Louis Armstrong: Vom Waisenhaus zum Weltbotschafter

In der Silvesternacht 1912 verhaftete die Polizei in New Orleans einen elfjährigen Jungen, weil er mit einer Pistole in die Luft geschossen hatte, und sperrte ihn in das Colored Waif's Home for Boys (Waisenhaus). Durch diese Internierung bekam er unter der Anleitung eines Bandleaders namens Peter Davis zum ersten Mal ein Kornett in die Hand. Innerhalb von zwei Jahrzehnten sollte derselbe Junge das Vokabular der amerikanischen Musik umschreiben und sein Leben als weltweit bekannter "Ambassador Satch" beenden.

Das Schlachtfeld

Louis Daniel Armstrong wurde am 4. August 1901 in New Orleans, Louisiana, geboren und von seiner Mutter Mayann in einem rauen Viertel aufgezogen, das die Einheimischen "The Battlefield" (das Schlachtfeld) nannten. Armut beendete seine formale Schulbildung nach der fünften Klasse, und er ging früh arbeiten, unter anderem für die Familie Karnofsky, jüdische Einwanderer, die ihn auf ihrem Schrottwagen beschäftigten und ihn mit einer Freundlichkeit behandelten, die er sein Leben lang anerkannte. Der Lohn, den er dort verdiente, ermöglichte es ihm, sein erstes Kornett zu kaufen – ein Kauf, der die Richtung für alles Folgende vorgab. Seine Entlassung aus dem Waisenhaus im Jahr 1914, mit intakten Kornett-Fähigkeiten, brachte ihn auf den Weg zu den arbeitenden Musikern der Stadt, anstatt ihn zurück in die Probleme zu führen, die zu seiner Verhaftung geführt hatten.

Lernen von King Oliver

Armstrongs entscheidender Mentor war Joe "King" Oliver, der führende Kornettist von New Orleans, der den jungen Musiker unter seine Fittiche nahm und ihn 1922 nach Chicago holte, um sich seiner Creole Jazz Band anzuschließen. Die beiden Kornettisten entwickelten komplexe Zwei-Horn-Breaks, die zu einem Markenzeichen des Klangs der Gruppe wurden, und die Band begann 1923 mit Aufnahmen, die einige der frühesten wichtigen Jazz-Aufnahmen festhielten. Die Pianistin Lillian Hardin, eine Bandkollegin, die 1924 Armstrongs zweite Frau werden sollte, drängte ihn dazu, aus Olivers Schatten zu treten und eine Karriere zu seinen eigenen Bedingungen zu verfolgen – ein Rat, der ihn zunächst nach New York führte, um mit Fletcher Hendersons Orchester zu spielen, und dann 1925 zurück nach Chicago, um unter seinem eigenen Namen aufzunehmen.

Die Hot Five und Hot Seven

Die Aufnahmen, die Armstrong in Chicago mit seinen eigenen Gruppen, den Hot Five und Hot Seven, machte, bleiben der Angelpunkt der Jazzgeschichte. Während früherer Jazz die kollektive, ensemblegesteuerte Improvisation betont hatte, verlagerte Armstrongs Spiel den Schwerpunkt der Musik auf den virtuosen Solisten und nutzte die Trompete mit einer rhythmischen Freiheit und melodischen Erfindungsgabe, die andere Musiker jahrelang zu absorbieren versuchten. Sein Gesang bei diesen Sessions war ebenso bedeutend: Laut dem Louis Armstrong House Museum führten seine Vocals "innovative Ausbrüche von Scat-Gesang und ein zugrunde liegendes Swing-Gefühl" ein, die für Jazz-Vokalisten neue künstlerische Gebiete erschlossen, genauso wie sein Trompetenspiel es für Instrumentalisten getan hatte. Ende der 1920er Jahre war seine Popularität so weit gewachsen, dass sie ihn zurück nach New York trug, wo er in der Broadway-Revue Hot Chocolates mitspielte.

Internationaler Ruhm

In den 1930er Jahren baute Armstrong durch Radio, Film und Plattenverkäufe eine nationale und dann internationale Anhängerschaft auf. Er tourte 1932 zum ersten Mal durch Europa und kehrte 1933 für einen längeren Aufenthalt von mehr als einem Jahr zurück, der teilweise durch eine Lippenverletzung aufgrund der körperlichen Anforderungen seines Spiels verlängert wurde. Zurück in den Vereinigten Staaten im Jahr 1935, stellte er Joe Glaser als seinen Manager ein, eine Partnerschaft, die die kommerzielle Architektur des Rests seiner Karriere prägte, größere Ensembles leitete und populäres Material für Decca aufnahm, während er seine Präsenz im Film ausbaute. Die 1940er Jahre brachten unerbittliche landesweite Tourneen, und 1947, als die Big-Band-Ökonomie, die große Jazzorchester aufrechterhalten hatte, zusammenbrach, wechselte Armstrong dazu, eine kleinere Combo zu leiten, Louis Armstrong and His All Stars, die für den Rest seines Lebens zu seinem primären Fahrzeug wurde.

Hit-Aufnahmen und "Ambassador Satch"

Ab 1949 erzielte Armstrong eine Reihe von Erfolgen in den Pop-Charts, und seine Überseetourneen stießen auf so überwältigende Resonanz, dass er den Spitznamen "Ambassador Satch" erhielt – eine Anerkennung seiner Rolle als inoffizieller kultureller Gesandter der Vereinigten Staaten während der Jahre des Kalten Krieges. Seine Aufnahme von "Hello, Dolly!" aus dem Jahr 1964 wurde zu einem Hit, der bemerkenswerterweise während des Höhepunkts der Beatlemania die Beatles von der Spitzenposition verdrängte – eine kommerzielle Leistung für einen dreiundsechzigjährigen Künstler, die selbst sein eigenes Label überraschte.

Bürgerrechte und öffentliches Leben

Armstrongs öffentliches Image als Entertainer stieß in den 1950er Jahren teilweise auf Kritik, wobei einige jüngere schwarze Künstler und Kommentatoren ihn als Anpasser bezeichneten. Er beantwortete diese Vorwürfe 1957 unmissverständlich, indem er die langsame Reaktion der Bundesregierung auf die Little-Rock-Nine-Krise und die Obstruktion der Schulintegration durch Gouverneur Orval Faubus öffentlich verurteilte – eine Erklärung, die Zeitgenossen überraschte, die angenommen hatten, sein Bühnenimage spiegele neben Showtalent auch politische Passivität wider.

Letzte Jahre

Jahrzehntelange harte Tourneen zehrten an Armstrongs Gesundheit: Er erlitt 1959 seinen ersten Herzanfall und wurde 1968 wegen Herz- und Nierenkomplikationen im Beth Israel Hospital stationär behandelt. Selbst nachdem Ärzte ihm geraten hatten, nicht mehr aufzutreten, übte er weiterhin täglich Kornett in seinem Haus in Corona, Queens, wo er seit 1943 mit seiner vierten Frau Lucille lebte. Er spielte bis 1970 sporadische Auftritte, darunter eine letzte Reihe im Waldorf-Astoria, bevor er am 6. Juli 1971 in New York im Alter von neunundsechzig Jahren im Schlaf starb.

Warum Louis ein Genie genannt wird

Armstrongs Genie ist keine lose aus anderen Bereichen entlehnte Metapher – es ist ein Anspruch, der spezifisch darin verwurzelt ist, was er mit einem Instrument und einer musikalischen Grammatik anstellte. Britannica schreibt ihm "große Sensibilität, Technik und die Fähigkeit, Emotionen auszudrücken" zu, die es ihm ermöglichten, die Transformation des Jazz "in eine bildende Kunst" zu leiten, und die Verschiebung, die er konstruierte – vom ensemblebasierten New-Orleans-Jazz zu einer um den erfinderischen Solisten organisierten Musik – wird von Historikern als der fundamentale Schritt der amerikanischen Musik des zwanzigsten Jahrhunderts behandelt, der praktisch jeden Jazz- und Popmusiker prägte, der ihm folgte. Diese Leistung ist eher ein Genie der musikalischen Architektur und körperlichen Meisterschaft als die abstrakte oder verbale Intelligenz, die das Wort manchmal impliziert: Armstrong erfand größtenteils durch die Trompete und seine eigene Stimme, indem er die Technik durch unermüdliches Üben von der Kindheit im Waisenhaus an verfeinerte, anstatt durch formale Theorie, da seine Schulbildung mit elf Jahren endete. Die ehrliche Komplikation ist, dass sein warmes, publikumsnahes Bühnenimage – das breite Grinsen, die "Ambassador Satch"-Showmanship – einige Kritiker, insbesondere während der militanteren Bürgerrechtsjahre, dazu verleitete, die Souveränität des Künstlers unter dem Entertainer zu unterschätzen, eine Fehlinterpretation, die sein eigener Standpunkt von 1957 zu Little Rock zu korrigieren half.

Vermächtnis

Mehr als fünfzig Jahre nach seinem Tod werden Armstrongs Aufnahmen mit den Hot Five und Hot Seven immer noch als Gründungstexte der Jazzimprovisation gelehrt, und seine Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame im Jahr 1990, neben einem Grammy von 1964, erkennt einen Einfluss an, der weit über das Genre hinausreichte, das er transformierte – ein Junge vom "Schlachtfeld", der schließlich zu seinen eigenen Bedingungen definierte, wie amerikanische Musik klingen konnte.