Claudette Colbert: Die widerwillige Königin der Screwball-Comedy

Claudette Colbert wollte nicht in „Es geschah in einer Nacht“ mitspielen. Sie stimmte erst zu, nachdem Columbia garantierte, dass sie die Dreharbeiten in genau vier Wochen für 50.000 Dollar abschließen könnte – Geld, das sie für einen Skiurlaub ausgeben wollte. Der Film, den sie fast ausgelassen hätte, gewann ihr den Academy Award, definierte neu, was ein Filmstar sein konnte, und wurde zu einer der bestimmenden Komödien des zwanzigsten Jahrhunderts – der Beweis dafür, dass manche Karrieren durch die Projekte entstehen, die eine Schauspielerin am meisten zu vermeiden versucht.

Eine Pariser Kindheit, verlagert

Sie wurde am 13. September 1903 als Émilie „Lily“ Claudette Chauchoin in Saint-Mandé, Frankreich, geboren, als Tochter eines Vaters, der eine Konditoreikette leitete, und einer Mutter, die von den britischen Kanalinseln stammte. 1906 wanderte die Familie nach Manhattan aus und bezog eine Wohnung im fünften Stock in der 53rd Street, während ihr Vater einen Job in der Auslandsabteilung einer Bank annahm. Colbert wuchs zweisprachig auf, besuchte die kunstorientierte Washington Irving High School und studierte an der Art Students League, während sie in einem Kleidergeschäft arbeitete, mit einer frühen Ambition in Richtung Modedesign statt Schauspielerei.

Vom Kleidergeschäft zum Broadway

Ein Sprachlehrer bemerkte etwas in ihrer Stimme und drängte sie zu einem Vorsprechen für ein Theaterstück; sie gab ihr Bühnendebüt am Provincetown Playhouse im Jahr 1921 und nahm den Künstlernamen Claudette Colbert an, wobei sie „Colbert“ von ihrer Großmutter väterlicherseits entlehnte. Zwischen 1925 und 1929 trat sie in elf Broadway-Produktionen auf und baute sich einen Ruf in Komödien wie „A Kiss in a Taxi“ und „The Barker“ auf. Paramount unterzeichnete 1928 einen Filmvertrag mit ihr; anfangs missfiel ihr der Prozess, aber ihre präzise Artikulation und ihr elegantes Auftreten übertrugen sich genau in dem Moment auf den Tonfilm, als die Industrie Schauspieler brauchte, die tatsächlich verstanden wurden.

Ein unwahrscheinliches Spektrum

Colberts Spektrum in den frühen 1930er Jahren war selbst für die Standards des Studiosystems ungewöhnlich. In Cecil B. DeMilles „Im Zeichen des Kreuzes“ (1932) spielte sie die Kaiserin Poppaea in einer Szene – beim Baden in einem Marmorbecken mit Eselsmilch –, die zu einem der am häufigsten reproduzierten Bilder des Hollywoods vor dem Hays Code wurde. Zwei Jahre später spielte sie die Titelrolle in DeMilles „Cleopatra“, einem Film, der 1934 das zweithöchste Einspielergebnis erzielte. Im selben Jahr erschien sie in einer für jede Schauspielerin vor oder nach ihr beispiellosen Leistung in drei separaten Filmen, die für den Oscar als Bester Film nominiert waren. Einer davon war „Es geschah in einer Nacht“.

Das widerwillige Meisterwerk

Frank Capras „Es geschah in einer Nacht“ (1934) paarte Colbert mit Clark Gable als eine weggelaufene Erbin und einen sarkastischen Reporter, die auf einer Busreise zusammenkamen. Der Film räumte bei den wichtigsten Academy Awards ab – Film, Regie, Hauptdarsteller, Hauptdarstellerin und Drehbuch –, ein „Clean Sweep“, den kein Film für Jahrzehnte wiederholen würde. Colbert hatte die Rolle widerwillig angenommen, sah sie eher als kleineres Projekt denn als Prestigearbeit an und sagte angeblich einem Freund auf dem Weg zur Oscar-Verleihung, sie habe nicht erwartet zu gewinnen. Der Film erfand effektiv das Genre der Screwball-Comedy, wie Hollywood es für den Rest des Jahrzehnts praktizieren würde, und machte Colbert, fast gegen ihre eigenen Erwartungen, zu einem der rentabelsten Stars der Branche.

Ein Jahrzehnt an der Spitze

Bis 1936 hatte Colbert einen der reichsten Verträge Hollywoods ausgehandelt, und bis 1938 war sie angeblich die bestbezahlte Schauspielerin der Branche, wobei sie in jenem Jahr über 426.000 Dollar verdiente. Zwischen 1934 und 1939 drehte sie siebzehn Filme, mehr als 2,5 pro Jahr, und wechselte fließend zwischen Screwball-Comedy – „Midnight“ (1939), geschrieben von Billy Wilder – und schwereren Dramen. Preston Sturges’ „Sullivans Reisen“ (1942) wird oft als eine ihrer schärfsten Darbietungen zitiert, und David O. Selznicks Kriegsdrama „Als du Abschied nahmst“ (1944), in dem sie eine Mutter spielte, die ihre Familie an der Heimatfront zusammenhielt, wurde der dritterfolgreichste Film des Jahres und brachte ihr eine weitere Oscar-Nominierung ein. Eine Freundin beschrieb ihre Leinwandpräsenz später treffend: Sie „sah immer so aus, als sei alles so einfach für sie“, während sie tatsächlich eine „enorme Technik“ einsetzte, die das Publikum nie bemerken sollte.

Eine Karriere, die ihr Genre überholte

Colbert war außerhalb des Bildschirms für einen kontrollierenden Perfektionismus in Bezug auf ihr eigenes Image bekannt – sie bestand darauf, nach einer Kindheitsverletzung an ihrer Nase nur von ihrer linken Profilseite aufgenommen zu werden, eine Vorliebe, die Filmcrews jahrzehntelang berücksichtigten. Sie trat häufig mit Fred MacMurray auf, mit dem sie in sieben Filmen zusammenarbeitete, und mit Fredric March in vier. Aber die Branche, die sie aufgrund ihrer jugendlichen komödiantischen Energie zum Star gemacht hatte, tat sich schwer, sie im Alter zu besetzen: Eine schwere Rückenverletzung um 1950 kostete sie die Hauptrolle in „Alles über Eva“, eine Rolle, die stattdessen an Bette Davis ging und zu einer der berühmteren „Was wäre wenn“-Geschichten im Hollywood-Casting wurde. Colbert selbst reflektierte später über die Fehlbesetzung mit einigem Bedauern: „Ich hatte einfach nie das Glück, die Zicken zu spielen“ – die dramatischen, moralisch kompromittierten Rollen, die die späteren Karrieren anderer Schauspielerinnen stützten.

Ein zweiter Akt auf Bühne und Leinwand

Anstatt zu verblassen, wechselte Colbert ab Mitte der 1950er Jahre zum Fernsehen und Theater, erhielt 1959 eine Tony-Nominierung für „The Marriage-Go-Round“ und 1980 den Sarah Siddons Award für ihre Bühnenarbeit in Chicago. Ihre letzte große Leinwandrolle kam Jahrzehnte nach ihrem Filmhöhepunkt, in der Fernsehminiserie „The Two Mrs. Grenvilles“ (1987), die ihr einen Golden Globe und eine Emmy-Nominierung einbrachte – eine Coda, die bewies, dass ihre Technik das Studiosystem, das sie berühmt gemacht hatte, überdauert hatte. 1989 erhielt sie die Kennedy Center Honors für ihr Lebenswerk.

Warum Claudette als Genie bezeichnet wird

Colbert als Genie zu bezeichnen, erfordert Vorsicht, denn ihre Gabe war nicht konzeptionell oder erfinderisch in der Weise, wie das Wort normalerweise impliziert – sie schuf keine neue Form, wie es ein Regisseur oder Komponist hätte tun können. Was sie besaß, war eine ungewöhnlich vollständige Beherrschung der komödiantischen Leinwandtechnik: Timing, stimmliche Modulation und eine körperliche Kontrolle, die so präzise war, dass Zeitgenossen ihre Arbeit als mühelos beschrieben, obwohl sie in Wirklichkeit das Gegenteil war. Das ist ein Genie des Handwerks statt der Ideen – näher an der Fertigkeit eines Meisterinstrumentalisten, der eine schwierige Passage so sauber ausführt, dass die Schwierigkeit verschwindet. Das Jahr 1934 mit drei Nominierungen für den Besten Film ist der beste harte Beweis für ihr ungewöhnliches Spektrum: eine Screwball-Heldin, eine Kaiserin und eine flüchtige Socialite, alles überzeugend, alles in denselben zwölf Monaten. Das ehrliche Gegenargument ist, dass Colbert innerhalb eines Genres arbeitete – der anspruchsvollen Komödie –, das die Industrie selbst nicht immer so ernst nahm wie tragische oder dramatische Darbietungen, was ein Teil davon ist, warum ihre späteren, härteren dramatischen Rollen schwer zu bekommen waren und warum sie nie ganz dem Schatten des einen Films entkam, den sie zu vermeiden versucht hatte.

Vermächtnis

Colbert verbrachte ihre späteren Jahre abwechselnd in Manhattan und einem Plantagenhaus auf Barbados und unterhielt einen großen Kreis, zu dem Nancy und Ronald Reagan, Frank Sinatra und Kirk Douglas gehörten, bis eine Reihe kleinerer Schlaganfälle ihrem Tod am 30. Juli 1996 im Alter von zweiundneunzig Jahren vorausgingen. Das American Film Institute stufte sie später als den zwölftgrößten weiblichen Star des klassischen Hollywood-Kinos ein. Ihr Haus auf Barbados wurde nach ihrem Tod an David Geffen verkauft; ihr weitaus dauerhafteres Vermächtnis ist ein Film, den sie fast nicht gedreht hätte und der immer noch als grundlegender Text der amerikanischen romantischen Komödie gezeigt wird.