Max Reinhardt: El hombre que reconstruyó el espacio entre el escenario y la butaca

Hacia 1930, el hijo de un banquero vienés que alguna vez se formó como aprendiz de banco controlaba once teatros en Berlín. Había fundado un festival de verano que aún se celebra cada año en la plaza de una catedral. Y lo había logrado todo bajo un nombre artístico que adoptó a los diecisiete años, descartando el apellido Goldmann por uno que se convertiría, en la historia del teatro, en sinónimo de espectáculo reconstruido desde sus principios fundamentales.

De Baden al escenario de Berlín

Nacido como Maximilian Goldmann el 9 de septiembre de 1873 en Baden bei Wien, hijo de Rosa y Wilhelm Goldmann, un comerciante de Stupava, Reinhardt comenzó un aprendizaje en la banca mientras tomaba lecciones de actuación en secreto. Debutó en el escenario de Viena en 1890 bajo el nombre de Max Reinhardt, actuó en el Teatro Municipal de Salzburgo en 1893 y, en 1894, se trasladó a Berlín para unirse al conjunto del Deutsches Theater bajo la dirección de Otto Brahm, la compañía que finalmente llegaría a poseer por completo.

Un imperio de teatros

El ascenso de Reinhardt en el teatro berlinés fue menos una carrera que una acumulación de instituciones. En 1901 cofundó el cabaret Schall und Rauch; hacia 1903 dirigía el Neues Theater; en 1906 adquirió el propio Deutsches Theater, el ancla de su creciente imperio. Dirigió la Volksbühne de 1915 a 1918, reabrió el Großes Schauspielhaus en 1919 en una radical conversión expresionista realizada por el arquitecto Hans Poelzig, y a partir de 1924 dirigió el Theater in der Josefstadt en Viena. A finales de la década de 1920, su nombre estaba asociado a once escenarios berlineses simultáneamente: una concentración de poder teatral sin precedentes construida no sobre la propiedad por sí misma, sino sobre una convicción artística específica e incansable.

Rompiendo el muro entre el actor y el público

Esa convicción era sencilla de enunciar y difícil de ejecutar: el teatro había permitido que se abriera un abismo demasiado amplio entre las personas que actuaban y las que observaban, y la tarea de Reinhardt era cerrarlo. Fusionó el diseño escénico, el lenguaje, la música y la coreografía en producciones integradas en lugar de tratarlos como oficios separados superpuestos a un texto, y tomó prestadas ideas de puesta en escena tanto del anfiteatro griego como de los autos sacramentales medievales para colapsar físicamente la distancia entre actor y espectador. El ejemplo más claro ocurrió el 23 de diciembre de 1917, cuando estrenó Der Bettler (El mendigo) de Reinhard Sorge, una producción a la que se atribuye haber lanzado por sí sola el expresionismo teatral y, a través de él, todo un vocabulario visual que más tarde sería absorbido por el cine alemán. En una secuencia, los personajes conversaban frente a un telón cerrado mientras voces incorpóreas sonaban desde atrás, un truco espacial desorientador que hacía que el público fuera nuevamente consciente del aparato teatral mismo en lugar de permitirle olvidarlo.

Salzburgo y Jedermann

La creación más duradera de Reinhardt no fue una sola producción, sino una institución: en 1920, junto con el compositor Richard Strauss y el escritor Hugo von Hofmannsthal, fundó el Festival de Salzburgo, concebido como una respuesta cultural a la devastación de la Primera Guerra Mundial y al colapso del mundo de los Habsburgo que lo había producido. Su propuesta de 1917 para un palacio de festivales diseñado específicamente en Hellbrunn nunca se realizó, por lo que puso en escena la adaptación de Hofmannsthal del drama moral medieval Jedermann (Cada cual) en la plaza de la catedral de Salzburgo, utilizando la ciudad misma —sus fachadas barrocas y el cielo abierto— como escenografía que ningún teatro podría replicar en interiores. Esa producción es acreditada como la fundación oficial del festival, y su puesta en escena al aire libre de Jedermann se ha representado casi todos los años desde entonces, un caso raro de experimento artístico que se convierte en una tradición cívica permanente. Reinhardt continuó dirigiendo el festival hasta 1937.

El castillo y las escuelas

En 1918, Reinhardt compró Schloss Leopoldskron, un palacio barroco a las afueras de Salzburgo, y lo convirtió tanto en una residencia privada como en un salón cultural informal con su propio teatro de jardín y biblioteca; la finca se volvería más tarde internacionalmente reconocible como lugar de rodaje de The Sound of Music (Sonrisas y lágrimas), aunque el propio Reinhardt no tuvo conexión con esa producción posterior. También construyó un legado educativo junto al teatral, fundando lo que se conoció como el Seminario Max Reinhardt en Viena, todavía considerado una de las escuelas de actuación en lengua alemana más importantes, así como instituciones de actuación en Berlín. Cuando más tarde se trasladó a Hollywood, adquirió un taller en Sunset Boulevard —que según se dice ganó en una partida de póquer— donde los estudiantes que pasaron por sus clases incluyeron a Shirley Temple, Alan Ladd y Angie Dickinson, evidencia de que su instinto para formar actores sobrevivió al colapso de sus instituciones europeas.

El exilio y los últimos años en Estados Unidos

La ascendencia judía de Reinhardt lo convirtió en un objetivo en el momento en que la ideología nazi se afianzó. Su película de 1935 A Midsummer Night's Dream (El sueño de una noche de verano) para Warner Brothers, protagonizada por James Cagney, Olivia de Havilland y Mickey Rooney, fue prohibida en Alemania por el Ministerio de Propaganda, en parte porque Joseph Goebbels condenó el expresionismo como arte degenerado y en parte porque Reinhardt, el compositor Felix Mendelssohn y el arreglista Erich Wolfgang Korngold eran todos de ascendencia judía. Después de que el Anschluss de 1938 anexionara Austria, Reinhardt emigró primero a Gran Bretaña y luego a Estados Unidos, convirtiéndose en ciudadano naturalizado en 1940. Leopoldskron fue confiscado por el estado nazi y solo fue devuelto a su familia después de la guerra. En Estados Unidos montó producciones que incluyeron The Eternal Road (1937) y The Merchant of Yonkers (1938) de Thornton Wilder, continuando su trabajo casi hasta su muerte por un derrame cerebral en la ciudad de Nueva York el 30 de octubre de 1943, a los setenta años; nunca vivió para ver derrotado al régimen que lo había exiliado.

Por qué a Max se le llama genio

La palabra se le atribuye a Reinhardt no por un solo invento, sino por un rango inigualable: fue simultáneamente un actor en activo, un director que reconceptualizó lo que podía hacer la puesta en escena, un empresario que dirigió una docena de teatros como negocios en funcionamiento, un creador de instituciones que fundó un festival que aún sigue en marcha más de un siglo después, y un educador cuyas escuelas formaron a generaciones de actores en dos continentes. Los historiadores de teatro contemporáneos Toby Cole y Helen Krich Chinoy lo llamaron "uno de los actores-directores más pintorescos de los tiempos modernos", y el estudioso Martin Esslin lo apodó el "Sumo Sacerdote de la Teatralidad"; elogios a su rango y audacia de visión más que a cualquier avance técnico singular. El contraargumento honesto es que Reinhardt era, según su propio relato y el de sus críticos, más un sintetizador y empresario genial que un originador de ideas totalmente nuevas: tomó prestado de las tradiciones escénicas griegas y medievales, de arquitectos como Poelzig y de dramaturgos como Hofmannsthal, y su genio residió en combinar y escalar esos préstamos en producciones e instituciones de una ambición sin precedentes. Es oficio y visión organizativa tanto como originalidad pura, pero un oficio ejercido a una escala que nadie antes que él había intentado.

Legado

El Festival de Salzburgo que Reinhardt cofundó sigue siendo uno de los eventos de artes escénicas más prestigiosos del mundo, y su Jedermann al aire libre sigue siendo una cita anual en la plaza de la catedral que él eligió como escenario. Su archivo se conserva en la Universidad de Binghamton en Nueva York, y Berlín marcó el sitio de su antiguo teatro con un monumento en 2015. La obra Afterlife de Michael Frayn de 2008, puesta en escena en el Teatro Nacional de Londres, dramatizó su vida directamente; confirmación de que un director una vez conocido por borrar el límite entre el escenario y el público se ha convertido él mismo en un tema duradero para el escenario.