Tarsila do Amaral : La peintre qui a dit au Brésil de manger l'Europe

Pour l'anniversaire de son mari en 1928, Tarsila do Amaral lui a peint un monstre : une silhouette à petite tête et bras fins dotée de pieds grotesquement énormes, assise à côté d'un cactus rendu à la fois comme un soleil et une fleur. Elle-même a décrit la disproportion sans détour : "une figure monstrueuse, la petite tête, le petit bras maigre soutenu par un coude, ces énormes longues jambes." Son mari, le poète Oswald de Andrade, a regardé la toile et l'a nommée Abaporu, un terme tupi-guarani signifiant approximativement "l'homme qui mange de la chair humaine." À partir de ce simple cadeau d'anniversaire, il a construit le Manifeste anthropophage, l'un des documents les plus influents de l'histoire de l'art latino-américain, et la peinture de Tarsila en est devenue l'emblème — l'image fondatrice de tout un mouvement construit sur l'idée délibérément provocatrice que le Brésil devrait dévorer la culture européenne plutôt que de l'imiter.

L'argent du café et une éducation inhabituelle

Tarsila de Aguiar do Amaral est née le 1er septembre 1886 à Capivari, une petite ville de la campagne de São Paulo, au sein d'une famille aisée de cultivateurs de café et de propriétaires terriens — une richesse bâtie sur une économie agricole encore, à sa naissance deux ans avant l'abolition, empêtrée dans l'esclavage. Cette fortune familiale lui a offert ce qu'aucune femme brésilienne de sa génération ne recevait : une éducation supérieure sérieuse et une formation internationale. Adolescente, elle a fréquenté l'école à Barcelone, copiant des œuvres d'art des archives de l'école, puis a étudié en privé sous la direction du peintre brésilien Pedro Alexandrino Borges avant de commencer des études d'art formelles à São Paulo en 1916. En 1920, elle est partie à Paris pour étudier à l'Académie Julian, puis a continué en privé auprès de figures majeures de l'avant-garde européenne, dont Fernand Léger, André Lhote et Albert Gleizes — une exposition directe au cubisme, au futurisme et à l'expressionnisme à leurs sources plutôt qu'à une distance coloniale.

Construire un modernisme brésilien

De retour à São Paulo en 1922, Tarsila a rejoint le Grupo dos Cinco, un collectif moderniste aux côtés d'Anita Malfatti, Mário de Andrade, Menotti Del Picchia et Oswald de Andrade, ce qui l'a positionnée au centre de la scène moderniste émergente du Brésil la même année que la légendaire Semana de Arte Moderna. Elle a passé une grande partie de 1923 en Europe avec Oswald de Andrade — les deux se marieraient en 1926 et divorceraient en 1930, un partenariat qui était autant une collaboration artistique qu'un mariage — et ensemble, ils ont voyagé à travers l'intérieur du Brésil en cherchant l'inspiration dans la religion populaire et le rituel populaire, regardant délibérément vers l'intérieur, vers le matériau national, plutôt que seulement vers l'extérieur, vers Paris. C'est durant cette période qu'elle a peint A Negra (1923), une grande silhouette géométriquement aplatie d'une femme noire avec un seul sein stylisé — une œuvre testant déjà comment la technique cubiste européenne pourrait être redirigée pour représenter un sujet distinctement brésilien.

Les années Pau-Brasil et Abaporu

Pendant sa période Pau-Brasil de 1924 à 1926 — nommée d'après le produit d'exportation original du Brésil, le bois-brésil, dans un geste vers l'autodéfinition économique et culturelle — elle a produit des peintures de plus en plus vives et colorées de la vie urbaine et industrielle brésilienne, notamment E.C.F.B. (1924), São Paulo (1924) et Morro de Favela (1924), adaptant le vocabulaire formel qu'elle avait appris à Paris à des paysages et des sujets que le modernisme européen n'avait jamais représentés. Cette trajectoire a culminé avec le cadeau d'anniversaire de 1928 qui est devenu Abaporu, suivi l'année suivante par Antropofagia (1929), qui a fusionné la figure d'Abaporu avec la femme de A Negra sur un fond de flore brésilienne — une fusion visuelle littérale mettant en œuvre la logique "dévoreuse" du manifeste d'Oswald de Andrade, qui appelait les artistes brésiliens à cannibaliser l'influence européenne et à produire quelque chose de véritablement, de syncrétiquement nouveau plutôt que dérivé.

Politique, prison et un tournant ultérieur

L'engagement de Tarsila s'est étendu au-delà de la peinture vers la politique. Après un voyage en Union soviétique en 1932, elle est retournée au Brésil et a participé à la révolte constitutionnaliste de São Paulo contre la dictature de Getúlio Vargas ; ses voyages soviétiques l'ont désignée comme sympathisante communiste suspecte, et elle a été emprisonnée pendant un mois en conséquence. Son travail ultérieur, notamment Segunda Classe (1931), représentant des sujets russes appauvris, a reflété un registre plus ouvertement social et politique que ses toiles anthropophages antérieures. À partir de 1938, elle s'est installée définitivement à São Paulo, de plus en plus concentrée sur les paysages et les gens brésiliens, et elle a écrit une chronique artistique hebdomadaire pour le Diario de São Paulo jusqu'en 1952 — étendant son influence culturelle à la critique en plus de la peinture.

Reconnaissance, précoce et tardive

Tarsila a tenu sa première exposition personnelle à la Galerie Percier à Paris en 1926, suivie d'une seconde en 1928, et sa première exposition personnelle au Brésil au Palace Hotel de Rio de Janeiro en 1929. La reconnaissance s'est approfondie tout au long de sa vie ultérieure et après sa mort : elle a exposé lors de la Biennale de São Paulo inaugurale en 1951, à la Biennale de São Paulo et à la Biennale de Venise en 1963, et a fait l'objet de rétrospectives majeures à l'Art Institute of Chicago en 2017 et, en 2018, au Museum of Modern Art de New York — seulement la huitième artiste latino-américaine que le MoMA avait honorée avec une rétrospective personnelle, après des figures telles que Diego Rivera.

Pourquoi Tarsila est qualifiée de génie

L'affirmation repose sur un acte spécifique de synthèse culturelle plutôt que sur la seule innovation technique : Tarsila a pris le vocabulaire formel le plus avancé de l'avant-garde européenne — la géométrie cubiste, les figures monumentales de Léger, la couleur structurée de Lhote — et l'a redirigé entièrement vers un sujet brésilien, le mythe indigène et l'affirmation de soi postcoloniale, produisant un langage visuel hybride que le conservateur du MoMA, Luis Pérez-Oramas, décrit comme "ingérant délibérément les influences artistiques à la fois de l'art moderne européen et de la culture brésilienne traditionnelle" pour créer quelque chose de "distinctement nouveau, et distinctement brésilien." Abaporu n'a pas simplement illustré le manifeste d'Oswald de Andrade — il l'a généré, un cas inhabituellement direct d'une seule peinture fournissant l'étincelle conceptuelle pour le cadre théorique de tout un mouvement artistique. Le contre-argument honnête est que sa période la plus célèbre a été brève et concentrée à la fin des années 1920, que son travail ultérieur, plus socialement engagé, n'a jamais atteint le même statut canonique, et que son éducation privilégiée — sa formation à Paris et la richesse liée au café de sa famille — lui a offert des opportunités auxquelles presque aucun autre artiste brésilien de son époque n'avait accès, compliquant tout récit de pur génie individuel sans aide des circonstances.

Héritage

Tarsila est décédée à São Paulo le 17 janvier 1973, ayant produit environ 230 peintures ainsi que des centaines de dessins, illustrations et sculptures tout au long de sa carrière. Un cratère sur Mercure porte son nom. Elle est maintenant créditée, sans contestation sérieuse parmi les historiens de l'art latino-américain, d'avoir fait avancer le modernisme sur le continent et d'avoir établi un langage visuel spécifiquement brésilien — un langage qui a donné aux générations ultérieures d'artistes latino-américains la permission de puiser dans le sujet indigène et le matériau national plutôt que de simplement importer le style européen en bloc, exactement la logique "anthropophage" que sa seule peinture d'anniversaire de 1928 avait proposée en premier.