Henry Moore: Los agujeros como escultura

A los once años, en un pueblo minero de carbón en Yorkshire, Henry Moore escuchó un sermón sobre Miguel Ángel y decidió, en el acto, convertirse en escultor. Le tomó tres décadas más, una guerra y un encuentro fortuito con una estatua tolteca-maya de mil años de antigüedad en el Louvre llegar al descubrimiento que lo definiría: que el agujero cortado a través de un bloque de piedra podía tener tanto peso escultórico como la piedra dejada a su alrededor.

El hijo de un minero que rechazó el pozo

Moore nació el 30 de julio de 1898 en Castleford, West Riding de Yorkshire, el séptimo de los ocho hijos de Raymond Spencer Moore, un capataz de mina en el pozo de Wheldale, y Mary Baker Moore. La familia vivía cerca de la pobreza, pero Raymond Moore, autodidacta y decidido a que ninguno de sus hijos fuera bajo tierra, impulsó su educación. Una profesora de arte de la Escuela Secundaria de Castleford, Alice Gostick, respaldó la ambición del joven Moore y, tras el servicio en la Primera Guerra Mundial —sobrevivió a un ataque de gas mostaza en Cambrai en 1917—, se formó en la Escuela de Arte de Leeds, donde conoció a la escultora Barbara Hepworth, y luego ganó una beca para el Royal College of Art de Londres en 1921. Una beca de viaje en 1924 lo llevó por la Italia renacentista y a París, donde comenzó a estudiar las llamadas tradiciones de talla "primitiva" en las colecciones etnográficas del Museo Británico: escultura mexicana, africana y cicládica que la tradición académica europea había ignorado en gran medida.

Talla directa y una estatua en el Louvre

La escultura temprana de Moore siguió el principio de la talla directa asociado entonces con modernistas como Brâncuși: trabajar la piedra o la madera a mano en lugar de modelar en arcilla para que un fundidor la reproduzca, dejando que la veta y la dureza del material den forma a la forma final, una doctrina que él y sus contemporáneos llamaron fidelidad a los materiales. El punto de inflexión llegó en 1924, cuando Moore vio un molde de yeso de una figura reclinada Chac Mool tolteca-maya en el museo etnográfico del Trocadero. Su postura robusta y reclinada se fijó en su imaginación y se convirtió en el tema más persistente de su carrera: la figura reclinada, reelaborada en piedra, madera y finalmente bronce durante los siguientes sesenta años, casi siempre representando a una mujer, a menudo interpretada como madre e hijo o como un paisaje en forma humana.

Cortando a través de la forma sólida

A lo largo de la década de 1930, Moore desarrolló la innovación que separa su obra madura de todas las figuras reclinadas que la precedieron: perforar la masa sólida con agujeros y vacíos, de modo que el espacio negativo de la escultura se convirtiera en un elemento compositivo tan activo como su bronce o piedra. Describió el objetivo como esculpir "el espacio, no solo a su alrededor sino generalmente a través de él", convirtiendo la ausencia en forma. Experimentó brevemente con el grupo surrealista de Londres organizado por Roland Penrose a mediados de la década de 1930, pero su estilo maduro se mantuvo más cercano a la abstracción basada en el cuerpo que a la fantasía surrealista. A finales de la década de 1930 también había abandonado en gran medida la talla directa pura en favor del modelado de maquetas en arcilla y yeso para su fundición en bronce, un cambio que le permitió trabajar a una escala —y producir un volumen de encargos públicos— que la talla directa en piedra nunca habría podido soportar.

El bombardeo, bajo tierra

La Segunda Guerra Mundial redirigió la obra de Moore en una dirección inesperada. Comisionado por el Comité Asesor de Artistas de Guerra de Kenneth Clark, pasó el invierno de 1940-1941 dibujando a los londinenses que se refugiaban de los bombardeos en las estaciones del metro, cuerpos acurrucados envueltos en mantas en los andenes, imágenes que más tarde fueron consideradas entre las mejores obras producidas por el programa del WAAC. En 1941 regresó a Yorkshire para dibujar a los mineros del pozo de Wheldale, el antiguo lugar de trabajo de su propio padre, cerrando un círculo que se había abierto con su decisión infantil de evitar el pozo por completo. Los dibujos de los refugios le dieron a Moore su primer reconocimiento público generalizado en Gran Bretaña y conectaron sus figuras abstractas y biomórficas —que a algunos espectadores les resultaban frías o difíciles— con un tema inconfundiblemente humano: cuerpos soportando bajo tierra, esperando a que terminara una guerra.

De escultor de estudio a símbolo nacional

Tras los daños por bomba en su estudio de Londres en 1940, Moore y su esposa Irina Radetsky, con quien se había casado en 1929, se mudaron a una granja llamada Hoglands en Perry Green, Hertfordshire, que siguió siendo su hogar y taller por el resto de su vida; su hija Mary nació allí en 1946. Los encargos públicos llegaron a una escala que pocos escultores alcanzan jamás: Grupo familiar (1950) para la nueva ciudad de Stevenage, una Figura reclinada para el Festival de Gran Bretaña de 1951, una Figura reclinada de mármol para la sede de la Unesco en París en 1958 y Energía nuclear (1967), un bronce de doce pies que marca el sitio de la primera reacción nuclear controlada en la Universidad de Chicago. Ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia de 1948, fue nombrado Compañero de Honor en 1955 y miembro de la Orden del Mérito en 1963, y rechazó el título de caballero en 1951 por temor a que lo distanciara de sus colegas artistas. Según la Fundación Henry Moore, se convirtió en "el primer artista británico en convertirse en una estrella global en su propia vida", y su obra fue tratada como sinónimo del propio modernismo británico de posguerra.

Por qué se llama genio a Henry

El argumento a favor del genio de Moore gira en torno a una única intuición formal aplicada con extraordinaria consistencia: la constatación de que un agujero no es una ausencia de escultura, sino una parte de ella, con función estructural en la composición exactamente igual que el material sólido que lo rodea. Eso es un salto conceptual más que una muestra de virtuosismo en la talla pura; Moore tenía destreza técnica, pero muchos de sus contemporáneos tallaban igual de bien; casi ninguno pensó en dejar que el vacío cumpliera una función compositiva de la forma en que él lo hizo tras el encuentro con el Chac Mool. La Fundación Henry Moore le atribuye haber catalizado "un renacimiento escultórico británico" que moldeó a Anthony Caro, Phillip King y otros asistentes que pasaron por su estudio. El contraargumento honesto, planteado por los escultores más jóvenes de la llamada generación de la "Geometría del miedo" de la Bienal de Venecia de 1952, es que el vocabulario de las figuras reclinadas de Moore se calcificó en una fórmula que repitió, a escala creciente y por honorarios de encargo cada vez mayores, durante décadas después de que se hubiera producido la intuición original. Todavía se discute si esa repetición se lee como maestría o como una marca comercial.

Legado

Moore murió en Hoglands el 31 de agosto de 1986, tras haber donado treinta y seis esculturas a la Tate Gallery en 1978 y haber establecido la Fundación Henry Moore en 1977 para mantener su patrimonio y sus estudios en Perry Green abiertos al público a perpetuidad. En el momento de su muerte, era el escultor vivo mejor vendido en subastas en todo el mundo, y sus figuras reclinadas aún se erigen frente a parlamentos, universidades y museos en cinco continentes: escultura pública construida a partir del descubrimiento privado de que un agujero en la piedra podía ser tan expresivo como la piedra misma.