David Fincher: Der Regisseur, der die Ernsthaftigkeit verschleißt

Rooney Mara machte neunundneunzig Takes einer einzigen Szene in The Social Network. Amanda Seyfried soll bei Mank bis zu zweihundert gebraucht haben. Eine neunminütige Szene in Mindhunter erforderte fünfundsiebzig. Finchers Erklärung ist nicht das, was die Leute erwarten. „Ich hasse Ernsthaftigkeit in der Darstellung“, sagt er. „Normalerweise ist bei Take 17 die Ernsthaftigkeit verflogen.“ Er jagt nicht der Perfektion nach. Er schleift den Wunsch des Schauspielers ab, beim Spielen gesehen zu werden.

San Anselmo

David Andrew Leo Fincher wurde am 28. August 1962 in Denver geboren. Sein Vater, Howard Kelly „Jack“ Fincher, war Büroleiter des Life-Magazins und Autor; seine Mutter Claire Mae Boettcher war psychiatrische Krankenschwester, die in Suchtprogrammen arbeitete. Die Familie zog nach San Anselmo im Marin County, als er zwei Jahre alt war, und der Nachbar war George Lucas.

Mit acht Jahren sah er einen Dokumentarfilm über die Entstehung von Butch Cassidy und Sundance Kid und verstand, auf eine Weise, wie es die meisten Kinder nicht tun, dass Filme hergestellte Objekte sind – dass jemand entscheidet, wohin die Kamera geht und warum. Das ist die gesamte Fincher-These im Keim. Als Teenager in Ashland, Oregon, arbeitete er bei einem lokalen Nachrichtensender und einem Theater.

Keine Filmschule

Er besuchte nie eine Filmschule. Stattdessen ging er arbeiten und kam von 1983 bis 1984 zu Industrial Light & Magic als Kameraassistent bei Die Rückkehr der Jedi-Ritter und Indiana Jones und der Tempel des Todes. Dies ist eine ungewöhnliche Ausbildung für einen großen Regisseur: Es ist eine Ausbildung in optischen Tricks und akribischer technischer Montage statt in Dramaturgie, und sie erklärt viel darüber, wie seine Filme aufgebaut sind.

Er ging, um einen Werbespot für die American Cancer Society zu drehen, der ihn bekannt machte, und gründete 1986 Propaganda Films mit. Zwischen 1984 und 1993 drehte er dreiundfünfzig Musikvideos, darunter Madonnas „Vogue“ und „Express Yourself“, George Michaels „Freedom! '90“ und Aerosmiths „Janie's Got a Gun“. Er gewann MTV Video Music Awards und zwei Grammys für das beste Musikvideo. Die Videos lehrten ihn Kompression: wie man eine Welt, eine Stimmung und eine visuelle Grammatik in vier Minuten ohne Exposition etabliert.

Alien 3

Sein erster Spielfilm im Jahr 1992 war ein Desaster, über das er nie ein milderes Urteil gefällt hat. Die Einmischung des Studios bei Alien 3 war konstant, das Drehbuch änderte sich wiederholt, und Finchers Urteil im Jahr 2009 war brutal und selbstanklagend: „Niemand hat ihn mehr gehasst als ich; bis heute hasst ihn niemand mehr als ich.“ Es ist der Film, der ihn unfähig machte, jemals wieder die Kontrolle abzugeben.

Seven und die Neunziger

Sieben im Jahr 1995 war die Korrektur. Eine regennasse, namenlose Stadt, eine prozedurale Struktur, ein wahrhaft nihilistisches Ende, gegen das das Studio kämpfte – und 320 Millionen Dollar weltweit. Er etablierte die Fincher-Signatur: entsättigte Farben, tiefe Schatten, Kameras auf Stativen, wo andere Regisseure Handkameras verwenden würden, und eine Welt, die mit solcher Spezifität dargestellt wird, dass sie sich weniger entworfen als ausgegraben anfühlt.

The Game folgte 1997 und Fight Club 1999, der bei der Veröffentlichung hinter den Erwartungen zurückblieb und dann zu einem der meistdiskutierten Filme seiner Generation wurde. Panic Room kam 2002.

Zodiac

Zodiac (2007) ist der Film, in dem Methode und Thema verschmelzen. Ein Film über einen ungelösten Fall, in dem sich obsessive Männer auf der Suche nach einer Gewissheit, die sie nie erreichen werden, selbst zerstören, gedreht von einem Regisseur, der über siebzig Takes einzelner Szenen verlangte. Er zitiert Buster Keaton als Beweis dafür, dass schwierige Dinge, die in einer Einstellung ohne Schnitt gemacht werden, am stärksten wirken. Seit diesem Film arbeitet er wiederholt mit dem Szenenbildner Don Burt zusammen, einem Mitglied einer langjährigen Crew, zu der auch die Kameraleute Darius Khondji und Jeff Cronenweth, der Komponist Trent Reznor, der Cutter Angus Wall und der Sounddesigner Ren Klyce gehören.

Der seltsame Fall des Benjamin Button (2008) brachte ihm seine erste Oscar-Nominierung als bester Regisseur ein. The Social Network (2010) brachte ihm den Golden Globe und den BAFTA. Verblendung (2011), Gone Girl (2014), Mank (2020) und Der Killer (2023) folgten, neben einer zweiten Karriere im Fernsehen: House of Cards für Netflix ab 2013, Mindhunter ab 2017 und Love, Death & Robots ab 2019, das drei Emmys gewann. Seine Filme haben über 2,1 Milliarden Dollar eingespielt.

Warum David ein Genie genannt wird

Die Fähigkeit ist die Kontrolle über Informationen. Finchers Filme funktionieren, weil jedes Bild eine bewusste Entscheidung darüber ist, was das Publikum wissen darf und wann – ein Ansatz, der eher von der Arbeit mit optischen Effekten bei ILM als vom Theater geerbt wurde. Er lehnt die offensichtliche Kameraposition aus Prinzip ab, zieht es vor, eine Szene in einer Totale ablaufen zu lassen, und betrachtet die Zwischenaufnahme oft als „Krücke“, die das Filmmaterial „hübscher oder kontrollierter“ macht.

Er lehnt auch das Wort ab, das am häufigsten auf ihn angewendet wird. „Ich denke, dass 'Perfektionismus' ein Begriff ist, der meistens von faulen Leuten herumgeworfen wird“, hat er gesagt. „Wir versuchen nicht, etwas Perfektes zu tun. Perfekt ist der Werbespot.“ Das ist eine interessantere und verteidigbarere Idee als Perfektionismus, und sie ist der eigentliche Motor der neunundneunzig Takes.

Das Gegenargument ist substanziell. Drei Nominierungen als bester Regisseur haben zu keinem Sieg geführt. Eine Strömung der Kritik hält seine Filme für oberflächliche Übungen – brillant maschinell, emotional kühl, bevölkert von entfremdeten Einzelgängern und animiert von einer Misanthropie, die als Weltanschauung herhält. Seine Methode erlegt seinen Mitarbeitern Kosten auf, und er hat nie etwas anderes behauptet. Er ist zudem ein Genre-Regisseur, der fast ausschließlich innerhalb des Thrillers arbeitet, und seine Einflüsse – Hitchcock, Kubrick, Scott, Scorsese – markieren eine Linie des Handwerks statt der philosophischen Originalität. Was nicht bestreitbar ist, ist das Niveau des Handwerks oder dass nach 1995 ein ganzes visuelles Register des zeitgenössischen Kinos erkennbar als das seine galt.

Der Fincher-Standard

Er heiratete 1990 das Model Donya Fiorentino und sie hatten eine Tochter, bevor sie sich 1995 scheiden ließen; 1996 heiratete er die Produzentin Ceán Chaffin, und sie hat seitdem einen Großteil seiner Arbeit produziert. Er dreht digital, bevorzugt natürliches Licht und hat eine Repertoire-Truppe von Technikern statt von Stars aufgebaut.

Das Maß seines Einflusses ist, dass seine Methoden zu Industriestandards geworden sind, ohne dass sein Name damit verbunden ist: die entsättigte Palette, das unsichtbare digitale Zusammenfügen von Aufnahmen, die einfach erscheinen, die Ablehnung der Handkamera als Abkürzung für Authentizität. Se7en, Fight Club, Zodiac und The Social Network sind heute feste Bestandteile des Kanons des amerikanischen Films der letzten dreißig Jahre. Fincher selbst würde wahrscheinlich charakteristischerweise lieber darüber diskutieren, wohin die Kamera gehen sollte.