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A improvisação é terrivelmente aleatória.
Leo Ornstein foi um dos principais compositores experimentais e pianistas norte-americanos do início do século XX. Suas performances de obras de compositores vanguardistas e suas próprias peças inovadoras e até chocantes o tornaram uma celebridade dos dois lados do Atlântico.
Ornstein foi o primeiro compositor importante a fazer uso extensivo do cluster de tons. Como pianista, era considerado um talento de classe mundial. Em meados da década de 1920, abandonou sua fama e logo desapareceu da memória popular. Embora tenha dado seu último concerto público antes dos quarenta anos, continuou compondo música por mais meio século e além. Amplamente esquecido por décadas, foi redescoberto em meados da década de 1970. Ornstein completou sua oitava e última sonata para piano em setembro de 1990, aos noventa e quatro anos, tornando-se o compositor publicado mais velho da história — uma marca desde então superada por Elliott Carter.
Conteúdo 1 Primeiros anos 2 Fama e "futurismo" 3 Transição nos anos 1920 4 Vida posterior 5 Veja também 6 Notas 7 Fontes 8 Links externos 8.1 Audição
Primeiros anos
Ornstein nasceu em Kremenchuk, uma grande cidade na província ucraniana de Poltava, então sob domínio da Rússia Imperial. Cresceu em um ambiente musical — seu pai era um cantor judaico, enquanto um tio violinista incentivava os estudos do jovem garoto. Ornstein foi reconhecido desde cedo como um prodígio do piano; em 1902, quando o célebre pianista polonês Josef Hofmann visitou Kremenchuk, ouviu o pequeno Ornstein, de seis anos, tocar. Hofmann lhe deu uma carta de recomendação para o conceituado Conservatório de São Petersburgo. Logo depois, Ornstein foi aceito como aluno na Escola Imperial de Música de Kiev, então dirigida por Vladimir Puchalsky. Uma morte na família forçou o retorno de Ornstein para casa. Em 1903, Ossip Gabrilovich o ouviu tocar e o recomendou ao Conservatório de Moscou. Em 1904, Ornstein, aos nove anos, fez audição e foi aceito pela escola de São Petersburgo. Lá estudou composição com Alexander Glazunov e piano com Anna Yesipova. Aos onze anos, Ornstein já ganhava a vida treinando cantores de ópera. Para escapar dos pogroms incitados pela organização nacionalista e antissemita União do Povo Russo, a família emigrou para os Estados Unidos em 24 de fevereiro de 1906, exatamente noventa e seis anos antes de sua morte. Estabeleceram-se no Lower East Side de Nova York, e Ornstein matriculou-se no Institute of Musical Art — predecessor da Juilliard School — onde estudou piano com Bertha Feiring Tapper. Em 1911, fez uma estreia bem recebida em Nova York com peças de Bach, Beethoven, Chopin e Schumann. Gravações dois anos depois de obras de Chopin, Grieg e Poldini demonstram, segundo o historiador da música Michael Broyles, "um pianista de sensibilidade, habilidade técnica prodigiosa e maturidade artística".
Fama e "futurismo"
Ornstein logo seguiu em uma direção muito diferente. Começou a compor obras contendo sons dissonantes e desconcertantes. O próprio Ornstein ficou perturbado pelas primeiras dessas composições: "Eu realmente duvidei da minha sanidade no início. Simplesmente disse: o que é isso? Era algo tão completamente distante de qualquer experiência que eu já tivera". Em 27 de março de 1914, em Londres, realizou sua primeira performance pública de obras então chamadas de "futuristas", hoje conhecidas como modernistas. Além de um arranjo de Busoni de três prelúdios corais de Bach e várias peças de Schoenberg, Ornstein tocou diversas de suas próprias composições. O concerto causou grande alvoroço. Um jornal descreveu o trabalho de Ornstein como "a soma de Schoenberg e Scriabine ao quadrado". Outros foram menos analíticos: "Nunca sofremos com tanta hediondez insuportável, expressa em termos do que se chama música".
A performance seguinte de Ornstein provocou quase um tumulto: "No meu segundo concerto, dedicado às minhas próprias composições, eu poderia ter tocado qualquer coisa. Eu mesmo não conseguia ouvir o piano. A multidão assobiava e uivava e até atirava projéteis disponíveis no palco". A reação, no entanto, não foi universalmente negativa — o Musical Standard o chamou de "um dos compositores mais notáveis da época... aquele germe de realismo e humanidade que é indicativo de genialidade". No ano seguinte, ele era o assunto do cenário musical norte-americano por suas performances de obras de vanguarda de Schoenberg, Scriabin, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel e Stravinsky — muitas delas estreias nos EUA, além de suas próprias composições, ainda mais radicais.
 Os violentos clusters de tons de Wild Men's Dance (ca. 1913–14) (Poon Hill Press/Severo Ornstein) Entre 1915 e o início da década de 1920, quando praticamente cessou suas apresentações em público, Ornstein era uma das figuras mais conhecidas — para alguns, notórias — da música clássica americana. Na descrição de Broyles e Denise Von Glahn, seu "apelo era imenso. Ele se apresentava constantemente diante de salas lotadas, frequentemente com mais de duas mil pessoas, em muitos lugares a 'maior audiência da temporada'." Suas peças solo para piano como Wild Men's Dance, também conhecida como Danse Sauvage; c. 1913–14, e Impressions of the Thames, c. 1913–14, pioneirizaram o uso integrado do cluster de tons na composição de música clássica, o que Henry Cowell, três anos mais jovem que Ornstein, faria ainda mais para popularizar. Na descrição do estudioso Gordon Rumson, Wild Men's Dance é uma "obra de ritmo veemente e indisciplinado, composta de densos clusters de acordes... e acentos brutais. Ritmos complexos e acordes colossais estrondosos atravessam toda a extensão do piano. Esta permanece uma obra para um grande virtuoso capaz de imbuí-la com uma energia ardente e feroz." Aaron Copland recordou uma apresentação dela como o momento mais controverso de seus últimos anos de adolescência. Em 2002, um crítico do New York Times declarou que ela "permanece chocante." Segundo o crítico Kyle Gann, Impressions of the Thames, "embora debussyana em suas texturas, utilizava acordes mais espinhosos do que Debussy jamais ousara, e também clusters na extensão aguda e uma pulsação grave que prenunciava Charlemagne Palestine, porém modulando... com um senso de unidade convincente."
Como exemplo do que Ornstein descreveu como "música abstrata", sua Sonata for Violin and Piano, 1915 — não 1913, como é frequentemente e erroneamente citado — foi ainda mais longe; "até o limite", como ele expressou: "Eu diria que havia levado a música exatamente até a beira do abismo.... Eu simplesmente recuei e disse: 'além disso jaz o caos completo'." Em 1916, o crítico Herbert F. Peyser declarou que "o mundo de fato se moveu entre a época de Beethoven e a de Leo Ornstein." Naquela primavera, Ornstein deu uma série de recitais na residência de um de seus defensores em Nova York; esses concertos foram precedentes cruciais para as sociedades de compositores em torno das quais a cena musical moderna prosperaria na década de 1920. Ornstein também viajou para Nova Orleans em 1916, onde descobriu o jazz. No ano seguinte, o crítico James Huneker escreveu:
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Nunca pensei que viveria para ouvir Arnold Schoenberg soar domesticado, mas domesticado ele soa — quase tímido e hesitante — depois de Ornstein, que é, enfaticamente, o único compositor Futurista genuíno, verdadeiro, vivo.
Além de "futurista", Ornstein também foi ocasionalmente rotulado — junto com Cowell e outros de seu círculo — como "ultra-modernista." Um artigo no Baltimore Evening Sun referiu-se a ele como "o pianista intransigente, que colocou o mundo musical inteiro em polvorosa e que é provavelmente a figura mais discutida nos palcos de concerto." Em The Musical Quarterly ele foi descrito como "o fenômeno musical mais saliente de nosso tempo." O compositor de origem suíça Ernest Bloch declarou-o "o único compositor na América que exibe sinais positivos de genialidade."
Em 1918, Ornstein era suficientemente renomado para que uma biografia completa dele fosse publicada. O livro, de Frederick H. Martens, sugere não apenas o nível da fama de Ornstein aos vinte e quatro anos, mas também seu efeito divisivo na cena cultural:
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Leo Ornstein para muitos representa um gênio musical maligno vagando além dos limites extremos da ortodoxia tonal, numa estranha Terra de Ninguém assombrada por sons tortuosos, com lamentos de desespero futurista, com gritos cubistas e clamores e estrondos pós-impressionistas. Ele é o grande anarquista, o iconoclasta.
Cowell, que havia encontrado Ornstein enquanto estudava em Nova York, perseguiria um estilo similarmente radical como parte de uma grande missão intelectual e cultural, que também envolvia ambiciosos escritos sobre teoria musical e esforços de publicação e promoção em apoio à vanguarda. Ornstein, o iconoclasta vanguardista da música clássica americana, seguiu uma musa muito mais idiossincrática: "Sou guiado inteiramente apenas pelo meu instinto musical quanto ao que considero consequente ou inconsequente." A evidência disso é o fato de que, mesmo no auge de sua notoriedade ultra-modernista, ele também escreveu várias obras líricas e tonais, como a First Sonata for Cello and Piano: "está além da minha compreensão." Comentando sobre a peça após a morte de Ornstein aproximadamente três quartos de século mais tarde, o crítico Martin Anderson escreveu que ela "rivaliza com a de Rachmaninov em melodias magníficas."
Antes da virada da década — provavelmente em 1918 ou 1919 — Ornstein produziu uma de suas obras mais distintivas envolvendo clusters de tons, Suicide in an Airplane. Sua partitura exige um padrão de ostinato grave em alta velocidade destinado a simular o som de motores e capturar a sensação de voo. A peça serviria como inspiração para a Airplane Sonata, 1923, de George Antheil, que refletiu a influência de Ornstein em outras obras como Sonata Sauvage, 1923. Escrevendo em 2000, o pianista e historiador Joseph Smith citou Suicide in an Airplane entre aquelas peças de Ornstein que "representaram e talvez ainda representem o ne plus ultra da violência pianística."
Transição nos anos 1920
Ornstein, esgotado, efetivamente abandonou sua celebrada carreira de performance no início dos anos 1920. Sua "música foi logo esquecida", escreve o acadêmico Erik Levi, deixando-o "uma figura essencialmente periférica na vida musical americana." Como descrito por Broyles, "Ornstein havia se aposentado em grande parte quando as novas organizações musicais dos anos 1920 surgiram. Cedo demais e independente demais, Ornstein tinha pouco desejo de participar do movimento modernista quando este finalmente se estabeleceu nos Estados Unidos. ... parecia pouco incomodado pela publicidade ou pela falta dela. Ele ouvia apenas sua própria voz."
O estilo composicional primário de Ornstein também estava mudando. Como descrito pelo crítico contemporâneo Gordon Rumson, sua
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linguagem musical organizou-se em uma gradação cintilante e luminosa entre simplicidade e aspereza. As melodias têm um matiz hebraico, e Ornstein não hesita em colocar música dissonante e tonal lado a lado. Essa alternância de estilos é apenas uma das ferramentas criativas de Ornstein. Mais importante ainda, há uma franqueza emocional que torna a música genuinamente atraente. Deve-se notar também que sua música é idealmente escrita para piano e é claramente obra de um pianista mestre.
Essa transformação contribuiu para o desaparecimento de Ornstein na obscuridade. Aqueles a quem ele havia inspirado agora o rejeitavam, quase tão veementemente quanto os críticos que ele havia chocado uma década antes. "Ele havia sido o garoto-propaganda do modernismo radical ao longo dos anos 1910, e quando abandonou esse estilo por um mais expressivo, os ultramodernos reagiram como um amante desprezado", segundo Broyles. "Nem mesmo Cowell, conhecido por seu temperamento receptivo, conseguiu perdoar Ornstein."
Tendo abandonado não apenas os palcos de concerto, mas também a renda que os acompanhava, Ornstein assinou um contrato exclusivo com a gravadora Ampico para fazer rolos de pianola. Ele produziu mais de duas dúzias de rolos para a Ampico, principalmente de um repertório não modernista; os compositores que ele executou com mais frequência foram Chopin, Schumann e Liszt. Dois rolos continham suas próprias composições: Berceuse Cradle Song ca. 1920–21 e Prélude tragique 1924. Ornstein nunca gravou, em formato algum, sequer um único exemplo de suas peças futuristas que lhe trouxeram fama.
Em meados dos anos 1920, Ornstein deixou Nova York para aceitar um cargo de professor na Philadelphia Musical Academy, posteriormente parte da University of the Arts. Durante esse período, ele escreveu algumas de suas obras mais importantes, incluindo o Piano Concerto, encomendado pela Philadelphia Orchestra em 1925. Dois anos depois, ele produziu seu Piano Quintet. Uma obra tonal épica marcada por um uso aventureiro de dissonância e arranjos rítmicos complexos, é reconhecida como uma obra-prima do gênero.
Vida posterior
No início dos anos 1930, Ornstein fez sua última apresentação pública. Alguns anos depois, ele e sua esposa—a ex-Pauline Cosio Mallet-Prèvost 1892–1985, também pianista—fundaram a Ornstein School of Music na Filadélfia. Entre os alunos de lá, John Coltrane e Jimmy Smith seguiriam carreiras importantes no jazz. Os Ornstein dirigiram e lecionaram na escola até seu fechamento com a aposentadoria deles em 1953. Eles essencialmente desapareceram da vista pública até meados dos anos 1970, quando foram localizados pela historiadora musical Vivian Perlis: o casal estava passando o inverno em um parque de trailers no Texas; eles também tinham uma casa em New Hampshire. Ornstein havia continuado a compor música; dotado de uma memória poderosa, ele não era diligente em anotar tudo e não havia procurado divulgá-la por décadas. Embora seu estilo tivesse se moderado muito desde os anos 1910, manteve seu caráter único, e com sua redescoberta veio uma nova explosão de produtividade. Na descrição de Gann, obras para piano compostas por Ornstein em seus oitenta anos, como Solitude e Rendezvous at the Lake, apresentavam melodias que "saltavam através de infindáveis arabescos ornamentados que não traziam nenhum outro compositor à mente."
 Capa de Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work (1918), de Frederick H. Martens
Em 1988, Ornstein, aos noventa e dois anos, escreveu sua Sétima Sonata para Piano. Com essa composição, Ornstein tornou-se, por alguns anos, o compositor publicado mais velho, até Elliott Carter, a produzir uma obra nova substancial. Em 23 de setembro de 1990, aos noventa e quatro anos, Ornstein completou sua obra final, a Oitava Sonata para Piano. Os nomes dos movimentos da sonata refletem não apenas a passagem de um período notável de tempo, mas um senso de humor e espírito exploratório não diminuídos: I. "Life's Turmoil and a Few Bits of Satire" / II. "A Trip to the Attic—A Tear or Two for a Childhood Forever Gone" a. "The Bugler" / b. "A Lament for a Lost Toy" / c. "A Half-Mutilated Cradle—Berceuse" / d. "First Carousel Ride and Sounds of a Hurdy-Gurdy" / III. "Disciplines and Improvisations." Ao resenhar a estreia nova-iorquina da obra, o crítico Anthony Tommasini escreveu: "Entre a loucura estrondosa do primeiro e terceiro movimentos, o movimento do meio é uma suíte de quatro breves reflexões musicais sobre lembranças da infância descobertas em um sótão. Embora completamente incongruente, a mudança de tom é audaciosa e a música é desarmante. A plateia ouviu atentamente, depois irrompeu em aplausos."
Em 24 de fevereiro de 2002, Ornstein morreu em Green Bay, Wisconsin. Aos 106 anos, ele estava entre os compositores mais longevos.
