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सुधार भयानक रूप से अनियोजित होता है।
Leo Ornstein बीसवीं सदी के प्रारंभ के एक प्रमुख अमेरिकी प्रायोगिक संगीतकार और पियानोवादक थे। अवांत-गार्द संगीतकारों की रचनाओं के उनके प्रदर्शन और उनकी अपनी नवीन एवं यहाँ तक कि चौंकाने वाली कृतियों ने उन्हें अटलांटिक के दोनों ओर चर्चा का विषय बना दिया।
Ornstein टोन क्लस्टर का व्यापक उपयोग करने वाले पहले महत्वपूर्ण संगीतकार थे। पियानोवादक के रूप में, उन्हें विश्व-स्तरीय प्रतिभा माना जाता था। 1920 के दशक के मध्य तक, वे अपनी प्रसिद्धि से दूर हो गए और शीघ्र ही लोकप्रिय स्मृति से गायब हो गए। यद्यपि उन्होंने चालीस वर्ष की आयु से पहले ही अपना अंतिम सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिया, लेकिन उन्होंने आधी सदी और उससे भी अधिक समय तक संगीत लिखना जारी रखा। दशकों तक काफी हद तक विस्मृत रहने के बाद, 1970 के दशक के मध्य में उन्हें पुनः खोजा गया। Ornstein ने सितंबर 1990 में चौरानवे वर्ष की आयु में अपनी आठवीं और अंतिम पियानो सोनाटा पूरी की, जिससे वे इतिहास में सबसे वृद्ध प्रकाशित संगीतकार बन गए—एक रिकॉर्ड जिसे बाद में Elliott Carter ने तोड़ा।
विषय-सूची 1 प्रारंभिक जीवन 2 प्रसिद्धि और "भविष्यवाद" 3 1920 के दशक में संक्रमण 4 बाद का जीवन 5 यह भी देखें 6 टिप्पणियाँ 7 स्रोत 8 बाहरी लिंक 8.1 श्रवण
प्रारंभिक जीवन
Ornstein का जन्म Kremenchuk में हुआ था, जो Poltava के यूक्रेनी प्रांत का एक बड़ा शहर था, जो तब शाही रूसी शासन के अधीन था। वे एक संगीतमय वातावरण में बड़े हुए—उनके पिता एक यहूदी कैंटर थे, जबकि एक वायलिन वादक चाचा ने युवा बालक की शिक्षा को प्रोत्साहित किया। Ornstein को पियानो पर प्रारंभ में ही एक प्रतिभाशाली बालक के रूप में पहचाना गया; 1902 में, जब प्रसिद्ध पोलिश पियानोवादक Josef Hofmann ने Kremenchuk का दौरा किया, तो उन्होंने छह वर्षीय Ornstein को प्रदर्शन करते सुना। Hofmann ने उन्हें अत्यधिक प्रतिष्ठित St. Petersburg Conservatory के लिए सिफारिश पत्र दिया। इसके तुरंत बाद, Ornstein को Kiev के Imperial School of Music में छात्र के रूप में स्वीकार कर लिया गया, जो तब Vladimir Puchalsky के नेतृत्व में था। परिवार में एक मृत्यु ने Ornstein को घर लौटने के लिए विवश किया। 1903 में, Ossip Gabrilovich ने उन्हें बजाते सुना और उन्हें Moscow Conservatory के लिए सिफारिश की। 1904 में, नौ वर्षीय Ornstein ने St. Petersburg स्कूल के लिए ऑडिशन दिया और उन्हें स्वीकार कर लिया गया। वहाँ उन्होंने Alexander Glazunov के साथ रचना और Anna Yesipova के साथ पियानो का अध्ययन किया। ग्यारह वर्ष की आयु तक, Ornstein ओपेरा गायकों को प्रशिक्षित करके अपना जीवन-यापन कर रहे थे। राष्ट्रवादी और यहूदी-विरोधी संगठन Union of the Russian People द्वारा भड़काए गए नरसंहारों से बचने के लिए, परिवार 24 फरवरी, 1906 को संयुक्त राज्य अमेरिका चला गया—उनकी मृत्यु से ठीक छियानवे वर्ष पहले। वे New York के Lower East Side में बस गए, और Ornstein ने Institute of Musical Art—Juilliard School के पूर्ववर्ती—में दाखिला लिया, जहाँ उन्होंने Bertha Feiring Tapper के साथ पियानो का अध्ययन किया। 1911 में, उन्होंने Bach, Beethoven, Chopin, और Schumann की रचनाओं के साथ New York में एक सराहनीय पदार्पण किया। दो वर्ष बाद Chopin, Grieg, और Poldini की रचनाओं की रिकॉर्डिंग, संगीत इतिहासकार Michael Broyles के अनुसार, "संवेदनशीलता, असाधारण तकनीकी क्षमता और कलात्मक परिपक्वता वाले एक पियानोवादक" को प्रदर्शित करती हैं।
प्रसिद्धि और "भविष्यवाद"
Ornstein शीघ्र ही एक बिल्कुल भिन्न दिशा में बढ़े। उन्होंने असंगत और चौंकाने वाली ध्वनियों वाली रचनाएँ बनानी शुरू कीं। Ornstein स्वयं इन प्रारंभिक रचनाओं से विचलित थे: "मैंने वास्तव में पहले तो अपनी विवेकशीलता पर संदेह किया। मैंने बस कहा, यह क्या है? यह मेरे किसी भी अनुभव से पूरी तरह अलग था।" 27 मार्च, 1914 को, London में, उन्होंने उन कृतियों का पहला सार्वजनिक प्रदर्शन किया जिन्हें तब "भविष्यवादी" कहा जाता था, अब आधुनिकतावादी के रूप में जाना जाता है। Bach के तीन कोरल प्रील्यूड्स की Busoni व्यवस्था और Schoenberg की कई रचनाओं के अतिरिक्त, Ornstein ने अपनी स्वयं की अनेक रचनाएँ बजाईं। संगीत कार्यक्रम ने बड़ी हलचल मचा दी। एक समाचार पत्र ने Ornstein के काम को "Schoenberg और Scriabine के वर्ग का योग" बताया। अन्य कम विश्लेषणात्मक थे: "हमने कभी इतनी असहनीय भयावहता का सामना नहीं किया, जिसे तथाकथित संगीत के रूप में व्यक्त किया गया हो।"
Ornstein के अनुवर्ती प्रदर्शन ने लगभग दंगे की स्थिति उत्पन्न की: "मेरे दूसरे संगीत कार्यक्रम में, जो मेरी अपनी रचनाओं को समर्पित था, मैं कुछ भी बजा सकता था। मैं स्वयं पियानो नहीं सुन सकता था। भीड़ ने सीटी बजाई और चिल्लाया और यहाँ तक कि मंच पर आसपास की वस्तुएँ भी फेंकीं।" हालाँकि, प्रतिक्रिया किसी भी तरह से सर्वत्र नकारात्मक नहीं थी—Musical Standard ने उन्हें "अपने समय के सबसे उल्लेखनीय संगीतकारों में से एक ... यथार्थवाद और मानवता का वह बीज जो प्रतिभा का संकेत है" कहा। अगले वर्ष तक, वे Schoenberg, Scriabin, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel, और Stravinsky की अत्याधुनिक कृतियों के अपने प्रदर्शन के लिए अमेरिकी संगीत परिदृश्य में चर्चा का विषय थे—उनमें से कई U.S. में प्रथम प्रदर्शन, साथ ही उनकी अपनी, और भी अधिक कट्टरपंथी रचनाएँ।
 Wild Men's Dance (लगभग 1913–14) के हिंसक टोन क्लस्टर (Poon Hill Press/Severo Ornstein)
१९१५ से १९२० के दशक की शुरुआत के बीच, जब उन्होंने सार्वजनिक प्रदर्शन लगभग बंद कर दिया, Ornstein अमेरिकी शास्त्रीय संगीत में सर्वाधिक ज्ञात—कुछ दृष्टिकोणों से कुख्यात—हस्तियों में से एक थे। Broyles और Denise Von Glahn के विवरण में, उनका "आकर्षण अपार था। वे लगातार भरे सभागारों—अक्सर दो हज़ार से अधिक श्रोताओं—के समक्ष प्रस्तुति देते थे, कई स्थानों पर 'सत्र की सबसे बड़ी श्रोता उपस्थिति।'" उनकी एकल पियानो रचनाओं जैसे Wild Men's Dance उर्फ Danse Sauvage; लगभग १९१३–१४ और Impressions of the Thames लगभग १९१३–१४ ने शास्त्रीय संगीत रचना में टोन क्लस्टर के एकीकृत उपयोग का मार्ग प्रशस्त किया, जिसे Henry Cowell, Ornstein से तीन वर्ष छोटे, और भी अधिक लोकप्रिय बनाएंगे। विद्वान Gordon Rumson के विवरण में, Wild Men's Dance "उग्र, उच्छृंखल लय की एक रचना है, जो सघन स्वर-गुच्छों... और क्रूर उच्चारणों से निर्मित है। जटिल लय और विशाल टकराते स्वर-समूह पियानो की संपूर्ण सीमा में विचरण करते हैं। यह एक महान कलाविद्ध के लिए एक रचना बनी हुई है जो इसे जलती, उग्र ऊर्जा से भर सके।" Aaron Copland ने इसकी एक प्रस्तुति को अपने किशोरावस्था के उत्तरार्ध का सर्वाधिक विवादास्पद क्षण बताया। २००२ में, एक New York Times समीक्षक ने घोषित किया कि यह "अब भी चौंकाने वाली है।" आलोचक Kyle Gann के अनुसार, Impressions of the Thames, "यदि बनावट में Debussyan है, तो उसमें Debussy की कभी हिम्मत न की गई कर्कश स्वर-संगतियाँ प्रयुक्त हुईं, और साथ ही त्रिस्वर श्रेणी में क्लस्टर और एक निम्न प्रहार जो Charlemagne Palestine की पूर्वसूचना देता है, फिर भी... एकता की विवश भावना के साथ परिवर्तित हुआ।"
"अमूर्त संगीत" के रूप में Ornstein द्वारा वर्णित उदाहरण के रूप में, उनकी Sonata for Violin and Piano १९१५; न कि १९१३ जैसा कि प्रायः ग़लत रूप से दिया जाता है और भी आगे बढ़ी; "कगार तक", जैसा उन्होंने कहा: "मैं कहूंगा कि संगीत को बिल्कुल किनारे तक ले आया था। ... मैंने बस पीछे हट गए और कहा, 'उससे आगे पूर्ण अराजकता है।'" १९१६ में, आलोचक Herbert F. Peyser ने घोषित किया कि "Beethoven और Leo Ornstein के युग के बीच विश्व वास्तव में आगे बढ़ चुका है।" उस वसंत में, Ornstein ने अपने एक समर्थक के New York निवास में श्रृंखलाबद्ध संगीत सभाओं का आयोजन किया; ये संगीत समारोह उन संगीतकार समितियों के लिए निर्णायक पूर्ववृत्त थे जिनके इर्द-गिर्द १९२० के दशक में आधुनिक संगीत परिदृश्य पनपेगा। Ornstein १९१६ में New Orleans भी गए, जहाँ उन्होंने jazz की खोज की। अगले वर्ष, आलोचक James Huneker ने लिखा,
> मैंने कभी नहीं सोचा था कि मैं Arnold Schoenberg को नरम सुनूंगा, फिर भी वे नरम लगते हैं—लगभग संकोची और हिचकिचाते—Ornstein के बाद जो, अत्यंत स्पष्टता से, एकमात्र सच्चे, प्रामाणिक, भविष्यवादी संगीतकार हैं।
"भविष्यवादी" के अतिरिक्त, Ornstein को कभी-कभी—Cowell और उनके वृत्त के अन्य लोगों के साथ—"अति-आधुनिकतावादी" भी कहा जाता था। Baltimore Evening Sun के एक लेख ने उन्हें "अनम्य पियानोवादक, जिसने संपूर्ण संगीत जगत को हिलाकर रख दिया है और जो संभवतः संगीत मंच पर सर्वाधिक चर्चित व्यक्ति हैं" के रूप में संदर्भित किया। The Musical Quarterly में उन्हें "हमारे समय की सर्वाधिक उल्लेखनीय संगीत घटना" बताया गया। स्विस मूल के संगीतकार Ernest Bloch ने उन्हें "अमेरिका में एकमात्र संगीतकार जो प्रतिभा के सकारात्मक लक्षण प्रदर्शित करते हैं" घोषित किया।
१९१८ तक, Ornstein इतने प्रसिद्ध हो चुके थे कि उन पर एक पूर्ण-लंबाई की जीवनी प्रकाशित हुई। Frederick H. Martens द्वारा लिखित पुस्तक न केवल चौबीस वर्ष की आयु में Ornstein की प्रसिद्धि के स्तर को, बल्कि सांस्कृतिक परिदृश्य पर उनके विभाजनकारी प्रभाव को भी सुझाती है:
> Leo Ornstein कई लोगों के लिए एक दुष्ट संगीत प्रतिभा का प्रतिनिधित्व करते हैं जो स्वर-रूढ़िवाद की चरम सीमा से परे, एक विचित्र निर्जन भूमि में भटक रहे हैं जो कुटिल ध्वनि से, भविष्यवादी निराशा के विलाप से, घनवादी चीत्कारों और उत्तर-प्रभाववादी पुकारों और टकरावों से भरी है। वे महान अराजकतावादी, प्रतिमा-भंजक हैं।
Cowell, जो New York में अध्ययन के दौरान Ornstein से मिले थे, एक भव्य बौद्धिक और सांस्कृतिक अभियान के हिस्से के रूप में एक समान रूप से क्रांतिकारी शैली का अनुसरण करेंगे, जिसमें संगीत सिद्धांत पर महत्वाकांक्षी लेखन और अग्रदूत के समर्थन में प्रकाशन और प्रचार प्रयास भी शामिल थे। Ornstein, अमेरिकी शास्त्रीय संगीत के अग्रणी प्रतिमा-भंजक, एक अधिक विलक्षण प्रेरणा का अनुसरण करते रहे: "मैं पूरी तरह से अपनी संगीत-वृत्ति द्वारा निर्देशित हूँ कि मैं क्या महत्वपूर्ण या महत्वहीन महसूस करता हूँ।" इसका प्रमाण यह तथ्य है कि, अपनी अति-आधुनिकतावादी कुख्याति की चरम सीमा पर भी, उन्होंने कई गीतात्मक, स्वरात्मक रचनाएं भी लिखीं, जैसे कि First Sonata for Cello and Piano: "...यह मेरी समझ से परे है।" लगभग तीन-चौथाई शताब्दी बाद Ornstein की मृत्यु के पश्चात् रचना पर टिप्पणी करते हुए, आलोचक Martin Anderson ने लिखा कि यह "शानदार धुनों में Rachmaninov की बराबरी करती है।"
दशक के मोड़ से पहले—संभवतः १९१८ या १९१९ में—Ornstein ने टोन क्लस्टर से संबंधित अपनी सबसे विशिष्ट रचनाओं में से एक, Suicide in an Airplane, का निर्माण किया। इसका स्वरलिपि उच्च-गति वाले बास ओस्टिनाटो पैटर्न के लिए कहता है जिसका उद्देश्य इंजनों की ध्वनि का अनुकरण करना और उड़ान की अनुभूति को पकड़ना है। यह रचना George Antheil की Airplane Sonata १९२३ के लिए एक प्रेरणा के रूप में काम करेगी, जिन्होंने Sonata Sauvage १९२३ जैसी अन्य रचनाओं में Ornstein के प्रभाव को प्रतिबिंबित किया। २००० में लिखते हुए, पियानोवादक और इतिहासकार Joseph Smith ने Suicide in an Airplane को Ornstein की उन रचनाओं में गिना जो "पियानोवादी हिंसा की चरम सीमा का प्रतिनिधित्व करती थीं और अब भी कर सकती हैं।"
1920 के दशक में संक्रमण
Ornstein, थककर चूर होकर, 1920 के दशक की शुरुआत में अपना चर्चित प्रदर्शन कैरियर प्रभावी रूप से त्याग गए। विद्वान Erik Levi लिखते हैं, "उनका संगीत शीघ्र ही भुला दिया गया", जिससे वे "अमेरिकी संगीत जीवन में अनिवार्यतः एक सीमांत व्यक्ति" बनकर रह गए। Broyles के अनुसार, "1920 के दशक के नए संगीत संगठनों के प्रकट होने तक Ornstein अधिकांशतः सेवानिवृत्त हो चुके थे। बहुत जल्दी और बहुत स्वतंत्र होने के कारण, Ornstein को संयुक्त राज्य अमेरिका में आधुनिकतावादी आंदोलन के पकड़ बनाने तक उसमें भाग लेने की बहुत कम इच्छा थी। ... प्रचार या उसकी कमी से बहुत कम परेशान दिखाई दिए। वे केवल अपनी आंतरिक आवाज़ सुनते थे।"
Ornstein की प्राथमिक रचना शैली भी बदल रही थी। बाद के आलोचक Gordon Rumson के अनुसार, उनकी
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संगीत भाषा ने स्वयं को सरलता और कठोरता के बीच एक झिलमिलाते, चमकदार क्रम में संगठित किया। धुनों में एक हिब्रू रंगत है, और Ornstein असंगत और स्वरबद्ध संगीत को साथ-साथ रखने से नहीं हिचकते। शैली का यह परिवर्तन Ornstein के रचनात्मक उपकरणों में से बस एक है। अधिक महत्वपूर्ण रूप से, भावनाओं की एक प्रत्यक्षता है जो संगीत को वास्तव में आकर्षक बनाती है। यह भी उल्लेखनीय है कि उनका संगीत पियानो के लिए आदर्श रूप से लिखा गया है और स्पष्ट रूप से एक महान पियानोवादक का कार्य है।
इस रूपांतरण ने Ornstein के अस्पष्टता में लुप्त होने में योगदान दिया। जिन्हें उन्होंने प्रेरित किया था, उन्होंने अब उन्हें अस्वीकार कर दिया, लगभग उतनी ही प्रबलता से जितनी कि उन आलोचकों ने एक दशक पहले जिन्हें उन्होंने चौंकाया था। Broyles के अनुसार, "वे 1910 के दशक भर में कट्टर आधुनिकतावाद के पोस्टर बॉय रहे थे, और जब उन्होंने उस शैली को अधिक अभिव्यक्तिपूर्ण शैली के लिए त्याग दिया तो अति-आधुनिकतावादियों ने एक तिरस्कृत प्रेमी की तरह प्रतिक्रिया दी"। "यहां तक कि Cowell भी, जो अपने स्वीकार करने वाले स्वभाव के लिए जाने जाते थे, Ornstein को माफ नहीं कर सके।"
न केवल संगीत मंच बल्कि उसके साथ आने वाली आय को भी त्याग कर, Ornstein ने Ampico लेबल के साथ पियानो रोल बनाने के लिए एक विशेष अनुबंध पर हस्ताक्षर किए। उन्होंने Ampico के लिए दो दर्जन से अधिक रोल बनाए, अधिकतर गैर-आधुनिकतावादी प्रदर्शन-सूची के; जिन संगीतकारों का उन्होंने सबसे अधिक बार प्रदर्शन किया वे थे Chopin, Schumann और Liszt। दो रोल में उनकी स्वयं की रचनाएं थीं: Berceuse Cradle Song लगभग 1920–21 और Prélude tragique 1924। Ornstein ने कभी भी, किसी भी प्रारूप में, अपने भविष्यवादी टुकड़ों का एक भी उदाहरण रिकॉर्ड नहीं किया जिन्होंने उन्हें प्रसिद्धि दिलाई थी।
1920 के दशक के मध्य में, Ornstein ने Philadelphia Musical Academy में एक शिक्षण पद स्वीकार करने के लिए New York छोड़ दिया, जो बाद में University of the Arts का हिस्सा बना। इस अवधि के दौरान, उन्होंने अपने कुछ सबसे महत्वपूर्ण कार्य लिखे, जिनमें Piano Concerto शामिल है, जिसे 1925 में Philadelphia Orchestra द्वारा कमीशन किया गया था। दो वर्ष बाद, उन्होंने अपना Piano Quintet निर्मित किया। असंगति के साहसिक उपयोग और जटिल लयबद्ध व्यवस्थाओं से चिह्नित एक महाकाव्य स्वरबद्ध कृति, इसे इस विधा की उत्कृष्ट कृति के रूप में मान्यता प्राप्त है।
उत्तरकालीन जीवन
1930 के दशक की शुरुआत में, Ornstein ने अपना अंतिम सार्वजनिक प्रदर्शन दिया। कुछ वर्षों बाद, उन्होंने और उनकी पत्नी—पूर्व नाम Pauline Cosio Mallet-Prèvost 1892–1985, जो स्वयं भी एक पियानोवादक थीं—ने Philadelphia में Ornstein School of Music की स्थापना की। वहां के छात्रों में, John Coltrane और Jimmy Smith ने बाद में जैज़ में प्रमुख कैरियर बनाए। Ornstein दंपति ने 1953 में अपनी सेवानिवृत्ति के साथ स्कूल बंद होने तक उसे संचालित और पढ़ाया। वे अनिवार्य रूप से 1970 के दशक के मध्य तक सार्वजनिक दृष्टि से गायब हो गए, जब संगीत इतिहासकार Vivian Perlis ने उन्हें खोज निकाला: दंपति Texas के एक ट्रेलर पार्क में सर्दियां बिता रहे थे (उनका New Hampshire में भी एक घर था)। Ornstein संगीत रचना जारी रखे हुए थे; एक शक्तिशाली स्मृति से सुसज्जित होकर भी, वे इसे लिखने में मेहनती नहीं थे और दशकों से इसे प्रचारित करने की कोशिश नहीं की थी। यद्यपि 1910 के दशक के बाद से उनकी शैली काफी नरम हो गई थी, फिर भी इसने अपना अनूठा चरित्र बरकरार रखा था, और उनकी पुनर्खोज के साथ उत्पादकता का एक नया उफान आया। Gann के वर्णन में, अस्सी के दशक में Ornstein द्वारा रचित पियानो कृतियां, जैसे Solitude और Rendezvous at the Lake, ऐसी धुनें प्रदर्शित करती थीं जो "अंतहीन अलंकृत घुमावों से उछलती थीं जो किसी अन्य संगीतकार को याद नहीं दिलाती थीं।"
 Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work (1918) का आवरण, Frederick H. Martens द्वारा
1988 में, बानवे वर्षीय Ornstein ने अपनी सातवीं Piano Sonata लिखी। इस रचना के साथ Ornstein, कुछ वर्षों के अंतर से, Elliott Carter से पूर्व, कभी भी एक महत्वपूर्ण नया कार्य निर्मित करने वाले सबसे वृद्ध प्रकाशित संगीतकार बन गए। 23 सितंबर, 1990 को, चौरानवे वर्ष की आयु में, Ornstein ने अपनी अंतिम कृति, आठवीं Piano Sonata, पूर्ण की। सोनाटा के मूवमेंट्स के नाम न केवल समय के एक असाधारण विस्तार के गुजरने को प्रतिबिंबित करते हैं, बल्कि हास्य की अक्षुण्ण भावना और अन्वेषणात्मक भावना को भी: I. "जीवन की उथल-पुथल और कुछ व्यंग्य के टुकड़े" / II. "अटारी की यात्रा—सदा के लिए खोए बचपन के लिए एक-दो आंसू" a. "बिगुलवादक" / b. "खोए हुए खिलौने के लिए विलाप" / c. "एक अर्ध-विकृत पालना—लोरी" / d. "पहली हिंडोला सवारी और हर्डी-गर्डी की आवाज़ें" / III. "अनुशासन और आशुरचनाएं।" कृति के New York की शुरुआत की समीक्षा करते हुए, आलोचक Anthony Tommasini ने लिखा, "पहले और तीसरे मूवमेंट्स के गर्जनशील उन्माद के बीच, बीच का मूवमेंट अटारी में खोजे गए बचपन की यादगार वस्तुओं पर चार छोटे संगीतमय चिंतनों का एक संग्रह है। यद्यपि पूर्णतः असंगत, स्वर में परिवर्तन साहसिक है और संगीत निरस्त्रीकारक है। दर्शकों ने तल्लीनता से सुना, फिर तालियों में फूट पड़े।"
24 फरवरी, 2002 को, Ornstein का Green Bay, Wisconsin में निधन हो गया। 106 वर्ष की आयु में, वे संगीतकारों में सबसे दीर्घायु में से एक थे।
