Max Reinhardt: Der Mann, der den Raum zwischen Bühne und Zuschauerraum neu erfand

Um 1930 kontrollierte der Sohn eines Wiener Bankiers, der einst eine Ausbildung zum Banklehrling absolviert hatte, elf Bühnen in Berlin. Er hatte ein Sommerfestival gegründet, das noch heute jedes Jahr auf einem Domplatz stattfindet. Und er hatte all dies unter einem Künstlernamen erreicht, den er mit siebzehn Jahren angenommen hatte, als er den Nachnamen Goldmann gegen einen tauschte, der in der Theatergeschichte zum Synonym für ein von Grund auf neu erschaffenes Spektakel werden sollte.

Von Baden auf die Berliner Bühne

Geboren als Maximilian Goldmann am 9. September 1873 in Baden bei Wien als Sohn von Rosa und Wilhelm Goldmann, einem Kaufmann aus Stupava, begann Reinhardt eine Banklehre, während er im Geheimen Schauspielunterricht nahm. Er gab 1890 in Wien sein Bühnendebüt unter dem Namen Max Reinhardt, spielte bis 1893 am Salzburger Stadttheater und zog 1894 nach Berlin, um sich dem Ensemble des Deutschen Theaters unter dem Direktor Otto Brahm anzuschließen — jenem Unternehmen, das er später ganz übernehmen sollte.

Ein Reich der Bühnen

Reinhardts Aufstieg durch das Berliner Theater war weniger eine Karriere als vielmehr eine Ansammlung von Institutionen. 1901 war er Mitbegründer des Kabaretts Schall und Rauch; ab 1903 leitete er das Neue Theater; 1906 erwarb er das Deutsche Theater, den Anker seines wachsenden Imperiums. Er leitete die Volksbühne von 1915 bis 1918, eröffnete das Große Schauspielhaus 1919 in einer radikalen expressionistischen Umgestaltung durch den Architekten Hans Poelzig wieder und leitete ab 1924 das Theater in der Josefstadt in Wien. Ende der 1920er Jahre war sein Name mit elf Berliner Bühnen gleichzeitig verbunden — eine beispiellose Konzentration an Theatermacht, die nicht auf Besitz um seiner selbst willen beruhte, sondern auf einer spezifischen, rastlosen künstlerischen Überzeugung.

Die Mauer zwischen Schauspieler und Publikum durchbrechen

Diese Überzeugung war einfach zu formulieren und schwer umzusetzen: Das Theater hatte eine zu große Kluft zwischen den Darstellenden und den Zuschauenden zugelassen, und es war Reinhardts Aufgabe, diese zu schließen. Er verschmolz Bühnendesign, Sprache, Musik und Choreografie zu einheitlichen Produktionen, anstatt sie als getrennte Handwerke zu behandeln, die nur auf einen Text aufgepfropft wurden. Er lieh sich Inszenierungsideen sowohl aus dem griechischen Amphitheater als auch aus dem mittelalterlichen Mysterienspiel, um die physische Distanz zwischen Schauspieler und Zuschauer aufzuheben. Das klarste Beispiel dafür war der 23. Dezember 1917, als er Reinhard Sorges Der Bettler uraufführte – eine Inszenierung, der zugeschrieben wird, den theatralischen Expressionismus im Alleingang gestartet zu haben – und durch ihn ein ganzes visuelles Vokabular, das später vom deutschen Kino aufgenommen wurde. In einer Sequenz unterhielten sich Charaktere vor einem geschlossenen Vorhang, während körperlose Stimmen dahinter erklangen – ein desorientierender räumlicher Trick, der das Publikum des Theaterapparates selbst bewusst werden ließ, anstatt es vergessen zu lassen.

Salzburg und Jedermann

Reinhardts dauerhafteste Schöpfung war nicht eine einzelne Inszenierung, sondern eine Institution: 1920 gründete er gemeinsam mit dem Komponisten Richard Strauss und dem Schriftsteller Hugo von Hofmannsthal die Salzburger Festspiele, konzipiert als kulturelle Antwort auf die Verwüstungen des Ersten Weltkriegs und den Zusammenbruch der Habsburger Welt, die ihn hervorgebracht hatte. Sein Vorschlag von 1917 für ein eigens dafür errichtetes Festspielhaus in Hellbrunn wurde nie realisiert, also inszenierte er Hofmannsthals Adaption des mittelalterlichen Mysterienspiels Jedermann auf dem Salzburger Domplatz und nutzte die Stadt selbst – ihre barocken Fassaden und den offenen Himmel – als Kulisse, die kein Theater in Innenräumen replizieren konnte. Diese Inszenierung gilt als die offizielle Gründung der Festspiele, und die Freilichtaufführung des Jedermann findet seitdem fast jedes Jahr statt, ein seltener Fall eines künstlerischen Experiments, das zu einer dauerhaften bürgerlichen Tradition wurde. Reinhardt leitete die Festspiele bis 1937.

Das Schloss und die Schulen

1918 erwarb Reinhardt Schloss Leopoldskron, ein barockes Palais außerhalb von Salzburg, und machte es sowohl zu einem privaten Wohnsitz als auch zu einem informellen kulturellen Salon mit eigenem Gartentheater und Bibliothek – das Anwesen sollte später als Drehort für The Sound of Music (Meine Lieder – meine Träume) international erkennbar werden, obwohl Reinhardt selbst keine Verbindung zu dieser späteren Produktion hatte. Er baute auch ein pädagogisches Erbe neben seinem theatralischen auf und gründete das sogenannte Max Reinhardt Seminar in Wien, das bis heute als eine der wichtigsten deutschsprachigen Schauspielschulen gilt, sowie Schauspielinstitutionen in Berlin. Als er später nach Hollywood zog, erwarb er eine Werkstatt am Sunset Boulevard – die er angeblich bei einer Partie Poker gewann –, wo Schüler, die seine Klassen besuchten, unter anderem Shirley Temple, Alan Ladd und Angie Dickinson waren, ein Beweis dafür, dass sein Instinkt für die Ausbildung von Schauspielern den Zusammenbruch seiner europäischen Institutionen überlebte.

Exil und die letzten amerikanischen Jahre

Reinhardts jüdische Abstammung machte ihn zum Ziel, sobald die Nazi-Ideologie die Macht übernahm. Sein 1935er Warner-Brothers-Film A Midsummer Night's Dream (Ein Sommernachtstraum) mit James Cagney, Olivia de Havilland und Mickey Rooney wurde vom Propagandaministerium in Deutschland verboten, teilweise weil Joseph Goebbels den Expressionismus als entartete Kunst verurteilte und teilweise weil Reinhardt, der Komponist Felix Mendelssohn und der Arrangeur Erich Wolfgang Korngold alle jüdischer Abstammung waren. Nach dem Anschluss Österreichs 1938 emigrierte Reinhardt erst nach Großbritannien und dann in die Vereinigten Staaten, wo er 1940 eingebürgert wurde. Leopoldskron wurde vom NS-Staat beschlagnahmt und erst nach dem Krieg an seine Familie zurückgegeben. In Amerika inszenierte er Produktionen wie The Eternal Road (1937) und Thornton Wilders The Merchant of Yonkers (1938) und arbeitete fast bis zu seinem Tod durch einen Schlaganfall in New York City am 30. Oktober 1943 im Alter von siebzig Jahren – er erlebte nicht mehr, dass das Regime, das ihn ins Exil getrieben hatte, besiegt wurde.

Warum Max ein Genie genannt wird

Das Wort haftet Reinhardt nicht wegen einer einzelnen Erfindung an, sondern wegen seiner unübertroffenen Bandbreite: Er war gleichzeitig ein aktiver Schauspieler, ein Regisseur, der neu konzipierte, was Inszenierung leisten kann, ein Impresario, der ein Dutzend Theater als funktionierende Unternehmen leitete, ein Institutionenbauer, der ein Festival gründete, das mehr als ein Jahrhundert später immer noch läuft, und ein Pädagoge, dessen Schulen Generationen von Schauspielern auf zwei Kontinenten ausbildeten. Die zeitgenössischen Theaterhistoriker Toby Cole und Helen Krich Chinoy nannten ihn "einen der malerischsten Schauspieler-Regisseure der modernen Zeit", und der Gelehrte Martin Esslin nannte ihn den "Hohepriester der Theatralik" – ein Lob für die Bandbreite und Kühnheit seiner Vision anstelle von irgendeinem singulären technischen Durchbruch. Das ehrliche Gegenargument ist, dass Reinhardt laut eigener Aussage und der seiner Kritiker eher ein genialer Synthetisierer und Impresario war als ein Urheber völlig neuer Ideen: Er lieh sich von griechischen und mittelalterlichen Inszenierungstraditionen, von Architekten wie Poelzig und von Dramatikern wie Hofmannsthal, und sein Genie lag darin, diese Anleihen zu kombinieren und in Produktionen und Institutionen von beispielloser Ambition zu skalieren. Es ist Handwerk und organisatorische Vision ebenso wie reine Originalität – aber Handwerk, das in einem Maßstab ausgeübt wurde, den vor ihm niemand versucht hatte.

Vermächtnis

Das von Reinhardt mitbegründete Salzburger Festival bleibt eine der prestigeträchtigsten Veranstaltungen der darstellenden Künste weltweit, sein Freiluft-Jedermann ist immer noch ein jährlicher Fixpunkt auf dem Domplatz, den er als Bühne wählte. Sein Archiv wird an der Binghamton University in New York aufbewahrt, und Berlin markierte den Ort seines ehemaligen Theaters 2015 mit einem Denkmal. Michael Frayns Stück Afterlife von 2008, das am Londoner National Theatre aufgeführt wurde, dramatisierte sein Leben direkt – eine Bestätigung, dass ein Regisseur, der einst dafür bekannt war, die Grenze zwischen Bühne und Publikum aufzuheben, selbst zu einem dauerhaften Thema für die Bühne geworden ist.