Max Reinhardt: O homem que reconstruiu o espaço entre o palco e a plateia

Por volta de 1930, o filho de um banqueiro vienense que outrora treinou como aprendiz de banco controlava onze palcos em Berlim. Ele tinha fundado um festival de verão que ainda acontece todos os anos na praça de uma catedral. E ele tinha feito tudo isso sob um nome artístico que adotou aos dezessete anos, descartando o sobrenome Goldmann por um que se tornaria, na história do teatro, sinônimo de espetáculo reconstruído a partir de princípios fundamentais.

De Baden ao palco de Berlim

Nascido Maximilian Goldmann em 9 de setembro de 1873, em Baden bei Wien, filho de Rosa e Wilhelm Goldmann, um comerciante de Stupava, Reinhardt começou um aprendizado em banco enquanto discretamente tinha aulas de atuação paralelamente. Ele fez sua estreia no palco em Viena em 1890 sob o nome de Max Reinhardt, atuou no Teatro Municipal de Salzburgo em 1893 e, em 1894, mudou-se para Berlim para se juntar ao conjunto do Deutsches Theater sob a direção de Otto Brahm — a companhia que ele acabaria por possuir totalmente.

Um império de palcos

A ascensão de Reinhardt no teatro de Berlim foi menos uma carreira do que uma acumulação de instituições. Em 1901, ele cofundou o cabaré Schall und Rauch; em 1903, ele administrava o Neues Theater; em 1906, adquiriu o próprio Deutsches Theater, a âncora de seu crescente império. Ele dirigiu o Volksbühne de 1915 a 1918, reabriu o Großes Schauspielhaus em 1919 em uma radical conversão expressionista pelo arquiteto Hans Poelzig e, a partir de 1924, geriu o Theater in der Josefstadt em Viena. No final da década de 1920, seu nome estava associado a onze palcos de Berlim simultaneamente — uma concentração sem precedentes de poder teatral construída não sobre a propriedade por si só, mas sobre uma convicção artística específica e inquieta.

Quebrando a parede entre o ator e o público

Essa convicção era simples de declarar e difícil de executar: o teatro permitira que um abismo muito largo se abrisse entre as pessoas que atuavam e as pessoas que assistiam, e era tarefa de Reinhardt fechá-lo. Ele fundiu o design de palco, linguagem, música e coreografia em produções integradas, em vez de tratá-los como ofícios separados empilhados sobre um texto, e tomou emprestadas ideias de encenação tanto do anfiteatro grego quanto do mistério medieval para colapsar fisicamente a distância entre ator e espectador. O exemplo mais claro veio em 23 de dezembro de 1917, quando estreou Der Bettler (O Mendigo) de Reinhard Sorge, uma produção creditada por lançar sozinha o expressionismo teatral — e, através dele, todo um vocabulário visual mais tarde absorvido pelo cinema alemão. Em uma sequência, os personagens conversavam na frente de uma cortina fechada enquanto vozes desencarnadas soavam por trás dela, um truque espacial desorientador que tornava o público consciente do próprio aparelho teatral em vez de deixá-lo esquecê-lo.

Salzburgo e Jedermann

A criação mais durável de Reinhardt não foi uma única produção, mas uma instituição: em 1920, juntamente com o compositor Richard Strauss e o escritor Hugo von Hofmannsthal, fundou o Festival de Salzburgo, concebido como uma resposta cultural à devastação da Primeira Guerra Mundial e ao colapso do mundo dos Habsburgo que a produzira. Sua proposta de 1917 para um festival construído para esse fim em Hellbrunn nunca foi realizada, então ele encenou a adaptação de Hofmannsthal da peça de moralidade medieval Jedermann (Todo Homem) na praça da catedral de Salzburgo, usando a própria cidade — suas fachadas barrocas e o céu aberto — como cenário que nenhum teatro poderia replicar em ambientes fechados. Essa produção é creditada como a fundação oficial do festival, e sua encenação ao ar livre de Jedermann ocorre quase todos os anos desde então, um caso raro de experimento artístico tornando-se uma tradição cívica permanente. Reinhardt continuou a dirigir o festival até 1937.

O castelo e as escolas

Em 1918, Reinhardt comprou Schloss Leopoldskron, um palácio barroco fora de Salzburgo, e transformou-o tanto em uma residência privada quanto em um salão cultural informal com seu próprio teatro de jardim e biblioteca — a propriedade mais tarde se tornaria internacionalmente reconhecível como local de filmagem para The Sound of Music (A Noviça Rebelde), embora o próprio Reinhardt não tivesse conexão com essa produção posterior. Ele também construiu um legado educacional ao lado de seu legado teatral, fundando o que ficou conhecido como Seminário Max Reinhardt em Viena, ainda considerado uma das escolas de atuação de língua alemã mais importantes, bem como instituições de atuação em Berlim. Quando ele se mudou mais tarde para Hollywood, adquiriu uma oficina na Sunset Boulevard — supostamente ganha em um jogo de pôquer — onde os alunos que passaram por suas aulas incluíam Shirley Temple, Alan Ladd e Angie Dickinson, evidência de que seu instinto para treinar atores sobreviveu ao colapso de suas instituições europeias.

Exílio e os anos americanos finais

A ascendência judaica de Reinhardt tornou-o um alvo no momento em que a ideologia nazista se consolidou. Seu filme de 1935 para a Warner Brothers, A Midsummer Night's Dream (Sonho de uma Noite de Verão), estrelado por James Cagney, Olivia de Havilland e Mickey Rooney, foi banido na Alemanha pelo Ministério da Propaganda, em parte porque Joseph Goebbels condenou o expressionismo como arte degenerada e em parte porque Reinhardt, o compositor Felix Mendelssohn e o arranjador Erich Wolfgang Korngold eram todos de ascendência judaica. Após o Anschluss de 1938 anexar a Áustria, Reinhardt emigrou primeiro para a Grã-Bretanha e depois para os Estados Unidos, tornando-se um cidadão naturalizado em 1940. Leopoldskron foi confiscado pelo estado nazista e só devolvido à sua família após a guerra. Na América, ele montou produções incluindo The Eternal Road (1937) e The Merchant of Yonkers (1938) de Thornton Wilder, continuando a trabalhar quase até sua morte por um derrame em Nova York em 30 de outubro de 1943, aos setenta anos — nunca vivendo para ver o regime que o exilara derrotado.

Por que Max é chamado de gênio

A palavra é atribuída a Reinhardt não por uma única invenção, mas por um alcance inigualável: ele foi simultaneamente um ator em atividade, um diretor que reconcebeu o que a encenação poderia fazer, um empresário que administrava uma dúzia de teatros como negócios em funcionamento, um construtor de instituições que fundou um festival ainda em execução mais de um século depois, e um educador cujas escolas treinaram gerações de atores em dois continentes. Os historiadores de teatro contemporâneos Toby Cole e Helen Krich Chinoy chamaram-no de "um dos mais pitorescos atores-diretores dos tempos modernos", e o estudioso Martin Esslin apelidou-o de "Sumo Sacerdote da Teatralidade" — elogio pelo alcance e audácia da visão, em vez de qualquer avanço técnico singular. O contra-argumento honesto é que Reinhardt era, pelo seu próprio relato e pelos seus críticos, mais um sintetizador e empresário genial do que um criador de ideias totalmente novas: ele tomou emprestado das tradições de encenação gregas e medievais, de arquitetos como Poelzig e de dramaturgos como Hofmannsthal, e seu gênio residia em combinar e escalar esses empréstimos em produções e instituições de ambição sem precedentes. É ofício e visão organizacional tanto quanto originalidade pura — mas um ofício exercido em uma escala que ninguém antes dele havia tentado.

Legado

O Festival de Salzburgo que Reinhardt cofundou permanece um dos eventos de artes cênicas mais prestigiados do mundo, seu Jedermann ao ar livre ainda é um marco anual na praça da catedral que ele escolheu como palco. Seu arquivo é preservado na Universidade de Binghamton em Nova York, e Berlim marcou o local de seu antigo teatro com um memorial em 2015. A peça Afterlife de Michael Frayn, de 2008, encenada no National Theatre de Londres, dramatizou sua vida diretamente — confirmação de que um diretor outrora conhecido por apagar a fronteira entre palco e plateia tornou-se ele próprio um assunto durável para o palco.