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即興演奏は恐ろしく行き当たりばったりなものである。
Leo Ornsteinは、二十世紀初頭のアメリカを代表する実験的作曲家兼ピアニストであった。前衛作曲家の作品演奏と、彼自身による革新的、それどころか衝撃的な楽曲により、彼は大西洋両岸で一大センセーションを巻き起こした。
Ornsteinは、トーンクラスターを本格的に使用した最初の重要な作曲家である。ピアニストとしても、世界クラスの才能と見なされていた。一九二〇年代半ばまでに、彼は名声から身を引き、やがて大衆の記憶から消え去った。四十歳を前に最後の公開演奏会を開いたものの、その後も半世紀以上にわたって作曲を続けた。数十年にわたりほぼ忘れ去られていたが、一九七〇年代半ばに再発見された。Ornsteinは一九九〇年九月、九十四歳で八番目にして最後のピアノソナタを完成させ、史上最高齢の出版作曲家となった——この記録はその後Elliott Carterに更新された。
目次 1 初期の人生 2 名声と「未来派」 3 一九二〇年代の転換期 4 晩年 5 関連項目 6 注釈 7 出典 8 外部リンク 8.1 試聴
初期の人生
Ornsteinは、当時帝政ロシア支配下にあったウクライナのポルタヴァ州の大都市クレメンチュクで生まれた。彼は音楽的環境で育った——父はユダヤ教の詠唱者であり、ヴァイオリニストの叔父が少年の勉強を後押しした。Ornsteinは早くからピアノの神童として認められた。一九〇二年、著名なポーランド人ピアニストJosef Hofmannがクレメンチュクを訪れた際、六歳のOrnsteinの演奏を聴いた。Hofmannは彼に、高名なサンクトペテルブルク音楽院への推薦状を与えた。まもなく、Ornsteinはキエフの帝国音楽学校に、当時Vladimir Puchalskyが校長を務めていた同校に生徒として受け入れられた。家族の死により、Ornsteinは帰郷を余儀なくされた。一九〇三年、Ossip Gabrilovichが彼の演奏を聴き、モスクワ音楽院を推薦した。一九〇四年、九歳のOrnsteinはサンクトペテルブルクの学校のオーディションを受け、合格した。そこで彼はAlexander Glazunovに作曲を、Anna Yesipovaにピアノを師事した。十一歳までに、Ornsteinはオペラ歌手のコーチングで生計を立てていた。民族主義的かつ反ユダヤ主義的組織「ロシア人民同盟」が扇動したポグロムから逃れるため、一家は一九〇六年二月二十四日——彼の死の正確に九十六年前——にアメリカ合衆国へ移住した。彼らはニューヨークのローワー・イースト・サイドに定住し、OrnsteinはInstitute of Musical Art——Juilliard Schoolの前身——に入学し、Bertha Feiring Tapperにピアノを師事した。一九一一年、彼はBach、Beethoven、Chopin、Schumannの作品でニューヨークデビューを果たし、好評を博した。二年後のChopin、Grieg、Poldiniの作品の録音は、音楽史家Michael Boylesによれば、「感受性、驚異的な技術力、芸術的成熟を備えたピアニスト」を示している。
名声と「未来派」
Ornsteinはまもなく、全く異なる方向へ進んだ。彼は不協和音と衝撃的な音響を含む作品を作曲し始めた。Ornstein自身、これらの初期作曲に動揺した。「最初は本当に自分の正気を疑った。私はただ、これは何だ、と言った。これまでの経験から完全に切り離されていたのだ」。一九一四年三月二十七日、ロンドンで、彼は当時「未来派」と呼ばれ、現在はモダニストとして知られる作品の初の公開演奏を行った。Busoniによる三つのBachコラール前奏曲の編曲と、Schoenbergの数曲に加えて、Ornsteinは自作の多数の作品を演奏した。この演奏会は大きな波紋を呼んだ。ある新聞はOrnsteinの作品を「SchoenbergとScriabineの合計の二乗」と評した。他はより直截的だった。「いわゆる音楽という形で表現された、これほど耐え難い醜悪さに苦しめられたことはない」。
Ornsteinの二度目の演奏は暴動寸前の事態を引き起こした。「自作曲に特化した二度目の演奏会では、何を演奏してもよかったかもしれない。私自身、ピアノが聞こえなかった。群衆は口笛を吹き、吠え、手近なものを舞台に投げつけさえした」。しかし反応は決して全面的に否定的ではなかった——Musical Standardは彼を「現代最も注目すべき作曲家の一人……天才を示す現実主義と人間性の萌芽を持つ」と評した。翌年までに、彼はSchoenberg、Scriabin、Bartók、Debussy、Kodály、Ravel、Stravinskyによる最先端作品——その多くがアメリカ初演——の演奏と、さらに過激な自作曲により、アメリカ音楽界の話題をさらった。
 Wild Men's Dance(一九一三〜一四年頃)の暴力的なトーンクラスター(Poon Hill Press/Severo Ornstein) 1915年から1920年代初頭にかけて、公開演奏をほぼ完全に中止するまでの間、Ornsteinはアメリカのクラシック音楽界において最も著名な、ある意味では悪名高い人物の一人であった。BroylesとDenise Von Glahnの記述によれば、彼の「集客力は絶大であった。常に満員の会場、多くの場合2000人以上の観客の前で演奏を行い、数多くの場所で『シーズン最大の観客動員』を記録した」。彼のソロピアノ曲、例えば『野蛮人の踊り』別名『Danse Sauvage』(1913-14年頃)や『テムズ川の印象』(1913-14年頃)は、クラシック音楽作曲におけるトーン・クラスターの統合的使用の先駆けとなり、Ornsteinより3歳年下のHenry Cowellがこれをさらに普及させることになる。学者Gordon Rumsonの記述によれば、『野蛮人の踊り』は「激しく荒々しいリズム、密集した和音クラスター、そして残忍なアクセントで構成された作品である。複雑なリズムと巨大で衝撃的な和音がピアノの全音域を駆け巡る。これは今なお、燃えるような獰猛なエネルギーを吹き込むことのできる偉大なヴィルトゥオーゾのための作品である」。Aaron Coplandは、この曲の演奏を10代後半の最も物議を醸した瞬間として回想している。2002年、New York Timesの批評家は、この曲が「今なお衝撃的である」と断言した。批評家Kyle Gannによれば、『テムズ川の印象』は「テクスチャーにおいてはドビュッシー風でありながら、ドビュッシーが決して試みなかったより刺激的な和音を使用し、また高音域のクラスターと低音の強打を用い、これはCharlemagne Palestineを予見させるものでありながら、説得力のある統一感をもって転調していく」。
Ornsteinが「抽象音楽」と呼んだものの一例として、彼の『ヴァイオリンとピアノのためのソナタ』(1915年、しばしば誤って1913年とされる)はさらに先を行き、彼の言葉を借りれば「瀬戸際まで」到達した。「音楽をまさに限界ぎりぎりまで持っていったと言えるだろう。……私は身を引いて言った、『その先には完全な混沌が横たわっている』と」。1916年、批評家Herbert F. Peyserは「ベートーヴェンの時代とLeo Ornsteinの時代の間に、世界は確かに動いた」と宣言した。その春、Ornsteinは支持者の一人のNew Yorkの自宅で一連のリサイタルを開催した。これらのコンサートは、1920年代に現代音楽シーンが繁栄する核となる作曲家協会の重要な先例となった。Ornsteinはまた1916年にニューオーリンズを訪れ、そこでジャズを発見した。翌年、批評家James Hunekerは次のように書いた。
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Arnold Schoenbergが穏やかに聞こえる日が来るとは思わなかったが、穏やかに聞こえるのだ——Ornsteinの後では、ほとんど臆病で躊躇しているかのように。彼は最も明確に、唯一の真正で純粋な、生きている未来派作曲家である。
「未来派」に加えて、Ornsteinは時として——Cowellや彼らの周辺の他の作曲家たちとともに——「超モダニスト」とも呼ばれた。Baltimore Evening Sunの記事は彼を「音楽界全体を騒然とさせ、おそらくコンサート・ステージで最も議論される人物である、非妥協的なピアニスト」と称した。The Musical Quarterlyでは「我々の時代における最も顕著な音楽現象」と評された。スイス生まれの作曲家Ernest Blochは彼を「アメリカで天才の明確な兆候を示す唯一の作曲家」と宣言した。
1918年までに、Ornsteinは十分に著名となり、彼に関する本格的な伝記が出版された。Frederick H. Martensによるこの書籍は、24歳でのOrnsteinの名声の高さだけでなく、文化シーンに対する彼の分裂的な影響をも示唆している。
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多くの人々にとってLeo Ornsteinは、調性の正統性の最も外側の境界を越えて彷徨う邪悪な音楽的天才を象徴している。未来派の絶望の嘆き、キュビズムの悲鳴、ポスト印象派の叫びと衝突に憑りつかれた、奇妙な無人地帯を。彼は偉大なるアナーキスト、偶像破壊者である。
New Yorkで学んでいた際にOrnsteinに遭遇したCowellは、同様に急進的なスタイルを壮大な知的・文化的使命の一部として追求し、それには音楽理論に関する野心的な著作や、前衛音楽を支援する出版・宣伝活動も含まれていた。アメリカのクラシック音楽における前衛的偶像破壊者であったOrnsteinは、はるかに独特なミューズに従った。「私は何が重要で何が重要でないかということに関して、完全に自分の音楽的本能だけに導かれている」。その証拠に、超モダニストとしての悪名が頂点に達していた時期でさえ、彼は『チェロとピアノのための第1ソナタ』のような、叙情的で調性的な作品も数曲作曲している。「私の理解を超えている」。Ornsteinの死からおよそ4分の3世紀後にこの作品について論評した批評家Martin Andersonは、「素晴らしい旋律においてRachmaninovに匹敵する」と書いた。
1920年代に入る前——おそらく1918年または1919年に——Ornsteinはトーン・クラスターを用いた彼の最も特徴的な作品の一つ、『飛行機での自殺』を制作した。その楽譜には、エンジンの音を模倣し飛行の感覚を捉えることを意図した高速のバス・オスティナート・パターンが指定されている。この作品はGeorge Antheilの『飛行機ソナタ』(1923年)のインスピレーションとなり、Antheilは『Sonata Sauvage』(1923年)などの他の作品でもOrnsteinの影響を反映している。2000年に執筆したピアニストで歴史家のJoseph Smithは、『飛行機での自殺』をOrnsteinの作品の中で「ピアニスティックな暴力性の究極を表現し、今なお表現しているかもしれない」作品の一つとして挙げている。
1920年代の転換期
燃え尽きた Ornstein は、1920年代初頭、華々しい演奏家としてのキャリアを事実上放棄した。学者 Erik Levi が記すように、彼の「音楽はすぐに忘れ去られ」、「アメリカ音楽界において本質的に周縁的な存在」となった。Broyles の描写によれば、「Ornstein は1920年代の新音楽組織が出現する頃にはほぼ引退していた。早すぎ、そして独立しすぎていた Ornstein は、モダニズム運動がアメリカで定着する頃には、それに参加する意欲をほとんど持たなかった。……宣伝や、その欠如にもほとんど煩わされることはなかった。彼は自分自身の声にのみ耳を傾けた」
Ornstein の主要な作曲様式も変化しつつあった。後世の批評家 Gordon Rumson が述べるように、彼の
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音楽言語は、単純さと荒々しさの間で、きらめく、光に満ちた段階的変化として組織化された。旋律にはヘブライ的な色合いがあり、Ornstein は不協和音と調性音楽を並置することを躊躇しない。この様式の移行は、Ornstein の創造的手法のひとつに過ぎない。より重要なのは、音楽を真に魅力的にする感情の直接性である。また、彼の音楽がピアノのために理想的に書かれており、明らかに巨匠ピアニストの作品であることも指摘されるべきである。
この変容が Ornstein の無名への退却に寄与した。彼が影響を与えた者たちは今や彼を拒絶し、その激しさは10年前に彼がショックを与えた批評家たちとほぼ同じだった。Broyles によれば、「彼は1910年代を通じて急進的モダニズムの看板的存在であり、より表現的な様式へと転向したとき、超モダニストたちは裏切られた恋人のように反応した」。「寛容な気質で知られる Cowell でさえ、Ornstein を許すことができなかった」
コンサートステージだけでなく、それに伴う収入も放棄した Ornstein は、Ampico レーベルとピアノロール制作の独占契約を結んだ。彼は Ampico のために20数本以上のロールを制作し、そのほとんどは非モダニストのレパートリーだった。彼が最も頻繁に演奏した作曲家は Chopin、Schumann、Liszt だった。2本のロールには彼自身の作品が収められていた：Berceuse Cradle Song（1920–21年頃）と Prélude tragique（1924年）。Ornstein は、彼に名声をもたらした未来派作品の例を、いかなる形式でも一度も録音しなかった。
1920年代半ば、Ornstein は Philadelphia Musical Academy（後に University of the Arts の一部となる）の教職を受け入れるため、New York を離れた。この期間、彼は1925年に Philadelphia Orchestra から委嘱された Piano Concerto を含む、最も重要な作品のいくつかを書いた。2年後、彼は Piano Quintet を制作した。不協和音の冒険的な使用と複雑なリズム構成を特徴とする叙事的調性作品であり、このジャンルの傑作として認められている。
晩年
1930年代初頭、Ornstein は最後の公開演奏を行った。数年後、彼と妻――元 Pauline Cosio Mallet-Prèvost（1892–1985）、彼女もピアニストだった――は Philadelphia に Ornstein School of Music を設立した。そこでの学生の中から、John Coltrane と Jimmy Smith はジャズで大きなキャリアを築くことになる。Ornstein 夫妻は1953年の引退により学校が閉鎖されるまで、そこで指導と教育を行った。彼らは1970年代半ばまで事実上公の場から姿を消していたが、音楽史家 Vivian Perlis によって発見された：夫妻は Texas のトレーラーパークで冬を過ごしており（New Hampshire にも家があった）。Ornstein は作曲を続けていた。強力な記憶力を備えていた彼は、それらすべてを書き留めることに勤勉ではなく、何十年もの間それを公表しようとはしなかった。彼の様式は1910年代以降大いに穏やかになっていたが、その独特な性格は保たれており、再発見とともに新たな創作の爆発が訪れた。Gann の描写によれば、Ornstein が80代で作曲したピアノ作品、例えば Solitude や Rendezvous at the Lake には、「他のいかなる作曲家も思い起こさせない、無限の装飾的渦巻きを通じて飛び跳ねる」旋律が特徴的だった。
 Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work（1918）の表紙、Frederick H. Martens 著
1988年、92歳の Ornstein は Seventh Piano Sonata を書いた。この作品により Ornstein は、Elliott Carter まで、実質的な新作を生み出した出版作曲家として、数年の差で最高齢となった。1990年9月23日、94歳で、Ornstein は最後の作品である Eighth Piano Sonata を完成させた。ソナタの楽章の名前は、驚異的な時間の経過だけでなく、衰えることのないユーモアのセンスと探求精神を反映している：I. 「人生の混乱と若干の風刺」／II. 「屋根裏への旅――永遠に失われた子供時代への一滴か二滴の涙」a. 「ラッパ吹き」／b. 「失われた玩具への嘆き」／c. 「半ば損壊した揺りかご――子守歌」／d. 「初めてのメリーゴーランド乗車と手回しオルガンの音」／III. 「訓練と即興」。作品の New York デビューを評して、批評家 Anthony Tommasini は次のように書いた。「第1楽章と第3楽章の轟くような狂気の間に、中間楽章は屋根裏で発見された子供時代の記念品についての4つの短い音楽的思索の組曲である。完全に不調和でありながら、トーンの転換は大胆であり、音楽は魅惑的である。聴衆は熱心に聴き入り、その後拍手が爆発した」
2002年2月24日、Ornstein は Wisconsin の Green Bay で死去した。106歳で、彼は最も長命な作曲家の一人だった。
