Andrés Segovia: Der Mann, der die Gitarre salonfähig machte

Im Jahr 1935 spielte Andrés Segovia in einem kleinen Saal weit entfernt von den Salons, in denen die Gitarre noch als Salonmöbel behandelt wurde, die erste öffentliche Aufführung von Bachs Chaconne auf einer sechssaitigen Gitarre – ein für Solovioline geschriebenes Stück von dichter, impliziter Polyphonie, dem niemand zugetraut hatte, dass das Instrument es bewältigen könnte. Er hatte bereits ein Vierteljahrhundert damit verbracht, Konzertveranstalter, Komponisten und das Publikum davon zu überzeugen, dass ein mit Cafés und Volksliedern assoziiertes Instrument auf dieselben Programme gehörte wie Klavier und Violine. Als er 1987 starb, hatte er schätzungsweise 5.402 Rezitals gespielt und die Skepsis einer Handvoll Komponisten in ein permanentes Repertoire verwandelt.

Eine autodidaktische Technik

Segovia wurde 1893 im andalusischen Linares geboren und wuchs nach einem unglücklichen Start mit der Violine bei einer Tante und einem Onkel in Granada auf. Er erhielt nie den Gitarrenunterricht, den er sich am meisten gewünscht hätte: Er suchte Francisco Tárrega auf, den großen Gitarristen und Komponisten der Epoche, doch Tárrega starb, bevor sie sich treffen konnten. Segovia beschrieb seine Ausbildung stattdessen als die Ausübung „der doppelten Funktion von Professor und Schüler im selben Körper“ – er erarbeitete sich weitgehend allein, wie das Instrument gespielt werden sollte. Was er entwickelte, brach mit der umgebenden Schule. Während die Tárrega-Tradition das Zupfen mit einer Mischung aus Fingerkuppe und Nagel bevorzugte, nutzte Segovia ausschließlich die Nägel und argumentierte, dass der Nagelkontakt der Saite „Klangunterschiede und Farbvariationen“ sowie genug Lautstärke verlieh, um einen Konzertsaal anstelle eines Salons zu füllen. Zudem hielt er seine rechte Hand weiter von den Saiten entfernt, als es die Konvention vorschrieb, und tauschte Intimität gegen einen runderen, tragfähigeren Ton ein. Er gehörte zu den ersten bedeutenden Spielern, die Nylonsaiten anstelle von Darmsaiten annahmen, sobald diese verfügbar waren, wegen ihrer stabileren Intonation und ihres Klangs. Nichts davon war akademische Effekthascherei – es war das technische Anpassen eines Volksinstruments, damit es auf der Bühne eines Sinfoniesaals neben einem großen Orchester bestehen konnte.

Ein Repertoire aus dem Nichts aufbauen

Die klassische Gitarre hatte fast keine ernsthafte Konzertliteratur, als Segovia begann, also erschuf er eine, indem er Komponisten, die noch nie für das Instrument geschrieben hatten, beauftragte und überredete. Manuel Ponce wurde nach ihrem Treffen in Mexiko 1923 ein enger Mitarbeiter und schuf Sonaten, die Segovias Programme jahrzehntelang verankerten. Heitor Villa-Lobos widmete ihm seine Zwölf Etüden. Mario Castelnuovo-Tedesco schrieb das Konzert op. 99, das allgemein als das erste bedeutende Gitarrenkonzert des zwanzigsten Jahrhunderts gilt und das Segovia 1939 in Montevideo uraufführte. Joaquín Rodrigo komponierte 1954 die Fantasía para un gentilhombre für ihn, und Federico Moreno Torrobas Sonatina erlebte 1925 unter Segovias Händen ihre Pariser Uraufführung. Er wies auch einige Komponisten ab – er lehnte Stücke von Frank Martin und Darius Milhaud ab, die nicht zu seinem musikalischen Geschmack passten, was daran erinnert, dass das von ihm aufgebaute Repertoire ebenso seine eigene Ästhetik widerspiegelte wie die Ambitionen der Komponisten. Neben den Neukompositionen baute er einen parallelen Bestand an Transkriptionen auf, indem er Bach, Albéniz und Granados für sechs Saiten anpasste, und gab ältere Gitarrenliteratur heraus – seine Ausgabe von Fernando Sors zwanzig Etüden aus dem Jahr 1945 wurde und blieb weitgehend der Standard-Einstiegspunkt für ernsthafte Studierende.

Die Rezitals und die Aufnahmen

Segovias erste Amerika-Tournee im Jahr 1928 wurde mit Hilfe des Violinisten Fritz Kreisler arrangiert, was bereits ein Zeichen dafür war, dass ein bedeutender Instrumentalist den Gitarristen für bürgsam erachtete. Seine ersten Aufnahmen, die 1927 für His Master's Voice gemacht wurden, gehen der Tournee voraus; im Laufe des folgenden halben Jahrhunderts nahm er rund vierzig LPs auf, ein Lebenswerk, das durch den Grammy Award für die beste klassische Darbietung im Jahr 1958 und einen Grammy für das Lebenswerk im Jahr 1986, ein Jahr vor seinem Tod, gekrönt wurde. Er trat bis in seine Neunziger auf und gab sein letztes Rezital im April 1987 in Miami Beach, wenige Wochen bevor er in Madrid im Alter von vierundneunzig Jahren an einem Herzinfarkt starb.

Das Lehren und seine Unzufriedenheiten

Ab den 1950er Jahren leitete Segovia einflussreiche Meisterkurse, am bekanntesten bei Música en Compostela in Spanien und im Sommer 1964 an der University of California, Berkeley, wo zu den Studenten unter anderem Christopher Parkening und Michael Lorimer zählten. Julian Bream und John Williams, die beiden Gitarristen, die am meisten dazu beitrugen, das Prestige des Instruments in das spätere zwanzigste Jahrhundert zu tragen, werden gewöhnlich zu seiner Linie gezählt, obwohl keiner von ihnen jemals in einem anhaltenden formalen Sinn bei ihm studiert hatte – eine Tatsache, die Segovia selbst ironisch anerkannte, indem er sagte, er habe „Schüler“ auf der ganzen Welt, die er nie getroffen habe. Die Beziehung war nicht durchgehend herzlich. Williams kritisierte später Segovias Lehrmethode als „dogmatisch autoritär“, warf ihm vor, Studenten zu einem einzigen Ansatz zu drängen und ganze Traditionen, darunter die südamerikanische Gitarrenmusik, abzulehnen, die nicht in seine Vorstellung passten, was das Instrument tun sollte. Diese Spannung – zwischen dem Mann, der die Legitimität des Instruments im Alleingang aufbaute, und der Engstirnigkeit des Geschmacks, die damit einherging, es auf seine Art zu tun – zieht sich durch fast jeden ernsthaften Bericht über seinen Einfluss.

Ehrungen

Segovias Status wurde spät in seinem Leben formalisiert: 1981 erhob ihn König Juan Carlos I. in den Adelsstand als Marqués de Salobreña, und er erhielt zehn Ehrendoktorwürden, 1974 den dänischen Sonning-Preis und 1985 den Ernst-von-Siemens-Musikpreis, eine der höchsten Auszeichnungen der europäischen Musik. Ein 1989 entdeckter Asteroid, 3822 Segovia, trägt seinen Namen, ebenso wie der von der European Guitar Teachers Association zu seinen Ehren veranstaltete Gitarrenwettbewerb.

Warum Andrés ein Genie genannt wird

Das Argument für Segovias Genie beruht nicht auf Erfindung im Sinne von Komponisten oder Wissenschaftlern – er schrieb nur eigene kleinere Werke, meist Etüden –, sondern auf etwas Seltenerem: dem anhaltenden, bewussten Akt, eine gesamte Konzerttradition um ein Instrument herum aufzubauen, das keine hatte. Das erforderte eine spezifische Art von Intelligenz, die der eines Architekten näher stand als der eines Komponisten: genau zu diagnostizieren, was der Gitarre fehlte (Repertoire, für große Säle geeignete Technik, institutioneller Respekt), und jedes Problem im Laufe von sechzig Jahren nacheinander zu lösen, von der Überarbeitung seiner eigenen Mechanik der rechten Hand bis hin dazu, Komponisten, die das Instrument nie in Betracht gezogen hatten, zum Schreiben für dasselbe zu überreden. Die Guitar Foundation of America schreibt ihm zu, die Spieltechnik „revitalisiert und revolutioniert“ und gleichzeitig das Repertoire um „Dutzende wertvoller Stücke“ erweitert zu haben, und praktisch jeder bedeutende klassische Gitarrist seitdem führt einen Teil seiner Technik oder seines Repertoires auf eine Entscheidung von Segovia zurück. Das ehrliche Gegenargument, das am pointiertesten von John Williams vorgebracht wurde, lautet, dass Segovias Genie in Starrheit überging – dass sein Geschmack, der über Jahrzehnte des Unterrichts mit echter Autorität durchgesetzt wurde, ebenso viel ausschloss wie er öffnete, und dass die von ihm nach seinem eigenen Bild errichtete Gitarrenwelt blinde Flecken hatte, insbesondere gegenüber südamerikanischen und populären Idiomen, deren Korrektur eine weitere Generation dauerte.

Vermächtnis

Segovia spielte die Gitarre nicht nur gut; er schuf die Bedingungen, unter denen die Gitarre überhaupt ernst genommen werden konnte, und praktisch jeder klassische Gitarrist, der heute tätig ist, spielt innerhalb eines Repertoires, einer Technik und eines institutionellen Respekts, die nicht existierten, bevor er sie aufbaute.