타르실라 두 아마라우: 브라질에게 유럽을 삼키라고 말한 화가
1928년 남편의 생일을 위해 타르실라 두 아마라우(Tarsila do Amaral)는 그에게 괴물을 그려 선물했습니다. 작은 머리와 가느다란 팔, 그리고 기괴할 정도로 거대한 발을 가진 인물이 태양과 꽃을 동시에 나타내는 선인장 옆에 앉아 있는 모습이었습니다. 그녀는 이 불균형을 두고 "괴물 같은 형상, 작은 머리, 팔꿈치로 지탱하고 있는 가느다란 팔, 그리고 거대하고 긴 다리"라고 직접 묘사했습니다. 시인이었던 남편 오스왈드 드 안드라드(Oswald de Andrade)는 이 캔버스를 보고 "사람의 살을 먹는 사람"이라는 뜻의 투피-과라니(Tupi-Guarani) 용어를 따서 Abaporu라고 이름 붙였습니다. 이 단 하나의 생일 선물로부터 그는 라틴 아메리카 미술사에서 가장 영향력 있는 문서 중 하나인 Manifesto Antropófago(식인 선언)를 구축했으며, 타르실라의 그림은 그 상징이 되었습니다. 이는 브라질이 유럽 문화를 모방하기보다는 집어삼켜야 한다는 도발적인 아이디어를 바탕으로 세워진 한 운동의 탄생을 알리는 이미지가 되었습니다.
커피 자금과 독특한 교육
타르실라 드 아기아르 두 아마라우(Tarsila de Aguiar do Amaral)는 1886년 9월 1일 상파울루 시골의 작은 마을인 카피바리(Capivari)에서 커피 농장주이자 지주인 부유한 가정에서 태어났습니다. 그녀가 태어난 시점은 노예제 폐지 2년 전으로, 그 부는 노예제와 여전히 얽혀 있는 농업 경제를 통해 쌓아 올린 것이었습니다. 그 집안의 재산 덕분에 그녀는 당시 브라질 여성으로서는 거의 누릴 수 없었던 진지한 고등 교육과 국제적 훈련을 받을 수 있었습니다. 십 대 시절에는 바르셀로나에서 학교를 다니며 미술 기록 보관소의 작품들을 모사했고, 이후 브라질 화가 페드로 알렉산드리누 보르헤스(Pedro Alexandrino Borges)에게 개인 지도를 받은 뒤 1916년부터 상파울루에서 정식 미술 교육을 시작했습니다. 1920년에는 파리로 건너가 줄리안 아카데미(Académie Julian)에서 공부했으며, 그 후 페르낭 레제(Fernand Léger), 앙드레 로트(André Lhote), 알베르 글레즈(Albert Gleizes)를 비롯한 유럽 아방가르드의 거장들에게 개인 지도를 받으며 입체주의, 미래주의, 표현주의를 식민지의 거리감이 아닌 그 근원지에서 직접 접했습니다.
브라질 현대주의의 구축
1922년 상파울루로 돌아온 타르실라는 아니타 말파티(Anita Malfatti), 마리우 드 안드라드(Mário de Andrade), 메노치 델 피키아(Menotti Del Picchia), 오스왈드 드 안드라드와 함께 현대주의 집단인 '5인 그룹'(Grupo dos Cinco)에 합류했습니다. 그녀는 같은 해 열린 기념비적인 '현대 미술 주간'(Semana de Arte Moderna)과 함께 브라질의 신흥 현대주의 현장 중심에 서게 되었습니다. 1923년 대부분을 오스왈드 드 안드라드와 함께 유럽에서 보낸 그녀는(두 사람은 1926년 결혼하여 1930년 이혼했으며, 이 관계는 결혼인 동시에 예술적 협업이기도 했습니다) 브라질 내륙을 여행하며 민간 신앙과 대중 의례에서 영감을 얻었고, 파리만을 바라보는 대신 국가적 소재를 탐구하며 내면을 들여다보았습니다. 이 시기에 그녀는 기하학적으로 평평하게 표현된 흑인 여성의 모습과 양식화된 단 하나의 유방을 담은 대작 A Negra(1923)를 그렸는데, 이 작품은 유럽 입체주의 기법을 브라질 고유의 주제를 묘사하는 데 어떻게 활용할 수 있을지 시험한 작품이었습니다.
파우-브라질 시대와 아바포루
1924년부터 1926년까지의 '파우-브라질'(Pau-Brasil) 시기를 거치며(경제적, 문화적 자아 정립의 의미로 브라질의 초기 수출품인 브라질나무의 이름을 딴 것), 그녀는 E.C.F.B.(1924), São Paulo(1924), Morro de Favela(1924) 등 도시와 산업화된 브라질 삶의 활기 넘치는 그림들을 제작하며 파리에서 배운 형식적 언어를 유럽 현대주의가 다루지 않았던 풍경과 주제에 적용했습니다. 이러한 궤적은 1928년 Abaporu가 된 생일 선물에서 절정에 달했고, 이듬해에는 Abaporu의 인물과 A Negra의 여성을 브라질 식물 배경과 결합한 Antropofagia(1929)가 이어졌습니다. 이는 오스왈드 드 안드라드의 선언문이 담고 있는 "삼키는" 논리를 시각적으로 구현한 것으로, 브라질 예술가들이 유럽의 영향력을 카니발화(cannibalize)하여 아류가 아닌 진정으로 새롭고 혼성적인 무언가를 만들어내라는 요구를 담고 있었습니다.
정치, 투옥, 그리고 후기의 변화
타르실라의 참여는 회화를 넘어 정치로 확장되었습니다. 1932년 소련 여행 후 브라질로 돌아온 그녀는 제툴리우 바르가스(Getúlio Vargas) 독재에 맞선 상파울루의 헌법주의 혁명에 참여했습니다. 소련 여행 경력으로 인해 공산주의 동조자로 의심받은 그녀는 결과적으로 한 달간 투옥되었습니다. 빈곤한 러시아인을 묘사한 Segunda Classe(1931) 등 이후의 작품들은 초기 식인주의 캔버스보다 훨씬 노골적인 사회적, 정치적 성격을 반영했습니다. 1938년부터 상파울루에 정착한 그녀는 브라질의 풍경과 사람들에게 더욱 집중했으며, 1952년까지 Diario de São Paulo에 주간 예술 칼럼을 연재하며 그림뿐만 아니라 비평을 통해 문화적 영향력을 확대했습니다.
초기와 후기의 인정
타르실라는 1926년 파리 페르시에 갤러리(Galerie Percier)에서 첫 개인전을, 1928년 두 번째 개인전을 열었으며, 1929년 리우데자네이루의 팔라스 호텔에서 브라질 첫 개인전을 개최했습니다. 그녀에 대한 인정은 생애 후반과 사후에 더욱 깊어졌습니다. 1951년 제1회 상파울루 비엔날레, 1963년 상파울루 비엔날레와 베니스 비엔날레에 전시되었으며, 2017년 시카고 미술관과 2018년 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 대규모 회고전의 주인공이 되었습니다. 디에고 리베라(Diego Rivera)와 같은 인물들에 이어 MoMA에서 개인 회고전으로 영예를 안은 여덟 번째 라틴 아메리카 예술가였습니다.
타르실라가 천재라 불리는 이유
이 주장은 기술적 혁신보다는 문화적 종합이라는 구체적인 행위에 근거합니다. 타르실라는 유럽 아방가르드의 가장 진보된 형식적 언어인 입체주의 기하학, 레제의 기념비적인 인물화, 로트의 구조화된 색채를 도입하여 이를 브라질의 주제, 토착 신화, 탈식민지적 자아주장에 온전히 활용했습니다. MoMA 큐레이터 루이스 페레스-오라마스(Luis Pérez-Oramas)는 이를 "현대 유럽 예술과 전통 브라질 문화로부터 예술적 영향력을 의도적으로 섭취하여" "독특하고 새로운, 그리고 분명히 브라질적인" 것을 만들어낸 혼성적 시각 언어라고 묘사했습니다. Abaporu는 단순히 오스왈드 드 안드라드의 선언을 예시한 것이 아니라 그것을 생성해 냈는데, 이는 단 한 점의 그림이 전체 예술 운동의 이론적 틀을 위한 개념적 불꽃을 제공한 아주 직접적인 사례입니다. 다만 그녀의 가장 찬란한 시기가 1920년대 후반의 짧고 집중적인 기간이었고, 후기의 사회적 참여 작품은 동일한 정전적 지위를 얻지 못했다는 점, 그리고 파리에서의 훈련과 가문의 커피 부라는 특권적 배경이 당시 다른 브라질 예술가들은 접근할 수 없었던 기회를 제공했다는 점은 환경적 도움 없는 순수한 개인의 천재성이라는 서사를 복잡하게 만듭니다.
유산
타르실라는 1973년 1월 17일 상파울루에서 사망했으며, 경력 동안 약 230점의 회화와 수백 점의 드로잉, 일러스트레이션, 조각을 남겼습니다. 수성(Mercury)의 한 분화구에는 그녀의 이름이 붙어 있습니다. 오늘날 그녀는 라틴 아메리카 미술 역사가들 사이에서 이견 없이, 대륙의 현대주의를 전진시키고 독자적인 브라질 시각 언어를 확립한 인물로 인정받습니다. 이 언어는 다음 세대의 라틴 아메리카 예술가들이 유럽 스타일을 통째로 수입하는 대신 토착적 주제와 국가적 소재를 활용할 수 있도록 허락한 것이며, 이는 정확히 1928년 그녀의 생일 그림 한 점이 처음에 제안했던 "식인적" 논리였습니다.
