Alexandre Desplat: Der Komponist, der jede Note selbst dirigiert

Als junger Mann in Paris hörte er John Williams' Filmmusik zu Star Wars und beschloss auf der Stelle, dass Filmmusik das ist, was er mit seinem Leben anfangen wollte. Vier Jahrzehnte und mehr als einhundertfünfzig Partituren später ist Alexandre Desplat der seltene Komponist, dem Wes Andersons Launenhaftigkeit, Kathryn Bigelows Spannung und die opernhafte Melancholie von Guillermo del Toro gleichermaßen vertrauen – und er dirigiert immer noch jede Partitur, die er schreibt, persönlich.

Eine Pariser Kindheit, ein griechisch-französischer Haushalt

Alexandre Michel Gérard Desplat wurde in Paris als Sohn einer griechischen Mutter und eines französischen Vaters geboren, die sich während ihres Studiums in Kalifornien kennengelernt und geheiratet hatten, bevor sie sich in Frankreich niederließen. Dieses doppelte Erbe zeigt sich in der rastlosen Bandbreite seiner Musik: auf der einen Seite die französische symphonische Tradition, auf der anderen eine lebenslange Hinwendung zur Weltmusik. Er begann mit fünf Jahren Klavierunterricht, lernte Trompete und entschied sich schließlich für die Flöte als sein Hauptinstrument – eine ungewöhnliche Grundlage für einen Komponisten, der später eher durch orchestrale Farbe als durch eine einzelne melodische Stimme definiert werden sollte.

Disziplin am Konservatorium, Neugier auf Weltmusik

Desplat studierte als Gasthörer in der Analyseklasse des Komponisten Claude Ballif am Conservatoire de Paris (CNSM), dem strengen klassischen Kern der Institution, beschränkte sich aber nicht darauf. Er verfolgte neben seiner klassischen Ausbildung Studien in brasilianischer und afrikanischer Musik und arbeitete später mit Musikern wie Carlinhos Brown und Ray Lema zusammen – Kooperationen, die direkt in die polyrhythmischen, nicht-westlichen Texturen einflossen, die seine Partituren von konventionelleren symphonischen Filmkomponisten unterscheiden. Seine erklärten Einflüsse reichen von Ravel und Debussy über Jazz bis hin zum Weltmusik-Zirkel, in dem er als junger Musiker arbeitete – eine Kombination, die ihm einen ungewöhnlich breiten kompositorischen Wortschatz verlieh, bevor er jemals einen einzigen Film vertonte.

Fünfzig französische Filme, bevor Hollywood aufmerksam wurde

Desplats Karriere begann nicht in Los Angeles. Er verbrachte etwa zwei Jahrzehnte und komponierte rund fünfzig europäische Filmmusiken, wobei er mit französischen Regisseuren wie Philippe de Broca und Francis Girod zusammenarbeitete, weitgehend unbemerkt von der englischsprachigen Industrie. Sein europäischer Durchbruch gelang ihm durch die Zusammenarbeit mit Jacques Audiard: Seine Musik für Der wilde Schlag meines Herzens (2005) gewann den Silbernen Bären bei den Berliner Filmfestspielen und brachte ihm seinen ersten César ein, was seinen Ruf im französischen Kino festigte, lange bevor amerikanische Studios anriefen. Hollywoods Anerkennung kam mit Das Mädchen mit dem Perlenohrring (2003), das Desplat seine ersten Golden-Globe- und BAFTA-Nominierungen einbrachte und die Tür für die englischsprachige Arbeit öffnete, die die nächste Phase seiner Karriere bestimmen sollte.

Die Partnerschaft mit Wes Anderson und acht aufeinanderfolgende Nominierungen

Von da an wurde Desplat zu einem der gefragtesten Komponisten der Branche und arbeitete unter anderem mit Stephen Frears, Terrence Malick, Ang Lee, Roman Polanski, George Clooney, Matteo Garrone und David Fincher zusammen – eine Kundenliste, die sich wie ein Querschnitt des ernsthaften zeitgenössischen Autorenkinos liest. Seine Partituren für The Queen, Der seltsame Fall des Benjamin Button, The King’s Speech, Argo, Zero Dark Thirty, Philomena und beide Teile des Finales von Harry Potter und die Heiligtümer des Todes begründeten einen Ruf für Zurückhaltung und Präzision statt für Bombast. Seine berühmteste Partnerschaft bildete er mit dem Regisseur Wes Anderson, für den er Der fantastische Mr. Fox, Moonrise Kingdom, Grand Budapest Hotel und Isle of Dogs – Ataris Reise vertonte. Desplat beschrieb die Zusammenarbeit als „sehr kollaborativ... ein sehr präziser, fast chirurgischer Prozess, aber wir haben immer Spaß“, und für Grand Budapest Hotel baute er die Partitur um osteuropäische Instrumente herum auf – Zimbalen, Zithern, Balalaikas –, um dem Film eine unverwechselbare, in sich geschlossene klangliche Identität zu verleihen, die sich von allem anderen in seinem Katalog unterscheidet. Diese Partitur brachte ihm 2015 seinen ersten Oscar ein, im selben Jahr, in dem er zweimal nominiert war, für Budapest und für The Imitation Game, nachdem er zuvor in acht Jahren sechsmal nominiert worden war, ohne zu gewinnen. Einen zweiten Oscar gewann er 2018 für Guillermo del Toros Shape of Water – Das Flüstern des Wassers.

Eine Arbeitsehe

Desplat lernte die Geigerin Dominique „Solrey“ Lemonnier 1986 bei der Aufnahme seiner ersten Filmmusik kennen; sie wurde seine Frau, seine künstlerische Leiterin und die Hauptsolistin bei vielen seiner Partituren – eine Zusammenarbeit, der Kollegen zuschreiben, die Funktion der Streicher in seinen Orchestrierungen neu gestaltet zu haben. Das Paar hat zwei gemeinsame Kinder. Desplat respektiert nach eigener Aussage Text und Dialog auf eine Weise, die auf seine Theaterarbeit und seine vielen französischsprachigen Filme zurückzuführen ist, bei denen die Musik mit chirurgischem Timing um die gesprochene Sprache herum ein- und aussteigen muss, anstatt sie einfach durchgehend zu unterstreichen.

Auszeichnungen

Im Laufe seiner Karriere hat Desplat elf Oscar-Nominierungen und zwei Siege sowie zahlreiche Golden Globes, BAFTAs, Grammys, Césars und European Film Awards gesammelt. Er war 2014 Jurypräsident der Filmfestspiele von Venedig, eine Position, die normalerweise Persönlichkeiten vorbehalten ist, von denen die Branche annimmt, dass sie ein Niveau erreicht haben, das über bloßes technisches Handwerk hinausgeht.

Warum Alexandre als Genie bezeichnet wird

Die „Genie“-Sprache um Desplat konzentriert sich eher auf die Bandbreite als auf eine einzelne definierende Innovation – seine Fähigkeit, Partituren zu schreiben, die sofort als seine eigenen erkennbar sind, während sie von Film zu Film tonal unkenntar bleiben, und sich zwischen dem hektischen Uhrwerk einer Wes-Anderson-Komödie und der schmerzhaften Zurückhaltung von Shape of Water bewegt, ohne dass eines davon wie ein Kompromiss klingt. Diese Bandbreite gründet auf einer ungewöhnlich breiten Ausbildung: die Strenge des Konservatoriums in Ballifs Analyseklasse kombiniert mit Jahren, in denen er brasilianische und afrikanische Musik aufsog – eine Kombination, die kaum ein anderer A-Listen-Filmkomponist teilt. Was seine Bewunderer besonders hervorheben, ist seine Disziplin im Dienste der Geschichte – sein Beharren darauf, den Rhythmus der Dialoge zu respektieren, den er aus dem Theater und dem französischen Kino gelernt hat, und seine praktische Angewohnheit, jede Partitur persönlich zu dirigieren, anstatt sie an einen Orchestrator zu delegieren, in einer Branche, in der die Auslagerung dieser Arbeit gängige Praxis ist. Das ehrliche Gegenargument ist, dass Filmkomposition, so anspruchsvoll sie auch sein mag, ein Handwerk ist, das darauf kalibriert ist, der Vision eines anderen zu dienen; Desplats Partituren werden fast nie als eigenständige Konzertwerke aufgeführt, und Kritiker merken gelegentlich an, dass seine Zurückhaltung als Anonymität gelesen werden kann, wenn ein Regisseur eine Partitur will, die sich zurücknimmt, anstatt sich anzukündigen. Was nicht in Frage steht, ist die technische Beherrschung und die anhaltende Produktion – elf Oscar-Nominierungen in so unterschiedlichen Genres wie Fantasy, historisches Drama und Horror sind ein Rekord an Vielseitigkeit, den nur wenige aktive Komponisten in irgendeinem Medium für sich beanspruchen können.

Vermächtnis

Desplat arbeitet weiterhin in einem Tempo, das nur wenige Komponisten in der Filmgeschichte gehalten haben, und bewegt sich ohne sichtbare Reibung zwischen Arthouse-Autoren und Studio-Franchises. Seine Partnerschaft mit Wes Anderson ist neben den vorangegangenen Paarungen Spielberg-Williams und Burton-Elfman zu einer der prägenden Regisseur-Komponisten-Beziehungen des zeitgenössischen Kinos geworden. Seine zwei Oscar-Siege für zwei tonal gegensätzliche Filme im Abstand von acht Jahren und in zwei sehr unterschiedlichen Genres sind der klarste Beweis für eine Karriere, die auf Anpassungsfähigkeit statt auf einem einzigen Markenzeichen-Sound aufgebaut ist – genau die Qualität, die seine Mitarbeiter am häufigsten anführen, wenn sie erklären, warum sie ihn immer wieder anrufen.