Toshiko Akiyoshi: Eine japanische Stimme innerhalb des amerikanischen Jazz

Oscar Peterson betrat während einer Japan-Tournee 1952 einen Club in Ginza und hörte etwas, das ihn innehalten ließ: eine junge Japanerin, die Bebop-Klavier mit der Geläufigkeit eines Bud Powell spielte. Er war so beeindruckt, dass er sie dem einflussreichsten Produzenten des Jazz vorstellte. Was folgte, war keine bloße Neuheit, sondern eine sechs Jahrzehnte andauernde Karriere, die schließlich etwas schaffte, was fast keinem anderen Jazzkomponisten gelungen war — den Klang Japans selbst in die amerikanische Big-Band-Tradition einzubinden, ohne dabei eines von beidem zu verwässern.

Geboren ohne ein Land, in das sie zurückkehren konnte

Toshiko Akiyoshi wurde am 12. Dezember 1929 in der Mandschurei geboren (unterschiedlich als Dairen und Liaoyang verzeichnet), die jüngste von vier Schwestern in einer japanischen Familie, die unter japanischer Kolonialverwaltung lebte, und begann mit sechs Jahren mit dem Klavierunterricht. Als der Zweite Weltkrieg 1945 endete, verlor die Familie alles — Heim, Besitz, Stellung — und wurde fast mittellos nach Beppu, Japan, repatriiert. Um die Familie zu unterstützen, nahm Akiyoshi eine Arbeit als Pianistin in einem Tanzsaal an, eine Stelle, die sie zufällig vor einen lokalen Plattensammler brachte, der sie mit Teddy Wilsons Aufnahme von „Sweet Lorraine“ bekannt machte. Diese eine Platte lenkte ihr gesamtes Leben in Richtung Jazz.

Entdeckt von Oscar Peterson

Anfang der 1950er Jahre spielte Akiyoshi professionell in Tokios Jazzclubs in Ginza, wo Peterson sie während einer Tournee 1952 hörte und sie dem Musikproduzenten Norman Granz empfahl. 1953 nahm sie Toshiko's Piano auf, unterstützt von Mitgliedern aus Petersons eigener Rhythmusgruppe — dem Gitarristen Herb Ellis, dem Bassisten Ray Brown und dem Schlagzeuger J.C. Heard — ein außergewöhnliches Debüt für eine Musikerin, die außerhalb Japans noch weitgehend unbekannt war. Später beschrieb sie die Aufmerksamkeit, die dies mit sich brachte, mit charakteristischer Offenheit: „Damals war eine japanische Frau, die wie Bud Powell spielte, etwas völlig Neues. Also war die ganze Presse, die Aufmerksamkeit, nicht weil ich authentisch war... Sondern weil ich seltsam war.“ Es ist das seltene Eingeständnis einer Künstlerin, dass ihr früher Durchbruch teilweise auf Exotik beruhte und nicht allein auf der Anerkennung ihres Spiels.

Berklee und New York

Akiyoshi schrieb direkt an Lawrence Berk, den Gründer des späteren Berklee College of Music, und wurde nach der Überwindung bürokratischer Hürden im Januar 1956 die erste japanische Studentin der Schule, unterstützt durch ein Vollstipendium. Sie zog 1959 nach New York, um in den bedeutenden Jazzclubs der Stadt zu arbeiten, und tauchte ein in eine Szene, die um Duke Ellington, Charles Mingus und Bud Powell herum aufgebaut war — Einflüsse, die sie später mit Material verbinden sollte, zu dem kein anderer arbeitender Jazzkomponist Zugang hatte.

Die Big Band und eine musikalische Partnerschaft

Akiyoshi heiratete 1959 den Saxophonisten Charlie Mariano; aus der Ehe ging eine Tochter, Michiru, hervor, bevor sie 1967 geschieden wurde. 1969 heiratete sie den Saxophonisten Lew Tabackin, und die Partnerschaft wurde sowohl persönlich als auch professionell: Im März 1973 gründeten die beiden eine 16-köpfige Big Band in Los Angeles, bei der Akiyoshi komponierte und arrangierte und Tabackin als Solist auftrat. Ihr 1974er Album Kogun war ein kommerzieller Erfolg in Japan, und die Band gewann 1976 den ersten Platz in der Kritikerumfrage des DownBeat-Magazins — wobei Akiyoshi als erste Frau die Leserumfrage des DownBeat in der Kategorie Bester Arrangeur und Komponist anführte. Das Orchester zog 1982 nach New York und hielt bis Dezember 2003 eine regelmäßige Montagsresidenz im Club Birdland, eine ungewöhnlich lange Beständigkeit für eine Big Band in einer Ära, in der große Jazzensembles zunehmend selten und teuer im Unterhalt waren.

Japan in den amerikanischen Jazz schreiben

Was Akiyoshis Werk von dem ihrer Zeitgenossen unterscheidet, ist nicht nur ihr kompositorisches Geschick, sondern die Themenwahl: Sie schrieb traditionelle japanische Instrumente — die Kotsuzumi- und Kakko-Handtrommeln, das Tsugaru-Shamisen — direkt in Big-Band-Jazz-Arrangements hinein und bediente sich japanischer Volksmelodien und historischer Erinnerung, anstatt Jazz lediglich als rein amerikanisches Vokabular zu betrachten, das es nachzuahmen galt. Dies gipfelte in Hiroshima: Rising from the Abyss, einer dreiteiligen Suite, die 1999 vom buddhistischen Priester Kyudo Nakagawa in Auftrag gegeben wurde, um den Atombombenabwurf auf Hiroshima zu thematisieren. Akiyoshi kämpfte zunächst mit dem Auftrag, bis sie Fotos von Überlebenden studierte, was das Stück zum Leben erweckte; es wurde am 6. August 2001, dem 56. Jahrestag des Bombenabwurfs, uraufgeführt — eine Jazzkomposition, die darauf ausgelegt war, historisches und politisches Gewicht zu tragen, wie es die meisten Big-Band-Kompositionen nie versuchen.

Anerkennung

Das Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra nahm zweiundzwanzig Alben auf und erhielt vierzehn Grammy-Nominierungen in Kategorien wie Beste Jazz-Instrumentaldarbietung und Bestes Arrangement, ohne jedoch jemals einen Preis zu gewinnen. Sie gewann wiederholt die Kategorien Arrangeur, Komponist und Big Band bei DownBeat zwischen 1978 und 1995, und ihr Album Long Yellow Road wurde von der Stereo Review zum besten Jazzalbum gekürt. 2007 ernannte die National Endowment for the Arts sie zum NEA Jazz Master — die höchste formale Ehrung der Vereinigten Staaten in diesem Bereich —, wobei ihr „einzigartiger und vitaler Beitrag zur Kunst des Big-Band-Jazz“ und insbesondere ihre Einbindung der japanischen Kultur darin hervorgehoben wurde. Japan ehrte sie parallel: 1999 mit dem kaiserlichen Orden Shijahosho, 2004 mit dem Orden der Aufgehenden Sonne am Band und 2005 mit dem Asahi-Preis. Sie erhielt 1998 einen Ehrendoktortitel von Berklee und veröffentlichte 1996 ihre Autobiografie Life with Jazz. Bemerkenswert ist, dass sie bis 2010 nur die japanische Staatsbürgerschaft innehatte, obwohl sie ihr gesamtes Berufsleben in den Vereinigten Staaten verbracht hatte.

Warum Toshiko als Genie bezeichnet wird

Das stärkste Argument dafür, Akiyoshi als Genie zu bezeichnen, ist spezifisch kompositorisch und kulturell, nicht bloß instrumental: Ihr wird, auch von der NEA in ihrer höchsten Auszeichnung, eine wahrhaft originelle Synthese zugeschrieben — das Schreiben traditioneller japanischer Instrumentierung und historischer Themen in die strukturelle Sprache des amerikanischen Big-Band-Jazz, auf einem handwerklichen Niveau, das Kritikerumfragen gegen Komponisten gewann, die rein in der Ellington-Basie-Tradition arbeiteten. Das ist eine seltene Form kreativer Originalität: nicht nur Virtuosität, die sie als Pianistin, die auf den Standard von Bud Powell trainiert war, ebenfalls besaß, sondern die konzeptionelle Arbeit, eine echte musikalische Brücke zwischen zwei Traditionen zu finden, die selten miteinander gesprochen hatten. Das ehrliche Gegenargument ist, dass der Begriff „Genie“ bei ihr sparsam und meist implizit verwendet wird — durch Auszeichnungen und Kritikerumfragen, anstatt dass das Wort selbst von großen Kritikern gedruckt verwendet wird — und dass ihre frühe Anerkennung, ihrer eigenen Aussage nach, teilweise durch Neuheit motiviert war und nicht durch eine reine Wertschätzung ihrer Fähigkeiten. Vierzehn Grammy-Nominierungen ohne Sieg erschweren ebenfalls jeden Anspruch auf eine eindeutige Konsens-Anerkennung, auch wenn ihre institutionellen Ehrungen, insbesondere der Titel NEA Jazz Master, eindeutig sind.

Vermächtnis

Akiyoshis Fusion von japanischem kulturellem Material mit der Struktur des amerikanischen Big-Band-Jazz eröffnete einen kompositorischen Weg, der im Jazz in diesem Ausmaß im Grunde keine Vorbilder hatte, und ihr jahrzehntelanges Orchester mit Lew Tabackin bleibt ein Bezugspunkt dafür, wie eine Big Band kommerziell und künstlerisch lange überleben kann, nachdem die kommerzielle Blütezeit des Formats bereits vorbei war.