „kreischende Gitarre und heulendes Klavier“. Aber der Schock wirkte als Inspiration unter jungen britischen Musikern wie Alexis Korner und Cyril Davies, die Waters' verstärkten Ansatz direkt in den Sound trugen, der zum britischen Blues-Rock werden sollte. Die Rolling Stones nahmen ihren Namen von seinem Song „Rollin' Stone“ aus dem Jahr 1950. Jimi Hendrix erinnerte sich später daran, ihn als Kind gehört zu haben: „Es hat mich zu Tode erschreckt.“ Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ lehnte sich stark an sein „You Need Love“ an, und Eric Clapton zählte ihn zu seinen prägenden Einflüssen.

Spätere Karriere und Grammy-Anerkennung

Waters nahm jahrzehntelang weiter auf und tourte, darunter ein für einen Grammy nominierter Live-Auftritt beim Newport Jazz Festival 1960 und das weitgehend akustische „Folk Singer“ von 1963 mit einem jungen Buddy Guy, das später zu den 500 besten Alben von Rolling Stone gezählt wurde. Nicht jedes Experiment gelang — er tat seine eigene psychedelische Soul-Kollaboration „Electric Mud“ von 1968 unverblümt ab: „Diese Electric-Mud-Platte, die ich gemacht habe, die war scheiße.“ Aber „Fathers and Sons“ von 1969, aufgenommen mit den Blues-Rock-Musikern Michael Bloomfield und Paul Butterfield, markierte ein echtes kommerzielles Comeback. Seine Zusammenarbeit am späten Karriereende mit dem Gitarristen Johnny Winter, einschließlich des 1977 erschienenen „Hard Again“, das weithin als Meisterwerk gilt, gewann mehrere Grammy Awards, nachdem er 1972 für „They Call Me Muddy Waters“ seinen ersten Grammy erhalten hatte.

Anerkennung

Waters wurde 1987 als Interpret in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, vorgestellt von Paul Butterfield, der sagte, Waters „gab mir wirklich das Gefühl, dass es sich lohnt, weiterzumachen und wirklich zu lernen, wie man mein Instrument spielt“. Vier seiner Songs — „Rollin' Stone“, „Hoochie Coochie Man“, „I'm Ready“ und „Mannish Boy“ — erscheinen auf der Liste der 500 Songs, die den Rock and Roll geformt haben. Er starb am 30. April 1983 in Westmont, Illinois, an Herzversagen und krebsbedingten Komplikationen im Alter von siebzig Jahren.

Warum Muddy als Genie bezeichnet wird

Waters' Genie ist eher als ein Genie der Transformation und des Geschmacks zu verstehen denn als Erfindung aus dem Nichts: Er nahm das Delta-Blues-Idiom, das er als junger Mann auf der Stovall-Plantage lernte, und verstärkte, gestaltete und organisierte es zu einem neuen, elektrischen Ensemble-Sound um, den andere Musiker sofort als Vorlage für etwas Größeres erkannten. B.B. Kings Einschätzung erfasste das Ausmaß des Anspruchs: „Es wird Jahre und Jahre dauern, bis die meisten Leute erkennen, wie sehr er zur amerikanischen Musik beigetragen hat.“ Der Musiker John Hammond beschrieb die spezifische Qualität bei der Arbeit — kein technisches Blenden, sondern interpretatorische Tiefe: „tiefgründiges Gitarrenspiel, tief und einfach ... die Art von Spiel, die die Texte aufwertete, den Worten selbst Tiefe verlieh.“ Das ehrliche Gegenargument ist, dass Waters innerhalb einer von Vorgängern etablierten Delta-Blues-Tradition arbeitete, direkt auf das Vokabular von Robert Johnson und Son House zurückgriff und seinen typischen Band-Sound in Zusammenarbeit mit dem Songwriter Willie Dixon und einer wechselnden Besetzung erstklassiger Musiker aufbaute, deren individuelle Beiträge wesentlich waren. Seine Transformation der Musik war entscheidend, aber es war im Wesentlichen ein Akt des Arrangements, der Bandleitung und der Interpretation und nicht der solitären Komposition.

Vermächtnis

Waters wird mit einer Markierung des Mississippi Blues Trail an seinem Geburtsort, einem zehnstöckigen Wandgemälde in Chicago, einer Ehrenstraße in Chicago und einem nach ihm benannten Krater auf dem Merkur geehrt. Nachhaltiger ist, dass das Electric-Blues-Bandformat, das er in den 1950er Jahren bei Chess Records aufbaute, in seiner Grundform weitgehend unverändert die Arbeitsstruktur von Rockbands weltweit bleibt.