Keith Haring: Die U-Bahn als Atelier

Ab Dezember 1980 fuhr Keith Haring mit weißer Kreide in der New Yorker U-Bahn und suchte nach den schwarzen Papierflächen, wo abgelaufene Werbeplakate abgezogen worden waren. Er nannte sie sein „Labor“ und füllte in den folgenden Jahren Hunderte davon mit krabbelnden, strahlenden Babys, bellenden Hunden und tanzenden Figuren. Er arbeitete schnell, in der Öffentlichkeit und wurde oft deswegen verhaftet. „Alle möglichen Leute blieben stehen und schauten zu“, sagte er. „Das war das erste Mal, dass ich begriff, wie viele Menschen Kunst genießen könnten, wenn man ihnen die Chance dazu gäbe.“ Dieser Satz ist so etwas wie ein Leitbild für alles, was er danach tat.

Von Kutztown zur School of Visual Arts

Keith Allen Haring wurde am 4. Mai 1958 im Community General Hospital in Reading, Pennsylvania, geboren und wuchs im nahe gelegenen Kutztown auf, als Sohn von Allen, einem Ingenieur und Amateurzeichner, und Joan Haring, mit drei jüngeren Schwestern. Disney, Dr. Seuss, Charles Schulz und die Looney Tunes waren seine erste visuelle Sprache. Nach der Kutztown Area High School studierte er ab 1976 Werbegrafik an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh, verlor das Interesse, fand es aber nach der Lektüre von Robert Henris The Art Spirit wieder; ein Wartungsjob im Pittsburgh Arts and Crafts Center brachte ihn mit Jean Dubuffet, Jackson Pollock und Mark Tobey in Kontakt. 1978 zog er in die Lower East Side von New York, um an der School of Visual Arts Malerei zu studieren, wo er bei Bill Beckley Semiotik belegte und begann, mit Video und Performance zu arbeiten – eine Ausbildung, die seinem späteren Cartoon-Vokabular ein ungewöhnlich durchdachtes theoretisches Rückgrat gab.

Das U-Bahn-Labor

Die Graffiti-Kultur New Yorks beeindruckte ihn sofort. „Graffiti waren die schönsten Dinge, die ich je gesehen habe“, sagte er, und bis 1980 hatte er seine eigene Version gefunden: Kreidezeichnungen auf den ungenutzten schwarzen U-Bahn-Platten, schnell genug gezeichnet, um einer Verhaftung zu entgehen, obwohl es dennoch zu Verhaftungen kam – einige der Polizisten, die ihm Handschellen anlegten, wurden später Bewunderer der Arbeit. Aus dieser Praxis entstand sein Kernvokabular: das Radiant Baby, ein krabbelndes Kleinkind, das Lichtstrahlen aussendet, das zu seinem Markenzeichen wurde; bellende Hunde; fliegende Untertassen; tanzende, gesichtslose Figuren, gezeichnet in durchgehenden, rhythmischen Linien, die Haring selbst mit der Hip-Hop-Musik verknüpfte, die in der Innenstadt um ihn herum lief. Zwischen 1982 und 1989 erweiterte er dieses Vokabular zu mehr als fünfzig öffentlichen Wandgemälden, viele davon als kostenlose Spenden für Krankenhäuser, Schulen und Gemeindezentren, während er gleichzeitig auf der Documenta 7 (1982), der Whitney Biennial (1983), der São Paulo Biennial (1983) und der Biennale von Venedig (1984 und 1986) ausstellte – eine Galeriekarriere, die direkt auf seiner illegalen U-Bahn-Arbeit aufbaute, nicht anstelle dieser.

Pop Shop und der Zusammenbruch von Hoch- und Niedrigkultur

Im April 1986 eröffnete Haring den Pop Shop in SoHo, ein Geschäft, das T-Shirts, Buttons und Poster mit seinen Bildern zu Preisen verkaufte, die weit unter denen für Galeriekunst lagen. „Mein Laden ist eine Erweiterung dessen, was ich in den U-Bahn-Stationen getan habe“, sagte er, „das Niederreißen der Barrieren zwischen Hoch- und Trivialkunst.“ Die Eröffnung beendete faktisch seine Zeit als U-Bahn-Zeichner; er betrachtete das Ziel – „die Arbeit an die breite Öffentlichkeit zu bringen“ – als bereits erreicht. Er entwarf Albumcover für David Bowie, Malcolm McLaren und Sylvester und arbeitete mit den Modedesignern Vivienne Westwood und Stephen Sprouse zusammen, wobei er die kommerzielle Reproduktion nicht als Kompromiss seiner Arbeit betrachtete, sondern als deren logische Erweiterung.

Malerei als Protest

Ab Mitte der 1980er Jahre wandte sich Harings Bildsprache zunehmend direkten politischen Themen zu. Free South Africa (1985) wurde zu einem der am weitesten verbreiteten Anti-Apartheid-Plakate des Jahrzehnts. Crack Is Wack (1986), illegal auf eine Wand eines Handballplatzes in East Harlem gemalt, thematisierte die Crack-Epidemie, die das Viertel verwüstete, und wurde später von der Stadt geschützt, anstatt entfernt zu werden. Er entwarf eine schwarz-weiß gestreifte Flagge, die vor der nuklearen Apokalypse warnte, und malte im Juni 1986 einen 300 Meter langen Abschnitt der Berliner Mauer am Checkpoint Charlie mit ineinandergreifenden Figuren in den Farben der deutschen Flagge – ein Wandgemälde, das später als Vorahnung der Wiedervereinigung gedeutet wurde.

AIDS wurde im Laufe des Jahrzehnts zu seinem dringlichsten Anliegen, und zwar aus Gründen, die für ihn nicht abstrakt waren. „Mein Leben ist meine Kunst, es ist miteinander verwoben“, sagte er. „Als AIDS eine Realität in meinem Leben wurde, begann es ein Thema in meinen Bildern zu werden.“ Als offen schwuler Mann nutzte Haring seine Bildsprache, um für Safer Sex zu werben, und schuf Arbeiten wie Ignorance = Fear, das die Sprache des Silence = Death-Plakats von ACT UP aufgriff. Er wurde 1987 HIV-positiv getestet und erkrankte im Herbst 1988 an AIDS; 1989, bereits krank, gründete er die Keith Haring Foundation, um Gelder an AIDS-Organisationen und Kinderprogramme zu lenken und sicherzustellen, dass der Aktivismus ihn institutionell überdauern würde, nicht nur als Bildsprache.

Tod und unmittelbare Reaktion

Haring starb am 16. Februar 1990 im Alter von 31 Jahren in seiner Wohnung im Greenwich Village an den Folgen von AIDS. Sein Partner Juan Dubose, mit dem er von 1981 bis 1986 gelebt hatte, war im Jahr zuvor an AIDS gestorben; ein zweiter Partner, Juan Rivera, der ihn bei Wandgemälden wie Crack Is Wack und dem Wandbild für das Krankenhaus Necker-Enfants Malades in Paris unterstützte, sollte 2011 an der Krankheit sterben. Haring vollendete sein letztes großes Werk, das Bronzetriptychon The Life of Christ, zwei Wochen vor seinem Tod. Ein Gedenkgottesdienst an seinem eigentlich 32. Geburtstag in der Cathedral of St. John the Divine zog den New Yorker Bürgermeister David Dinkins an, der seine „wirbelsturmartige Philanthropie“ lobte. Madonna widmete das letzte US-Datum ihrer Blond Ambition Tour 1990 als Benefizveranstaltung für die AIDS Research Foundation in seinem Gedenken und sammelte mehr als 300.000 Dollar.

Warum Keith ein Genie genannt wird

Harings Anspruch auf diesen Begriff gründet sich nicht auf technische Innovation in der Maltechnik oder auf ein theoretisches Werk, das mit den Konzeptkünstlern seiner Generation konkurriert; er beruht auf etwas Engerem und Spezifischerem – einem wahrhaft seltenen Instinkt, komplexe soziale und politische Inhalte in eine visuelle Sprache zu komprimieren, die für einen U-Bahn-Fahrer, ein Kind oder einen Kunstsammler gleichermaßen sofort lesbar ist, und die Erkenntnis, Jahre bevor „Marke“ ein Konzept der Kunstwelt war, dass Massenreproduktion ein Modus des Aktivismus sein könnte, anstatt seine Verwässerung. Seine Ausbildung in Semiotik an der SVA ist hierbei nicht zufällig: Das krabbelnde Baby und der bellende Hund fungieren als echtes Zeichensystem, das mit der Disziplin eines Arbeitsvokabulars wiederholt und variiert wird, anstatt nur ein Gimmick zu sein. Das ehrliche Gegenargument ist real: Harings individuelle Striche sind einfach, oft bewusst naiv, und Kritiker haben lange darüber debattiert, ob seine Begabung primär in Design, Marketing und moralischer Dringlichkeit lag und weniger in malerischer Tiefe – näher am Können eines hocheffektiven visuellen Kommunikators als an einem technischen Virtuosen. Was nicht bestritten wird, ist, dass er dieses Können konsequent und unter echtem persönlichem Risiko in den Dienst von Anliegen stellte – Apartheid, Sucht, nukleare Angst, AIDS – die die Kunstwelt seiner Zeit größtenteils nicht direkt berühren wollte.

Vermächtnis

Harings Stiftung finanziert noch heute AIDS- und Kinderorganisationen aus dem Nachlass, den er in kaum einem Jahrzehnt seines Arbeitslebens aufgebaut hat. Seine Bilder erscheinen heute auf Kooperationen mit Adidas, Supreme und UNIQLO sowie auf einem Ballon bei der Macy's Thanksgiving Day Parade – ein kommerzielles Nachleben, für das er wohl im Voraus entworfen hat. Ein eigenes Museum, die Nakamura Keith Haring Collection, wurde 2007 in Japan eröffnet, und einzelne Werke werden heute auf Auktionen für Millionen verkauft – ein Marktwert, den seine Pop-Shop-Preise zu seinen Lebzeiten ausdrücklich unterbieten sollten. Die Spannung zwischen diesen beiden Fakten ist letztlich der klarste Weg, ihn zu verstehen.