Kurt Weill: Zwei Leben, ein Ohr

Seine erste erhaltene Komposition, mit dreizehn Jahren im Jahr 1913 geschrieben, trug den Titel „Mi Addir: Jüdisches Hochzeitslied“. Fünfzehn Jahre später schrieb er eine sardonische Straßenballade über einen Mörder für ein Berliner Theaterstück, und „Mackie Messer“ wurde, durch Louis Armstrong und Bobby Darin, zu einem Jazzstandard, der in Cocktailbars von Leuten gesungen wird, die keine Ahnung haben, dass er geschrieben wurde, um sie anzuklagen. Weill hatte in fünfzig Jahren zwei vollständige Karrieren auf zwei Kontinenten, und Puristen streiten sich seit Jahrzehnten darüber, welche davon die echte war.

Dessau und Busoni

Kurt Julian Weill wurde am 2. März 1900 in Dessau, Sachsen, als drittes von vier Kindern des Kantors Albert Weill und seiner Frau Emma Weill, geborene Ackermann, geboren. Er wuchs in der Sandvorstadt, dem jüdischen Viertel von Dessau, in einem religiösen Haushalt auf, in dem liturgische Musik das Familiengeschäft war. Klavierunterricht begann mit zwölf Jahren. 1915 begann er ein privates Studium bei Albert Bing, Kapellmeister am Dessauer Hoftheater, das Klavier, Komposition, Theorie und Dirigieren umfasste, und trat im selben Jahr erstmals öffentlich als Begleiter und Solist auf.

Nach seinem Abitur 1918 ging er an die Berliner Hochschule für Musik und studierte Komposition bei Engelbert Humperdinck, Dirigieren bei Rudolf Krasselt und Kontrapunkt bei Friedrich E. Koch. Der entscheidende Lehrer kam danach: Von 1920 bis 1923 war er Meisterschüler von Ferruccio Busoni an der Preußischen Akademie der Künste und studierte zusätzlich Kontrapunkt bei Philipp Jarnach. Busonis Neoklassizismus zog ihn vom spätromantischen Wagnerianismus weg hin zu einer Musik, die kommentieren konnte, anstatt nur anzuschwellen.

Er absolvierte seine Lehrzeit im Orchestergraben — als Repetitor am Friedrich-Theater in Dessau 1919 unter Hans Knappertsbusch, dann als Kapellmeister am Stadttheater in Lüdenscheid für fünf Monate ab Dezember 1919. Er schrieb die Chorfantasie Sulamith 1920 und eine einsätzige Sinfonie in den frühen 1920er Jahren, schloss sich 1922 neben Hanns Eisler und Stefan Wolpe der linksgerichteten Novembergruppe an und sah am 18. November 1922 seine Kinderpantomime Die Zaubernacht am Theater am Kurfürstendamm uraufgeführt — sein erstes öffentliches Musiktheaterwerk. Er unterrichtete Privatschüler, darunter den Pianisten Claudio Arrau, den Dirigenten Maurice Abravanel und den Komponisten Nikos Skalkottas, und schrieb zwischen 1924 und 1929 hunderte Rezensionen für den Funkführer Der deutsche Rundfunk. 1924 lernte er im Haus des Dramatikers Georg Kaiser in Grünheide die Sängerin Lotte Lenya kennen. Sie heirateten 1926, ließen sich 1933 scheiden und heirateten 1937 erneut.

Brecht

Weills leitende Idee war die Gebrauchsmusik — Musik mit einer gesellschaftlich nützlichen Aufgabe — und das machte ihn zum idealen Mitarbeiter für Bertolt Brecht episches Theater, bei dem die Partitur nicht dazu da ist, das Publikum mitzureißen, sondern es auf Distanz zu halten und zu kommentieren. Die Dreigroschenoper (1928), eine Neufassung von John Gays The Beggar's Opera, war das Ergebnis und die Sensation. Für Weill war es auch strategisch: Das Stück bot, in seinen Worten, „die Gelegenheit, die Oper zum Gegenstand eines Theaterabends zu machen“, Teil einer lebenslangen Kampagne, die Oper auf die moderne Bühne zu zerren. Happy End folgte 1929 mit „Surabaya Johnny“ und dem „Bilbao-Song“, dann die Kinderoper Der Jasager und Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny 1930, deren „Alabama Song“ später von The Doors aufgenommen wurde, sowie das Ballett Die sieben Todsünden in Paris 1933.

Die Partnerschaft zerbrach 1930 an politischen Differenzen. Weill bewegte sich in sozialistischen Kreisen, hatte aber Grenzen; Lenya berichtete, er habe gesagt, er sei unfähig, „das Kommunistische Manifest zu vertonen“. Als G. W. Pabst 1931 Die Dreigroschenoper in zwei Sprachversionen verfilmte, klagten Weill und Brecht dagegen. Weill gewann seinen Prozess. Brecht verlor seinen.

Exil

Als prominenter jüdischer Komponist, der offiziell wegen seiner politischen Ansichten denunziert wurde und dessen Aufführungen von Mahagonny, Die Bürgschaft (1932) und Der Silbersee (1933) von den NS-Behörden gestört wurden, floh Weill im März 1933 aus Deutschland. Im selben April endete eine Broadway-Produktion der Dreigroschenoper nach dreizehn Vorstellungen. Er vollendete 1934 seine Zweite Sinfonie, die von Bruno Walter in Amsterdam und New York dirigiert wurde, verbrachte Zeit in London und zog am 10. September 1935 mit Lenya nach New York.

Broadway

Er importierte nicht seine europäische Art. Er studierte amerikanische Popular- und Bühnenmusik und baute sich neu auf, und die amerikanischen Werke wurden als grundlegend für die Entwicklung des amerikanischen Musicals angesehen. The Eternal Road (1937), ein biblisches Drama im Auftrag der jüdischen Gemeinde New Yorks, lief 153 Mal im Manhattan Opera House. Er schrieb die Musik für Fritz Langs You and Me (1938), komponierte Railroads on Parade für die Weltausstellung 1939 und lieferte für Knickerbocker Holiday (1939) den „September Song“. Es folgten Lady in the Dark (1941) mit Ira Gershwin, die Volksoper Down in the Valley (1946) und Street Scene (1947) — nach Elmer Rices Stück, mit Texten von Langston Hughes; Street Scene gilt als der interessanteste Versuch seiner Ära einer amerikanischen Oper, die kommerziell und künstlerisch erfolgreich sein konnte, und gewann den ersten Tony Award für die beste Originalpartitur. Einzigartig unter den Broadway-Komponisten seiner Generation bestand Weill darauf, seine Orchestrierungen fast ausnahmslos selbst zu schreiben.

Er unterstützte ab 1941 den amerikanischen Kriegseintritt, schrieb Propagandalieder wie „Schickelgruber“ mit Howard Dietz, „Buddy on the Nightshift“ mit Oscar Hammerstein und die „Ballade von des Soldaten Frau“ mit Brecht, die zur Ausstrahlung nach Deutschland gedacht war, und diente als Luftschutzwart am High Tor Mountain zusammen mit Maxwell Anderson. Am 27. August 1943 wurde er amerikanischer Staatsbürger. Kurz nach seinem fünfzigsten Geburtstag erlitt er einen Herzinfarkt und starb am 3. April 1950 in New York. Sein Grabstein trägt Andersons Liedtext aus Lost in the Stars: „Das ist das Leben der Menschen auf Erden: / Aus der Finsternis kommen wir bei der Geburt / In einen lampenhellen Raum, und dann – / Gehen wir wieder in die Dunkelheit.“

Warum Kurt ein Genie genannt wird

Weills Gabe war kompositorischer Art, und sie lässt sich präzise benennen: die Fähigkeit, eine Melodie von unmittelbarer populärer Zugkraft zu schreiben, die gleichzeitig eine Kritik an sich selbst ist. „Mackie Messer“ ist ein Leierkasten-Jingle über einen Mörder; das Vergnügen und die Anklage kommen im selben Takt. Diese Doppelfunktion — Melodie als Köder und als Anklage — ist technisch schwer und erfordert absolute Beherrschung von Harmonie und orchestraler Farbe, die gegen den emotionalen Strich gebürstet werden, anstatt mit ihm; deshalb bewunderten Alban Berg, Alexander von Zemlinsky und Igor Stravinsky die europäischen Partituren. Sein Bestehen darauf, die Orchestrierung selbst vorzunehmen, allein unter seinen Broadway-Kollegen, ist der konkrete Beweis: Er ließ sich von niemand anderem vorschreiben, was der Klang bedeutete.

Der Gegenentwurf ist der, für den seine Verteidiger seit siebzig Jahren kämpfen. Arnold Schoenberg und Anton Webern kritisierten sein Werk anfangs; für den seriellen Flügel war Weill ein Theaterkomponist, der Melodien schrieb, kein Wegbereiter der musikalischen Sprache. Er schrieb keine symphonischen Werke von Bedeutung, und die zweite Karriere lädt zum Vorwurf der Verwässerung ein — dass der Mann, der Brecht vertonte, an den Broadway ging und den „September Song“ schrieb. Eine fairere Lesart ist, dass die amerikanischen Werke dasselbe Projekt unter anderen Bedingungen waren: Street Scene und Down in the Valley verfolgen die Gebrauchsmusik in einer neuen Volkssprache, nicht anstelle einer alten. Aber man muss zugeben, dass Weills Genie nicht die Art ist, die erweitert, was Musik tun kann; es ist die Art, die Musik mit unverbesserlicher Effizienz eine Arbeit erledigen lässt. Maxwell Anderson erfasste die Grenze, die am wichtigsten war: „Ich wünschte natürlich, er hätte das Glück gehabt, ein wenig mehr Zeit für seine Arbeit zu haben.“

Vermächtnis

Lotte Lenya gründete 1962 die Kurt Weill Foundation for Music, die den Lotte Lenya Wettbewerb, den Kurt Weill Preis und die Kurt Weill Edition verwaltet; das Kurt Weill Zentrum wurde 1993 in Dessau in einem von Walter Gropius entworfenen Haus eröffnet. Er ist Mitglied der American Theater Hall of Fame. Seine Lieder wurden von Nina Simone, Judy Garland, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Willie Nelson, David Bowie, Marianne Faithfull und The Doors aufgenommen, und Hal Willners Tribute-Album Lost in the Stars von 1985 zog Tom Waits, Lou Reed, Sting, Charlie Haden und Todd Rundgren an. Wenige Komponisten des 20. Jahrhunderts werden so gründlich sowohl vom Opernhaus als auch von der Bar beansprucht.