피에르 오귀스트 르누아르: 진지하게 받아들인 즐거움

1880년과 1881년 두 해 여름, 샤투(Chatou)의 메종 푸르네즈(Maison Fournaise) 테라스에서 르누아르는 굴과 반쯤 남은 와인이 놓인 테이블 주위에 14명의 사람을 모았다. 그의 미래 아내 알린 샤리고(Aline Charigot)가 테리어와 놀고 있다. 화가 귀스타브 카유보트(Gustave Caillebotte)는 의자에 거꾸로 걸터앉아 있다. 그곳에는 배우, 은행가, 시인, 기병대 장교, 식당 주인의 아들이 있다. 《뱃놀이 일행의 오찬》(Luncheon of the Boating Party)은 집단 초상화이자 정물화, 풍경화가 하나의 캔버스에 녹아든 작품이며, 평범한 행복이 위대한 예술의 주제로 적합하다는 가장 설득력 있는 논거로 남아 있다.

리모주에서 도자기 벤치까지

그는 1841년 2월 25일 리모주(Limoges)에서 재단사 레오나르(Léonard)와 재봉사 마르그리트(Marguerite)의 아들로 태어났다. 가족은 더 나은 기회를 찾아 파리로 이주했다. 13세에 그는 도자기 공방의 견습생이 되어 고급 도자기에 장식 문양을 그렸는데, 이는 평면적이고 밝은 장식적 색채에 대한 교육이 되었고, 이후 그의 이젤 작업에 평생 영향을 미쳤다. 그러다 기계 기술이 도입되면서 이 직업은 사라졌다. 그는 저녁에 무료 미술 수업을 듣고, 퇴근 후 유화를 배웠으며, 1860년부터는 루브르 박물관에서 그림을 모사하며 생계를 유지했다.

이 점은 짚고 넘어갈 만하다. 르누아르는 가난을 예술적 자세로 선택한 보헤미안이 아니었다. 그는 산업화로 인해 일자리를 잃고 숙련공의 문을 통해 화가의 길로 들어선 노동계급의 장인이었다.

글레르의 화실과 강가

스위스 화가 샤를 글레르(Charles Gleyre)의 화실에서 그는 알프레드 시슬레(Alfred Sisley), 프레데리크 바지유(Frédéric Bazille), 클로드 모네(Claude Monet)를 만났고, 모네를 통해 피사로(Pissarro), 드가(Degas), 세잔(Cézanne)을 알게 되었다. 바지유는 1865년 그와 화실을 공유하며 대부분의 비용을 댔다. 살롱은 1864년에 《라 에스메랄다》(La Esmeralda, 후에 르누아르가 파기함)를, 1865년에 풍경화와 초상화를, 1867년에 연인 리즈 트레오(Lise Tréhot)의 초상화를 받아들였다.

결정적인 여름은 1869년이었다. 당시 르누아르는 센강의 수영 명소인 라 그르누이예르(La Grenouillère)에서 모네와 함께 두 달 동안 그림을 그렸다. 두 사람은 나란히 앉아 같은 물, 같은 보트, 같은 얼룩덜룩한 빛을 그렸다. 그 이젤에서 나온 작품들, 즉 물체를 묘사하기보다 반사광을 상징하는 파편화된 순수 색채의 터치는 인상주의의 출생 증명서와도 같다. 보불전쟁으로 모든 것이 중단되었다. 르누아르는 참전했다가 이질에 걸려 보르도의 기병대로 배치되었다.

인상주의 시절과 그 이후

1874년 4월, 그는 제1회 인상주의 전시회에 6점을 출품해 2점을 팔았다. 1875년 인상주의 작품 경매는 실패했다. 《물랭 드 라 갈레트의 무도회》(Dance at Le Moulin de la Galette, 1876년)는 일요일 오후 몽마르트르 안뜰의 변화하는 빛과 그림자를 담아냈으나 비평가들은 이를 알아볼 수 없다고 평했다.

그 후 그는 떠났다. 르누아르는 1877년 이후 발을 뺐고, 그룹의 지속 가능성을 의심하여 1878년 전시회 참여를 거부하며 대신 돈이 되는 초상화 의뢰에 집중했다. 이는 종종 평온함으로 오해받는 그의 성격의 첫 징후였다. 사실 그는 끊임없이 불안해했고, 방식이 자동적으로 느껴지는 순간 즉시 그 방식을 버렸다.

이탈리아와 '시고 신맛 나는' 스타일

1881년 그는 알제리를 여행하며 북아프리카의 빛에 압도되었다. 그해 말 이탈리아를 여행하며 시칠리아에서 리하르트 바그너(Richard Wagner)를 그렸고, 귀국할 때는 라파엘로(Raphael)와 폼페이(Pompeii)에 매료되어 있었다. 그는 “이탈리아의 문제는 너무 아름답다는 점이다. 이렇게 즐거움이 가득한데 굳이 그림을 그릴 이유가 무엇인가”라고 불평했다.

이후 10년은 그의 경력에서 가장 논란이 많은 시기였다. 르누아르는 윤곽선을 강조하고 드로잉을 엄격하게 다듬어 프랑스어로 ‘마니에르 에그르’(manière aigre), 즉 시거나 건조한 화풍이라고 불리는 명확한 윤곽의 인물들을 그려냈다. 1880년대 중반의 《누워 있는 나부》(Reclining Nude)와 대규모 목욕하는 사람들 연작은 이러한 고전 전통과의 씨름을 보여준다. 그는 에스타크(L'Estaque)에서 세잔과 함께 작업했고, 1882년에는 폐렴을 앓았다. 1890년대에 이르러 그는 《피아노 치는 두 소녀》(Two Young Girls at the Piano, 1892년)와 같은 캔버스에서 인상주의적 색채와 조각적 형상이라는 두 가지 충동을 결합했다.

말년의 가정

알린 샤리고는 1881년 그의 모델이자 연인이 되었고, 1890년 4월 결혼했다. 피에르(Pierre)는 1885년 3월, 훗날 위대한 영화감독 중 한 명이 된 장(Jean)은 1894년 9월, 코코(Coco)라고 불린 클로드(Claude)는 1901년에 태어났다. 1895년 가족은 에수아(Essoyes)에 큰 집을 얻어 나중에 매입했고, 파리 아파트도 유지했다.

마침내 인정받았다. 프랑스 정부는 1888년 뤽상부르 미술관(Musée du Luxembourg)을 위해 《피아노 치는 두 소녀》를 구입했다. 그는 1890년 레지옹 도뇌르 훈장(Légion d'honneur)을 제안받았으나 거절했고, 1900년에는 수락했다. 그때쯤 그의 그림은 다른 인상주의자들의 작품보다 두 배 높은 가격에 팔리고 있었다. 런던, 베를린, 보스턴 전시회는 1883년부터 시작되었다. 리모주 출신의 재단사 아들은 부유한 상태로 생을 마감했다.

신체에 맞선 그림

류머티즘 관절염의 첫 증상은 47세가 되던 1888년 12월에 나타났다. 이 질병은 그의 생애 마지막 30년을 지배했다. 그는 남부로 이주하여 1907년 카뉴쉬르메르(Cagnes-sur-Mer)의 레 콜레트(Les Collettes)를 매입했고, 1912년 뇌졸중을 겪었으나 다시 그림을 그릴 수 있을 만큼 회복되어 점점 더 휠체어에 앉아 작업했다. 직접 점토를 빚을 수 없게 되자, 그는 젊은 조수 리샤르 기노(Richard Guino)의 손을 지시하는 방식으로 조각을 시작했다.

전쟁이 나머지를 앗아갔다. 피에르와 장은 1914년 모두 징집되어 심각한 부상을 입었고, 알린은 병원에서 그들을 방문한 후 심장마비로 사망했다. 르누아르는 1919년 12월 3일 카뉴에서 폐렴으로 사망할 때까지 나부, 《틸라 뒤리외》(Tilla Durieux, 1914년)와 같은 초상화, 그리고 따뜻한 톤의 풍경화를 계속 그렸다.

피에르 오귀스트가 천재라 불리는 이유

그의 구체적인 재능은 색채적 감각, 즉 피부, 옷감, 물 위에서 색채를 띤 빛이 어떻게 행동하는지에 대한 거의 생리적인 민감성과 그것을 죽이지 않고 캔버스에 옮기는 기술적 수단이었다. 르누아르는 살결을 단순히 안료가 아닌 따뜻하고 살아 있는 무언가로 읽히게 만들 수 있었다. 그는 “나는 꼬집어보고 싶다는 생각이 들 때까지 나부 그림을 끝냈다고 생각하지 않는다”고 말했다. 《뱃놀이 일행의 오찬》에서 그는 거의 누구도 해내지 못하는 일을 해냈다. 14명의 개성 있는 인물, 정물, 강변 풍경을 하나도 희생시키지 않고 하나의 조화로운 디자인에 담아낸 것이다. 1923년 이 작품을 산 던컨 필립스(Duncan Phillips)는 이 그림이 우리 컬렉션의 다른 모든 작품을 합친 것보다 갤러리에 대한 관심과 지원을 불러일으키는 데 “더 많은 기여를 할 것”이라고 말했다.

반대 의견 또한 설득력이 있다. 르누아르는 이론가가 아닌 직관주의자였고, 그는 자신의 숭배자들을 당혹스럽게 할 만큼 솔직하게 말했다. “나는 그림은 즐겁고 행복하며 예뻐야 한다고 생각한다. 그래, 예뻐야 한다!” 그 신조와 그로 인해 얻은 막대한 대중적 인기는 비평가들이 그를 모네, 드가, 세잔보다 낮은 위치에 두게 만들었다. 즉, 어려움을 회피한 보기 좋은 표면의 제작자라는 것이다. 특히 말년의 나부 그림들은 반복적이고 뼈대가 없다는 비판을 받았으며, 여성을 욕망의 대상으로 다룬 방식은 1900년과는 완전히 다르게 읽힌다. 그가 인상주의를 버리고 건조한 고전주의로 돌아섰던 경력 중기의 방황은 어떤 이들에게는 용기로, 어떤 이들에게는 10년간의 잘못된 방향으로 읽힌다.

유산

그는 역사상 가장 많이 복제된 화가 중 한 명이며, 이는 그의 업적이자 그가 저평가받는 이유이기도 하다. 비스킷 틴에 그려진 그림들을 걷어내고 나면 남는 것은 인간의 얼굴 위로 햇빛이 어떻게 움직이는지를 유럽 회화에 가르쳐준 장인이며, 고통을 향한 현대의 거대한 흐름에 맞서 즐거움은 살아 있다는 사실에 대한 열등한 진실이 아니라고 주장한 사람이다.