David Hockney: Die Disziplin der Freude

Er verbrachte zwei Wochen damit, einen Spritzer ins Wasser zu perfektionieren, der in Wirklichkeit etwa zwei Sekunden dauert. Für A Bigger Splash (1967) fotografierte David Hockney einen Taucher, der in einem Pool in Los Angeles verschwand, und verbrachte dann weitaus mehr Zeit damit, die resultierende weiße Gischt zu malen – aufgetragen mit kleinen Pinseln über flach gerollter Farbe –, als er für das rosa modernistische Haus dahinter aufwendete. „Wenn man einen Spritzer fotografiert, friert man einen Moment ein, und er wird zu etwas anderem“, sagte er; „einen Spritzer könnte man im wirklichen Leben niemals so sehen.“ Dieser Instinkt – enorme technische Geduld aufzubringen, um etwas wahrhaft Flüchtiges festzuhalten – zieht sich durch sechs Jahrzehnte Arbeit, die ihn nach einer Messung zum teuersten lebenden Künstler der Welt machten.

Bradford und ein durch Verweigerung erworbenes Diplom

David Hockney wurde am 9. Juli 1937 in Bradford, Yorkshire, geboren. Er war das vierte von fünf Kindern von Kenneth Hockney, einem Buchhaltergehilfen und Kriegsdienstverweigerer, und Laura Thompson, einer tief religiösen methodistischen Vegetarierin. Wie sein Vater ließ sich Hockney als Kriegsdienstverweigerer registrieren und leistete seinen nationalen Dienst von 1957 bis 1959 als Sanitäter ab. Ab 1953 studierte er am Bradford College of Art an der Seite von Derek Boshier und Pauline Boty, dann ab 1959 am Royal College of Art in London, wo er R.B. Kitaj und Frank Bowling kennenlernte. Als das RCA eine Aktzeichenprüfung verlangte, die er für sinnlos hielt, verweigerte Hockney diese kategorisch und reichte stattdessen als Protest ein Gemälde mit dem Titel Life Painting for a Diploma ein – eine Geste, die so selbstbewusst war, dass die Institution lieber ihre eigenen Vorschriften änderte, als ihn durchfallen zu lassen.

Coming-out, bevor es legal war

Hockney outete sich als Dreiundzwanzigjähriger, noch während er Student war, Jahre bevor der Sexual Offences Act 1967 Homosexualität in Großbritannien entkriminalisierte. Er baute diese Tatsache direkt in sein Werk ein, anstatt sie zu umgehen: We Two Boys Together Clinging (1961) hat seinen Titel von Walt Whitman, und homosexuelle Themen und Beziehungen – mit Peter Schlesinger, den er 1966 an der UCLA kennenlernte, und später mit Gregory Evans – kehren für den Rest seiner Karriere in Gemälden, Zeichnungen und Doppelporträts wieder, zu einer Zeit, als nur wenige Künstler seines Ranges das Thema so sichtbar machten.

Kalifornien und die Pool-Bilder

1964 zog Hockney nach Los Angeles und fand dort, nach seiner eigenen Beschreibung, eine Art gelobtes Land: Das Licht, die Architektur und die Swimmingpools veränderten seine Palette von der expressiven Abstraktion seiner Studienjahre hin zu einer kühnen, flachen, farbintensiven Figuration, die auf klaren Linien aufbaute – ein bewusstes Bekenntnis zur gegenständlichen Malerei in einem Jahrzehnt, in dem die Abstraktion die kritische Mode dominierte. Die daraus resultierenden Pool-Bilder, darunter A Bigger Splash und Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972), wurden zu den Bildern, die die meisten Menschen bis heute mit ihm verbinden; letzteres wurde 2018 für 90 Millionen Dollar verkauft, was Hockney zu diesem Zeitpunkt zum teuersten lebenden Künstler bei einer Auktion machte.

„Joiner“, die Camera lucida und ein andauernder Disput mit der Fotografie

Hockneys Beziehung zur Fotografie war nie von einfacher Akzeptanz geprägt. Anfang der 1980er Jahre bemerkte er, dass das Fotografieren seines eigenen Wohnzimmers aus mehreren Winkeln ein Komposit ergab, das dem näher kam, wie sich die Sicht tatsächlich durch den Raum bewegt. Er begann, „Joiners“ zu erstellen – Collagen aus Dutzenden von überlappenden Polaroids oder Abzügen, die an einen durch eine Kamera statt durch einen Pinsel rekonstruierten Kubismus erinnerten. Schließlich gab er die Technik auf mit dem Fazit: „Die Fotografie scheint recht gut für Porträts zu sein... aber sie kann einem nichts über den Raum sagen, der das Wesen der Landschaft ist.“ Diese Skepsis verhärtete sich 2001 zu einem formalen Argument, als er Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters veröffentlichte. Er stellte darin – kontrovers und gegen erheblichen Widerstand aus der Kunstgeschichte – die These auf, dass Meister der Renaissance und spätere Maler optische Geräte wie die Camera obscura und die Camera lucida verwendet hätten, um ihre Präzision zu erreichen. Diese Behauptung testete er direkt, indem er zwischen 1999 und 2001 selbst über zweihundert Camera-lucida-Zeichnungen anfertigte.

Ein früher, rastloser Anwender jedes neuen Werkzeugs

Nur wenige Maler seiner Generation haben neue Technologien so konsequent angenommen. Schon im Dezember 1985 skizzierte er auf einem Quantel Paintbox-Computer für das Fernsehen der BBC. Ab 2009 begann er zwanghaft mit der iPad-App Brushes Redux zu arbeiten, produzierte Hunderte von Porträts, Landschaften und Stillleben auf dem Bildschirm und mailte die Ergebnisse häufig zuerst an Freunde, anstatt sie auszustellen – Zeichnungen, die in einer seltsamen späten Wendung heute bei Auktionen für Hunderttausende Pfund verkauft werden, von etwa 19.000 £ im Jahr 2014 auf 762.000 £ bis 2025. Ab 2010 experimentierte er mit Multi-Kamera-Filmen, installierte bis zu achtzehn Kameras auf einer einzigen Szene und nutzte später Photogrammetrie-Software, um Tausende von Fotos zu riesigen Kompositbildern zusammenzufügen, die 2018 als großformatige Fotowandbilder in Galerien gezeigt wurden. 2018 entwarf er zudem das Buntglasfenster „Queen’s Window“ in der Westminster Abbey unter Verwendung rein digitaler Werkzeuge vor dessen physischer Herstellung.

Rückkehr nach Yorkshire

Ab den 1990er Jahren, teilweise angeregt durch den Wunsch eines sterbenden Freundes, ihn die Landschaft malen zu sehen, die er verlassen hatte, begann Hockney mehr Zeit in Yorkshire zu verbringen. Er arbeitete en plein air in Öl und Aquarell und errichtete später ein Atelier in Bridlington; Garrowby Hill (1998) markiert die deutlichste Rückkehr zur englischen Landschaft seiner Kindheit. 2019 richtete er ein weiteres Atelier in der Normandie ein, wo er faltbare Leporello-Skizzenbücher und das iPad nutzte, um die wechselnden Jahreszeiten zu verfolgen, explizit inspiriert von der narrativen Struktur des Teppichs von Bayeux.

Warum David ein Genie genannt wird

Hockneys Bedeutung beruht weniger auf einem einzelnen stilistischen Durchbruch als vielmehr auf einer ungewöhnlich langen, ungewöhnlich gut dokumentierten Geschichte technischer Neugier, die über sechs Jahrzehnte hinweg ununterbrochen in Medien angewandt wurde, die die meisten Maler nie berühren – Druckgrafik, Fotografie, Bühnenbild, Computergrafik, iPad, Multi-Kamera-Film, Photogrammetrie. Die These aus Secret Knowledge zeigt – ungeachtet der kritischen Rezeption –, wie ein arbeitender Künstler durch seine eigene Atelierpraxis die optische Mechanik der Kunstgeschichte dekonstruiert, anstatt sich nur auf akademische Argumente zu verlassen. Die zweiwöchige Arbeit hinter einem zweisekündigen Spritzer zeigt denselben Instinkt im Kleinen: totale technische Kontrolle im Dienst der Erfassung eines wahrhaft flüchtigen Augenblicks. Das ehrliche Gegenargument ist, dass Hockneys Ruf, besonders auf dem Höhepunkt seiner Marktpräsenz, stark auf sofort wiedererkennbaren, hochgradig vermarktbaren Bildern basierte – die Pools, das flache kalifornische Licht – und dass sein späteres, experimentelles technologisches Werk ebenso viel Neugier wie ernste kritische Auseinandersetzung hervorrief. Manches davon wirkte eher wie die Spielzeugkiste eines wohlhabenden, unendlich neugierigen Künstlers als wie eine formale Innovation mit nachhaltigem Einfluss auf andere Maler. Beides ist vereinbar: Ein Maler kann gleichzeitig ein hervorragender, disziplinierter Handwerker und ein Marktphänomen sein, dessen kommerzieller Erfolg die kritische Einschätzung seiner experimentellsten Jahre übertraf.

Vermächtnis

Hockney stellte im Laufe seiner Karriere in mehr als vierhundert Einzelausstellungen aus, und seine Retrospektive 2017 in der Tate Britain wurde zur meistbesuchten Ausstellung der Galerie überhaupt und zog mehr als viertausend Besucher pro Tag an. Er starb am 11. Juni 2026 in seinem Londoner Haus im Alter von achtundachtzig Jahren; König Charles III. nannte ihn einen „Giganten der Kunst- und Malwelt“, und die Künstlerkollegin Tracey Emin würdigte ihn dafür, dass er das Bild der britischen Kunst von sich selbst verändert habe, und beschrieb Hockney als „einen stolzen, kettenrauchenden Homosexuellen, der die Flagge höher hielt als jeder andere britische Künstler“. Die David Hockney Foundation, die 2008 gegründet wurde, verwaltet heute mehr als achttausend seiner Werke und organisiert weiterhin Ausstellungen zu einer Karriere, die sich nie wirklich auf ein Medium festlegte.