Muddy Waters: Der Blues unter Strom — im wahrsten Sinne des Wortes

Als Muddy Waters 1944 mit einem Verstärker einen Club in Chicago betrat, löste er ein praktisches Problem: Niemand in einem lauten, überfüllten Raum konnte eine Akustikgitarre hören. „Als ich in die Clubs ging, wollte ich als Erstes einen Verstärker. Niemand konnte dich mit einer Akustikgitarre hören.“ Die Lösung erwies sich als Erfindung eines Genres. Die Rock and Roll Hall of Fame drückte es später treffender aus: Waters „elektrifizierte den Blues — im wahrsten und im übertragenen Sinne“ — und schuf damit die Vorlage, der seitdem jede Rockband gefolgt ist.

Von der Stovall Plantation zur Library of Congress

McKinley Morganfield wurde am 4. April 1913 geboren — seine eigene spätere Angabe von 1915 und das abweichende Datum auf seinem Grabstein ließen das genaue Jahr umstritten — in oder bei Rolling Fork, Mississippi. Seine Mutter starb kurz nach seiner Geburt, und er wurde von seiner Großmutter Della Grant auf der Stovall Plantation bei Clarksdale aufgezogen; sie gab ihm den Spitznamen „Muddy“, weil er als Kind so gerne im Schlamm am Deer Creek spielte. Mit siebzehn hatte er sich Mundharmonika und Gitarre selbst beigebracht und das Familienpferd verkauft, um sich seine erste Gitarre für etwa zweieinhalb Dollar zu kaufen. Im August 1941 kam der Folklorist Alan Lomax nach Stovall, um lokale Musiker für die Library of Congress aufzunehmen, und nahm Waters bei einem Auftritt in seinem eigenen Haus auf; Lomax kehrte im darauffolgenden Juli für weitere Aufnahmen zurück. Die Wiedergabe seiner eigenen Stimme zum ersten Mal zu hören, war laut Waters eine Offenbarung: „Als er das erste Lied abspielte, klang ich genau wie die Platten von jedem anderen.“ Diese Aufnahmen der Library of Congress, die später unter dem Titel „Down on Stovall's Plantation“ veröffentlicht wurden, sind die frühesten erhaltenen Zeugnisse seines Talents.

Chicago und die Geburt eines Sounds

1943 zog Waters nach Chicago, ein Ereignis, das er als „das einschneidendste Ereignis seines Lebens“ bezeichnete. Tagsüber arbeitete er in Fabriken und als Lkw-Fahrer, nachts spielte er in Clubs und nahm Ratschläge der etablierten Blues-Größe Big Bill Broonzy entgegen. Seine Entscheidung, 1944 zur E-Gitarre zu wechseln — angetrieben von nichts Romantischerem als der Notwendigkeit, in einem lauten Raum gehört zu werden —, erzeugte einen Sound — roh, verstärkt und rhythmisch treibend —, der die gesamte Ausrichtung des Nachkriegsblues neu ausrichtete. 1946 nahm er kurzzeitig für Columbia auf, bevor er bei Aristocrat Records unterschrieb, das 1947 in Chess Records umbenannt wurde und bei dem er den Großteil seiner Karriere aufnehmen sollte. Seine Veröffentlichungen von 1948 „I Can't Be Satisfied“ und „I Feel Like Going Home“ etablierten ihn als Chicago-Blues-Star, und im selben Jahr nahm er „Rollin' Stone“ auf, ein Lied, dessen Titel sich eine junge britische Band ein Jahrzehnt später komplett auslieh.

Die Band, die das moderne Blues-Ensemble erfand

Bis September 1953 erlaubte Chess Waters, mit seiner vollständigen Live-Band aufzunehmen — dem Mundharmonikaspieler Little Walter Jacobs, dem Gitarristen Jimmy Rogers, dem Schlagzeuger Elga Edmonds, dem Pianisten Otis Spann und dem Bassisten und Songwriter Willie Dixon —, einer Besetzung, die heute als eine der einflussreichsten Formationen der Bluesgeschichte gilt. Gemeinsam spielten sie „Hoochie Coochie Man“, „I Just Want to Make Love to You“ und „I'm Ready“ ein, Platten, die das ineinandergreifende Arrangement aus Gitarre, Mundharmonika, Klavier und Rhythmusgruppe etablierten, das später fast eins zu eins als Grundinstrumentierung der Rockband übernommen wurde. Mehrere Mitglieder von Waters’ Bands machten später bedeutende Solokarrieren, was seine Gruppe sowohl zu einer Talentschmiede als auch zu einer Aufnahmeeinheit machte.

Über den Atlantik und Namensgeber der Rolling Stones

Waters tourte 1958 durch England, eine Reise, die das an Akustik-Folk-Blues gewöhnliche Publikum zunächst irritierte; britische Zeitungen druckten Schlagzeilen über seine „kreischende Gitarre und sein heulendes Klavier“. Aber der Schock wirkte bei jungen britischen Musikern wie Alexis Korner und Cyril Davies als Inspiration, die Waters’ verstärkten Ansatz direkt in den Sound trugen, der zum britischen Bluesrock werden sollte. Die Rolling Stones benannten sich nach seinem Lied „Rollin' Stone“ aus dem Jahr 1950. Jimi Hendrix erinnerte sich später daran, ihn als Kind gehört zu haben: „Es hat mich zu Tode erschrocken.“ Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ bediente sich stark bei seinem „You Need Love“, und Eric Clapton zählte ihn zu seinen prägenden Einflüssen.

Spätere Karriere und Grammy-Anerkennung

Waters nahm weiterhin jahrzehntelang auf und tourte, darunter ein für einen Grammy nominiertes Live-Auftritt beim Newport Jazz Festival 1960 und das weitgehend akustische „Folk Singer“ von 1963 mit einem jungen Buddy Guy, das später zu den 500 besten Alben des Rolling Stone gezählt wurde. Nicht jedes Experiment gelang — seine eigene psychedelische Soul-Kollaboration „Electric Mud“ von 1968 tat er kurz angebunden ab: „Diese Electric Mud-Platte, die ich gemacht habe, die war Hundescheiße.“ Aber „Fathers and Sons“ von 1969, aufgenommen mit den Bluesrock-Musikern Michael Bloomfield und Paul Butterfield, markierte ein echtes kommerzielles Comeback. Seine späten Kooperationen mit dem Gitarristen Johnny Winter, darunter „Hard Again“ von 1977, das weithin als Meisterwerk gilt, gewannen mehrere Grammy Awards, nachdem er 1972 für „They Call Me Muddy Waters“ seinen ersten Grammy erhalten hatte.

Anerkennung

Waters wurde 1987 als Interpret in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, eingeführt von Paul Butterfield, der sagte, Waters „gab mir wirklich das Gefühl, dass es sich lohnte, weiterzumachen und wirklich zu lernen, wie man mein Instrument spielt“. Vier seiner Lieder — „Rollin' Stone“, „Hoochie Coochie Man“, „I'm Ready“ und „Mannish Boy“ — stehen auf der Liste der Hall of Fame der 500 Songs, die den Rock and Roll prägten. Er starb am 30. April 1983 in Westmont, Illinois, an Herzversagen und krebsbedingten Komplikationen im Alter von siebzig Jahren.

Warum Muddy ein Genie genannt wird

Waters’ Genie lässt sich am besten als Genie der Transformation und des Geschmacks verstehen und weniger als Erfindung aus dem Nichts: Er nahm das Delta-Blues-Idion, das er als junger Mann auf der Stovall Plantation gelernt hatte, und verstärkte, formte und organisierte es zu einem neuen, elektrischen Ensemble-Sound um, den andere Musiker sofort als Vorlage für etwas Größeres erkannten. B.B. Kings Einschätzung brachte das Ausmaß der Behauptung auf den Punkt: „Es wird noch Jahre und Jahre dauern, bis die meisten Leute realisieren, wie sehr er zur amerikanischen Musik beigetragen hat.“ Der Musiker John Hammond beschrieb die spezifische Qualität bei der Arbeit — keine technische Brillanz, sondern interpretatorische Tiefe: „tiefgründiges Gitarrenspiel, tief und einfach ... die Art von Spiel, die den Text bereicherte, den Worten selbst Tiefe verlieh.“ Das ehrliche Gegenargument ist, dass Waters innerhalb einer von Vorgängern begründeten Delta-Blues-Tradition arbeitete, sich direkt am Vokabular von Robert Johnson und Son House bediente und seinen charakteristischen Band-Sound in Zusammenarbeit mit dem Songwriter Willie Dixon und einer rotierenden Besetzung erstklassiger Musiker aufbaute, deren individuelle Beiträge wesentlich waren. Seine Transformation der Musik war entscheidend, aber sie war im Wesentlichen ein Akt des Arrangements, der Bandleitung und der Interpretation statt einer einsamen Komposition.

Vermächtnis

Waters wird mit einer Markierung des Mississippi Blues Trail an seinem Geburtsort, einem zehnstöckigen Wandgemälde in Chicago, einer Ehrenstraße in Chicago und einem Krater auf dem Merkur geehrt, der nach ihm benannt ist. Noch nachhaltiger ist das Format der elektrischen Bluesband, das er in den 1950er Jahren bei Chess Records aufbaute und das in seiner Grundform weitgehend unverändert die Arbeitsstruktur von Rockbands weltweit geblieben ist.