Mary Cassatt: La estadounidense que pintó a las mujeres observando

Edgar Degas dijo una vez a Mary Cassatt: "Ninguna mujer tiene derecho a dibujar así". No fue del todo un cumplido, ni tampoco del todo un insulto: fue una admisión a regañadientes de un pintor notoriamente difícil de que la estadounidense a la que él mismo había reclutado en el círculo impresionista dibujaba con una disciplina que él solo asociaba con los hombres. Cassatt pasó las cuatro décadas siguientes demostrando que el cumplido era cierto y que el insulto no venía al caso, convirtiéndose en la única estadounidense formalmente integrada en el grupo impresionista y una de las muy pocas pintoras de su época en representar la vida privada de las mujeres desde dentro y no como un mero decorado.

Una heredera estadounidense que quería una carrera, no un matrimonio

Cassatt nació el 22 de mayo de 1844 en Allegheny, Pensilvania, ahora parte de Pittsburgh, en una familia de clase media alta; su padre era corredor de bolsa y especulador de tierras, su hermano Alexander llegó a ser presidente del Ferrocarril de Pensilvania, y su madre, culta y bien educada, fue el progenitor al que el propio círculo de Cassatt atribuía haber formado su intelecto. Se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania a los quince años, a pesar de las objeciones familiares a una carrera artística profesional para una hija, y estudió allí durante los años de la Guerra de Secesión antes de concluir que el ritmo de la escuela y la condescendencia de sus estudiantes varones ya no tenían nada más que enseñarle. En 1866 se trasladó a París; excluida de la Escuela de Bellas Artes por ser mujer, se formó en privado con Jean-Léon Gérôme, Charles Chaplin y Thomas Couture, y copiaba cuadros a diario en el Louvre para construir la base técnica que la academia no le ofrecía.

Una invitación de Degas lo cambia todo

Cassatt fue aceptada en el Salón ya en 1868 y se estableció permanentemente en Francia en 1874, pero el verdadero punto de inflexión de su carrera llegó en 1877, cuando Edgar Degas —cuyos pasteles ya había estado estudiando obsesivamente, recordando más tarde que solía "ir y aplastar mi nariz contra aquel escaparate y absorberlos"— la invitó a exponer con los impresionistas, un grupo que operaba totalmente fuera del sistema oficial del Salón. Aceptó inmediatamente: "Me cambió la vida", dijo. "Entonces vi el arte como quería verlo". Mostró once obras en la crucial exposición impresionista de 1879, la de mayor éxito comercial del grupo hasta la fecha, y siguió siendo una expositora activa hasta 1886, convirtiéndose, según el crítico contemporáneo Gustave Geffroy, en una de las "les trois grandes dames" del impresionismo junto a Berthe Morisot y Marie Bracquemond, y la única estadounidense formalmente admitida en el círculo. Degas le enseñó directamente la técnica del grabado y el pastel; sus estudios estaban a cinco minutos a pie, y aunque décadas después chocaron amargamente por el Caso Dreyfus, la amistad se mantuvo hasta la muerte de él en 1917.

Pintar a las mujeres como sujetos, no como decorado

Mientras sus colegas impresionistas hombres pintaban la vida de los cafés, los bulevares y el paisaje, Cassatt centró su atención casi exclusivamente en el mundo interior disponible para una mujer de su clase social: palcos de teatro, mesas de té y, sobre todo, madres con niños, un tema que persiguió con tal enfoque que después de 1900 dominó toda su producción, en composiciones que los historiadores del arte han comparado con la pintura de la Madonna con el Niño del Renacimiento despojada de su marco religioso. Fundamentalmente, sus mujeres son representadas como observadoras activas en lugar de objetos pasivos de la mirada del espectador: una distinción posible, en parte, porque Cassatt tenía acceso social a los espacios domésticos y privados de las mujeres que sus pares masculinos simplemente no tenían. En el palco (1878) muestra a una mujer en la ópera sosteniendo sus propios gemelos de ópera, observando activamente en lugar de ser simplemente observada; La fiesta del bote (1893-94), ahora en la Galería Nacional de Arte de Washington, comprime a una madre, un niño y un remero en una composición aplanada y con ángulos marcados que el museo atribuye directamente a "la influencia de las superficies planas y estampadas, el color simplificado y los ángulos inusuales de los grabados japoneses" que entonces estaban de moda en París.

Una serie de grabados que los críticos aún consideran insuperable

El logro técnico más radical de Cassatt llegó en 1891, cuando expuso una serie de grabados en punta seca y aguatinta en color realizados como respuesta directa a una exposición fundamental de grabados japoneses ukiyo-e que había visto en París el año anterior. Trabajando estrechamente junto a Degas durante 1879-80 para dominar el grabado, llevó esta disciplina a un terreno genuinamente original: colores pastel claros, perspectiva aplanada y composiciones construidas en torno al patrón en lugar de la profundidad ilusionista. La crítica Adelyn Breeskin juzgó más tarde estos grabados como "su contribución más original... técnicamente, como grabados en color, nunca han sido superados", una afirmación sobre la pura artesanía más que sobre el tema, y uno de los superlativos técnicos más concretos aplicados a cualquier grabador de la era impresionista.

Una asesora que construyó museos estadounidenses

Más allá de sus propios lienzos, Cassatt dio forma a lo que varios grandes museos estadounidenses poseen hoy. Persuadió a sus ricos amigos, los Havemeyer, para que compraran sistemáticamente cuadros impresionistas y de los Viejos Maestros, dirigiendo una colección que acabó consolidando gran parte de los fondos del Museo Metropolitano de Arte. Fue una destacada sufragista, que mostró dieciocho obras en una exposición de 1915 en apoyo al derecho al voto de la mujer organizada por Louisine Havemeyer, una postura que la enfrentó a una cuñada antisufragista y le costó algo de buena voluntad familiar. Francia le concedió la Legión de Honor en 1904. La diabetes, el reumatismo y las cataratas avanzadas la obligaron a dejar de pintar después de 1914, y murió casi ciega en el Château de Beaufresne, a las afueras de París, el 14 de junio de 1926.

Por qué se llama genio a Mary

La versión más contundente de la afirmación de genio para Cassatt se refiere a un logro formal y social específico: encontró, dentro del estrecho mundo doméstico que a una mujer del siglo XIX se le permitía ocupar, un tema visual genuinamente nuevo —las mujeres como observadoras activas de sus propias vidas— y lo ejecutó con un rigor técnico, especialmente en el grabado, que sus compañeros y críticos reconocieron como excepcional durante su propia vida. El cumplido irónico de Degas de que "ninguna mujer tiene derecho a dibujar así" es en sí mismo una prueba de que su destreza en el dibujo se leía, para un juez notoriamente exigente, como perteneciente a un registro que él asociaba con la maestría. La limitación honesta, reconocida incluso por historiadores que la admiran, es que su innovación se concentró al principio: en la década de 1900, sus composiciones de madre e hijo se habían convertido en éxitos comerciales queridos, pero, en palabras de los relatos estándar de su carrera, "ya no abría nuevos caminos", y se mantuvo activamente hostil a los movimientos postimpresionistas, fauvistas y cubistas que siguieron al suyo. Su genio, en otras palabras, está limitado: una década o dos de genuina innovación formal, particularmente en la década de 1880 y la serie de grabados de 1891, seguidas de una larga y exitosa, pero en gran medida repetitiva, carrera tardía.

Legado

Cassatt fue incluida en el Salón de la Fama Nacional de la Mujer en 1973, y La fiesta del bote ha aparecido desde entonces en sellos postales de EE. UU. y en la Colección Chester Dale de la Galería Nacional. Sus cuadros se venden ahora por millones de dólares en subastas, pero su legado más duradero recorre los museos estadounidenses que ayudó silenciosamente a abastecer hace un siglo, y a través de un conjunto de grabados que los críticos siguen considerando como un hito técnico de alto nivel que pocos pintores, de cualquier época, han igualado.