Andy Warhol: Die Fabrik des Ruhms

Eine Campbell's-Suppendose, flächig gemalt und ohne erkennbare Ironie wiederholt, reichte aus, um eine Debatte darüber auszulösen, wozu Kunst überhaupt da ist. Andy Warhol baute seine gesamte Karriere und schließlich seine ganze Philosophie auf der Prämisse auf, dass die gewöhnlichsten Objekte und Menschen des amerikanischen kommerziellen Lebens – Suppendosen, Cola-Flaschen, Filmstars und schließlich er selbst – dieselbe ehrfürchtige, mechanische Wiederholung verdienten, die einst Heiligen in religiösen Ikonen vorbehalten war.

Ein kränkliches Kind in Pittsburgh

Warhol wurde am 6. August 1928 als Andrew Warhola im Stadtviertel Oakland in Pittsburgh, Pennsylvania, als Sohn slowakischer Einwanderer geboren – sein Vater Andrej arbeitete im Baugewerbe, seine Mutter Julia war Stickerin, und die Familie pflegte ihren byzantinisch-katholischen Glauben und ihre osteuropäische Identität. Mit acht Jahren erkrankte Warhol an Chorea minor, auch Veitstanz genannt, einer Erkrankung des Nervensystems, die ihn monatelang ans Bett fesselte; seine Mutter, selbst eine versierte Künstlerin, nutzte die erzwungene Ruhe, um ihm seine ersten Zeichenstunden zu geben, und mit neun Jahren hatte er im Keller der Familie eine Dunkelkammer eingerichtet. Sein Vater starb 1942, als Andy vierzehn war, und hinterließ Ersparnisse, die speziell für das College-Studium seines Sohnes vorgesehen waren – ein stiller Vertrauensbeweis in einen Jungen, dessen Weg noch nicht absehbar war.

Ausbildung und ein neuer Name in New York

Warhol absolvierte 1945 die Schenley High School und studierte bildnerisches Design am Carnegie Institute of Technology, heute Carnegie Mellon University, wo er 1949 seinen Bachelor of Fine Arts erwarb. Er zog im selben Jahr nach New York, verkürzte seinen Namen zu Warhol und begann für das Magazin Glamour zu arbeiten. In den 1950er Jahren wurde er zu einem der erfolgreichsten kommerziellen Illustratoren Amerikas, entwickelte einen unverwechselbaren, skurrilen Stil, der auf der Technik von verwischten Linien und Gummistempeln basierte, und gewann dafür wiederholt Branchenpreise – ein Jahrzehnt handwerklicher und kommerzieller Disziplin, das später direkt in seine Kunstmethode der Wiederholung und Reproduktion einfloss.

Die Erfindung des Pop

Anfang der 1960er Jahre wechselte Warhol von der kommerziellen Illustration zur Kunstmalerei und wurde, wie Britannica ihn beschreibt, „ein Initiator und führender Vertreter der Pop-Art-Bewegung“, eines Werks, das „die vermeintliche Banalität der kommerziellen Kultur der Vereinigten Staaten verherrlichte“. Seine Ausstellung von 1962 mit Gemälden von Campbell's-Suppendosen löste sofortige Kontroversen aus und machte Pop-Art einem breiten Publikum bekannt; wie Warhol es ausdrückte: „Wenn man Pop einmal 'verstanden' hat, kann man ein Schild nie wieder auf dieselbe Weise sehen.“ Er dehnte dieselbe flache Massenproduktionsästhetik auf Coca-Cola-Flaschen, Staubsauger und Hamburger aus und wandte sie auch auf Prominente an, wobei er gesättigte, siebgedruckte Porträts von Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Mick Jagger und Mao Zedong anfertigte. Jahrzehnte später, im Jahr 2008, wurde sein Gemälde Eight Elvises für berichtete 100 Millionen Dollar verkauft und zählt damit zu den wertvollsten jemals verkauften Gemälden.

Die Factory

1964 eröffnete Warhol sein silbern gestrichenes Atelier, das einfach als die «Factory» (die Fabrik) bekannt wurde und schnell zum kulturellen Zentrum New Yorks avancierte – ein Ort üppiger Partys, die Prominente, Stars und Musiker wie Lou Reed anzogen. Die Factory produzierte nicht nur Warhols Kunst durch Assistenten, die beim Siebdruck wie am Fließband arbeiteten, sondern beherbergte auch die Underground-Szene der Stadt; Warhol selbst wurde zu einer festen Größe des New Yorker Nachtlebens, ein Stammgast im Max's Kansas City und später im Studio 54.

Das Attentat

Am 3. Juni 1968 schoss Valerie Solanas – eine radikalfeministische Schriftstellerin, die in einem von Warhols Filmen aufgetreten war und angeblich verärgert darüber war, dass er ein von ihr eingereichtes Drehbuch abgelehnt hatte – in der Factory auf ihn. Warhol überlebte, wurde jedoch schwer verletzt, verbrachte Wochen im Krankenhaus, musste sich weiteren Operationen unterziehen und trug für den Rest seines Lebens ein chirurgisches Korsett.

Jenseits der Malerei

In den 1970er und 1980er Jahren erweiterte Warhol sein Spektrum auf Film, Video, Fotografie, Skulptur und Fernsehen. Er produzierte über sechzig Filme, darunter Sleep, der den Dichter John Giorno bei einem langen Schlaf zeigt, und Eat, der einen Mann zeigt, der fünfundvierzig Minuten lang einen Pilz isst – extreme, stoische Experimente mit Zeitdauer und dem Alltäglichen, die das Einebnen von Bedeutung in seiner Malerei widerspiegelten. Er veröffentlichte The Philosophy of Andy Warhol und Exposures und moderierte später Programme auf MTV. „Geldverdienen ist eine Kunst und Arbeiten ist eine Kunst“, sagte er, „und gutes Geschäft ist die beste Kunst“ – eine Zeile, die sowohl Provokation als auch echtes Glaubensbekenntnis war.

Tod

Warhol unterzog sich am 20. Februar 1987 im New York Hospital einer routinemäßigen Gallenblasenoperation. Zwei Tage später entwickelte er tödliche Herzkomplikationen und starb am 22. Februar 1987 im Alter von achtundfünfzig Jahren. Tausende nahmen an seiner Gedenkfeier in der St. Patrick's Cathedral in New York teil.

Warum Andy ein Genie genannt wird

Das Argument für Warhols Genialität ist konzeptionell, nicht technischer Natur: Er beanspruchte kein virtuoses zeichnerisches Können für sich, und ein Großteil seiner charakteristischen Arbeiten wurde mechanisch von Assistenten durch Siebdruck hergestellt – ein Prozess, den er explizit begrüßte, indem er sein Atelier «Factory» nannte und Wiederholung und Reproduktion als den eigentlichen Punkt statt als Abkürzung behandelte. Sein eigentlicher intellektueller Beitrag war eine Neugestaltung: Er bestand darauf, dass die kurzlebigsten Produkte der amerikanischen kommerziellen Kultur, und schließlich auch Ruhm und Prominenz selbst, ebenso viel ernste bildliche Aufmerksamkeit verdienten wie jedes traditionelle Thema und dass mechanische Wiederholung selbst ein künstlerisches Statement über eine Massengesellschaft sein könnte. Das ist eine wirklich neuartige kritische Einsicht, und deshalb schreibt ihm die Kunstgeschichte die Rolle als Gründerfigur der Pop-Art zu. Die ehrliche Komplikation ist, dass Warhols Methode die Originalität der Ausführung bewusst umging: Seine berühmtesten Werke reproduzieren bestehende kommerzielle Bilder fast wortgetreu, und seine eigene erklärte Philosophie ließ die Unterscheidung zwischen Kunst und Kommerz vollständig verschwimmen, indem sie «gutes Geschäft» als Kunst an sich behandelte – eine Position, die manche Kritiker weniger als Genie, sondern als geschickte Effekthascherei unter Galeriebeleuchtung interpretierten. Seine rätselhafte Selbstdarstellung, einschließlich der Behauptung lebenslanger Zölibat trotz der weit verbreiteten Annahme, er sei schwul, trägt zu einer Persönlichkeit bei, die absichtlich schwer von seinem Werk zu trennen war.

Vermächtnis

Warhols Verwischung der Grenzen zwischen Kommerz, Prominenz und bildender Kunst nahm einen Großteil der bildgesättigten Kultur vorweg, die ihm folgte – von Boulevard-Ruhm bis zur Markenlogik von Konsumgütern. Jahrzehnte nach seinem Tod gehören seine Gemälde zu den wertvollsten und bekanntesten der Welt – Eight Elvises allein wechselte 2008 für rund 100 Millionen Dollar den Besitzer –, sie hängen immer noch als das endgültige Zeugnis dessen, wie die amerikanische Konsumkultur der Nachkriegszeit aussah, wenn sie auf sich selbst zurückblickte.