Alexandre Desplat : Le compositeur qui dirige chaque note lui-même

Il a entendu la bande originale de Star Wars de John Williams alors qu'il était jeune homme à Paris et a décidé, sur-le-champ, que la musique de film était ce qu'il voulait faire de sa vie. Quatre décennies et plus de cent cinquante partitions plus tard, Alexandre Desplat est le rare compositeur en qui ont confiance aussi bien la fantaisie de Wes Anderson, la tension de Kathryn Bigelow que la mélancolie opératique de Guillermo del Toro — et il dirige toujours personnellement chaque partition qu'il écrit.

Une enfance parisienne, un foyer franco-grec

Alexandre Michel Gérard Desplat est né à Paris d'une mère grecque et d'un père français qui s'étaient rencontrés et mariés alors qu'ils étudiaient en Californie avant de s'installer en France. Ce double héritage se manifeste dans l'étendue inquiète de sa musique : la tradition symphonique française d'un côté, une attirance de toujours pour les musiques du monde de l'autre. Il a commencé le piano à cinq ans, a étudié la trompette et a finalement choisi la flûte comme instrument principal, une base inhabituelle pour un compositeur qui serait plus tard défini par la couleur orchestrale plutôt que par une seule voix mélodique.

Discipline au conservatoire, curiosité pour les musiques du monde

Desplat a étudié en tant qu'auditeur dans la classe d'analyse du compositeur Claude Ballif au Conservatoire de Paris (CNSM), le cœur classique rigoureux de l'institution, mais il ne s'y est pas limité. Il a poursuivi des études de musique brésilienne et africaine parallèlement à sa formation classique, collaborant plus tard avec des musiciens tels que Carlinhos Brown et Ray Lema — des collaborations qui ont directement nourri les textures polyrythmiques et non occidentales qui distinguent ses partitions de celles des compositeurs de films plus conventionnellement symphoniques. Ses influences déclarées vont de Ravel et Debussy au jazz et au circuit des musiques du monde dans lequel il a travaillé en tant que jeune musicien, une combinaison qui lui a donné un vocabulaire compositionnel inhabituellement large avant même qu'il ne mette en musique une seule image de film.

Cinquante films français avant que Hollywood ne le remarque

La carrière de Desplat n'a pas commencé à Los Angeles. Il a passé environ deux décennies et a composé une cinquantaine de partitions pour des films européens en travaillant avec des réalisateurs français tels que Philippe de Broca et Francis Girod, largement inaperçu de l'industrie anglophone. Sa percée européenne est venue grâce à sa collaboration avec Jacques Audiard : sa partition pour De battre mon cœur s'est arrêté (2005) a remporté l'Ours d'argent au Festival du film de Berlin et lui a valu son premier César, cimentant sa réputation dans le cinéma français bien avant que les studios américains ne fassent appel à lui. La reconnaissance d'Hollywood est arrivée avec La Jeune Fille à la perle (2003), qui a apporté à Desplat ses premières nominations aux Golden Globes et aux BAFTA et a ouvert la porte au travail en langue anglaise qui définirait la prochaine étape de sa carrière.

Le partenariat avec Wes Anderson et huit nominations consécutives

À partir de là, Desplat est devenu l'un des compositeurs les plus demandés de l'industrie, travaillant avec Stephen Frears, Terrence Malick, Ang Lee, Roman Polanski, George Clooney, Matteo Garrone et David Fincher, entre autres — une liste de clients qui ressemble à un échantillon représentatif du cinéma d'auteur contemporain sérieux. Ses partitions pour The Queen, L'Étrange Histoire de Benjamin Button, Le Discours d'un roi, Argo, Zero Dark Thirty, Philomena et les deux parties du final de Harry Potter et les Reliques de la Mort ont bâti une réputation de retenue et de précision plutôt que de grandiloquence. Son partenariat le plus célèbre s'est formé avec le réalisateur Wes Anderson, pour qui il a composé la musique de Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom, The Grand Budapest Hotel et L'Île aux chiens. Desplat a décrit la collaboration comme « très collaborative... un processus très précis, presque chirurgical, mais nous nous amusons toujours », et pour The Grand Budapest Hotel, il a construit la partition autour d'instruments d'Europe de l'Est — cymbalums, cithares, balalaïkas — pour donner au film une identité sonore indubitable et autonome, distincte de tout ce qui se trouve dans son catalogue. Cette partition lui a valu son premier Oscar en 2015, l'année même où il a été nommé deux fois, pour Budapest et pour Imitation Game, après six nominations précédentes en huit ans sans victoire. Il a remporté un deuxième Oscar en 2018 pour La Forme de l'eau de Guillermo del Toro.

Un mariage de travail

Desplat a rencontré la violoniste Dominique « Solrey » Lemonnier lors de l'enregistrement de sa première partition de film en 1986 ; elle est devenue sa femme, sa directrice artistique et la soliste principale sur nombre de ses partitions, une collaboration que ses collègues créditent d'avoir remodelé la façon dont les cordes fonctionnent au sein de ses orchestrations. Le couple a deux enfants. Desplat, selon ses propres dires, respecte le texte et le dialogue d'une manière qui remonte à son travail au théâtre et à ses nombreux films en français, où la musique doit entrer et sortir autour du langage parlé avec un timing chirurgical plutôt que de simplement le souligner tout du long.

Honneurs

Au cours de sa carrière, Desplat a accumulé onze nominations aux Oscars et deux victoires, ainsi que de multiples Golden Globes, BAFTA, Grammy, César et European Film Awards. Il a été président du jury du Festival de Cannes en 2014, un poste généralement réservé à des personnalités que l'industrie considère comme ayant atteint un niveau supérieur à la simple maîtrise technique.

Pourquoi Alexandre est qualifié de génie

Le langage du « génie » autour de Desplat a tendance à se concentrer sur l'étendue plutôt que sur une seule innovation déterminante — sa capacité à écrire des partitions qui sonnent instantanément comme les siennes tout en restant tonalement méconnaissables d'un film à l'autre, passant de l'horlogerie frénétique d'une comédie de Wes Anderson à la retenue douloureuse de La Forme de l'eau sans que l'une ou l'autre ne ressemble à un compromis. Cette étendue est ancrée dans une formation inhabituellement large : la rigueur du conservatoire dans la classe d'analyse de Ballif combinée à des années d'absorption de la musique brésilienne et africaine, une combinaison qu'aucun autre compositeur de film de premier plan ne partage. Ce que ses admirateurs soulignent spécifiquement, c'est sa discipline au service de l'histoire — son insistance à respecter le rythme du dialogue appris au théâtre et dans le cinéma français, et son habitude pratique de diriger personnellement chaque partition plutôt que de déléguer à un orchestrateur, dans une industrie où l'externalisation de ce travail est une pratique courante. Le contre-argument honnête est que la composition de films, aussi exigeante soit-elle, est un métier calibré pour servir la vision de quelqu'un d'autre ; les partitions de Desplat ne sont presque jamais jouées comme des œuvres de concert autonomes, et les critiques notent parfois que sa retenue peut être lue comme de l'anonymat lorsqu'un réalisateur veut une partition qui s'efface plutôt qu'elle ne s'annonce. Ce qui n'est pas en question, c'est la maîtrise technique et la production soutenue — onze nominations aux Oscars dans des genres aussi différents que la fantasy, le drame historique et l'horreur est un record de polyvalence que peu de compositeurs en activité, quel que soit le support, peuvent revendiquer.

Héritage

Desplat continue de travailler à un rythme que peu de compositeurs dans l'histoire du cinéma ont maintenu, passant entre les auteurs d'art et essai et les franchises de studio sans friction apparente, et son partenariat avec Wes Anderson est devenu l'une des relations réalisateur-compositeur déterminantes du cinéma contemporain, aux côtés des duos Spielberg-Williams et Burton-Elfman qui l'ont précédé. Ses deux victoires aux Oscars, pour deux films tonalement opposés à huit ans d'intervalle et dans deux genres très différents, constituent la preuve la plus claire d'une carrière construite sur l'adaptabilité plutôt que sur un son signature unique — précisément la qualité que ses collaborateurs citent le plus souvent pour expliquer pourquoi ils continuent de faire appel à lui.