Karl Lagerfeld : Le Kaiser de la réinvention de la mode

Il est arrivé chez Chanel en 1983 pour ressusciter une maison que l'industrie considérait comme une pièce de musée, et l'a quittée, trente-six ans et des centaines de collections plus tard, comme le moteur le plus imité de la mode. Entre-temps, il a dirigé Fendi pendant plus de cinq décennies, lancé sa propre marque, photographié ses propres campagnes et s'est transformé lui-même — queue-de-cheval blanche, lunettes noires, gants sans doigts, col amovible amidonné — en la silhouette la plus reconnaissable de l'industrie qu'il a transformée.

Une enfance à Hambourg, une éducation à Paris

Karl Otto Lagerfeldt est né le 10 septembre 1933 à Hambourg, alors sous le régime nazi ; il a plus tard raccourci le nom de famille car il jugeait "Lagerfeld" plus commercialement attrayant, un signe précoce de l'auto-édition qui allait le définir. Il a suivi une scolarité formelle au Lycée Montaigne à Paris, mais il a crédité sa véritable éducation à la Kunsthalle de Hambourg, affirmant qu'il avait plus appris en visitant constamment le musée qu'il ne l'avait jamais fait dans une salle de classe — une affirmation qui a servi, tout au long de sa vie, d'histoire d'origine pour une sensibilité de design basée sur l'histoire de l'art, la silhouette et la référence plutôt que sur la seule couture technique.

Trois maisons, une carrière

L'ascension de Lagerfeld est passée par des concours avant de passer par des ateliers : en 1954 et 1955, il a remporté les prix de design du Secrétariat international de la laine, ce qui lui a ouvert les portes de Pierre Balmain, où il a été apprenti de 1955 à 1958, puis de Jean Patou, où il a été directeur artistique jusqu'en 1962. À partir de là, il a travaillé en freelance pour plusieurs maisons simultanément, un arrangement inhabituel pour l'époque qui lui a permis de construire des identités parallèles. Chez Chloé, où il est devenu le seul designer en 1974 après avoir rejoint la maison une décennie plus tôt, il a défini un look parisien prêt-à-porter doux et féminin qui a fait de la marque une sensation des années 1970. Chez Fendi, qu'il a rejoint en 1965 et n'a jamais quittée, il a modernisé la fourrure — la traitant comme un tissu à teindre, raser et superposer plutôt que comme un objet de statut à porter de manière rigide — et a conçu le logo aux deux F entrelacés qui marque encore la marque.

Le mouvement décisif a eu lieu en 1983, lorsque la maison Chanel, dormante depuis la mort de Coco Chanel en 1971 et largement considérée comme une relique patrimoniale, a engagé Lagerfeld en tant que directeur artistique. Il a gardé le tweed, le camélia, le sac matelassé et les C entrelacés, puis les a fait exploser : ourlets raccourcis, vestes en jean coupées comme de la haute couture, chaînes retravaillées en ceintures, logo agrandi en bijoux fantaisie. C'était, selon la plupart des comptes de l'industrie, le redressement le plus réussi de la mode moderne — une "marque presque morte", selon les archives historiques, reconstruite en référence commerciale et culturelle de l'industrie. Il a dirigé les lignes de haute couture, de prêt-à-porter et de fourrure de Chanel pendant trente-six ans, a mis en scène des décors de défilés spectaculaires — supermarchés, casinos, fusées — qui ont fait du défilé Chanel lui-même un événement médiatique, et en 1984 a ajouté une quatrième chaise, lançant sa propre marque pour abriter des travaux trop personnels pour Chanel ou Fendi.

Artisanat et idées signatures

Au-delà des maisons, Lagerfeld a laissé des empreintes techniques spécifiques : on lui attribue le mérite d'avoir été le pionnier de la construction de vêtements légers et non doublés dans les années 1970 qui ont libéré les vêtements de soirée de l'architecture intérieure rigide, et d'avoir introduit une construction de buste rembourrée de mousse qui a remodelé la façon dont les corsages étaient construits. Il traitait la chemise blanche comme le vêtement fondamental de la mode — "la base de tout", selon ses propres mots —, une philosophie d'utilité dépouillée sous le spectacle maximaliste qu'il était célèbre pour mettre en scène. Il était aussi, par choix, photographe, réalisant lui-même bon nombre de ses campagnes publicitaires et travaux éditoriaux plutôt que de déléguer la création d'images entourant ses vêtements, étendant sa paternité au-delà du vêtement et dans la façon dont il était perçu.

Le personnage qu'il a construit

Lagerfeld était autant un personnage public construit qu'un designer. Il a assemblé l'uniforme — queue-de-cheval poudrée, lunettes de soleil teintées, cols hauts amidonnés, gants sans doigts — en une identité de marque fixe des décennies avant que le branding personnel ne soit un terme de l'industrie. En 2001, il a perdu environ 93 livres spécifiquement pour pouvoir porter lui-même les silhouettes minces de la mode de l'époque, transformant son propre corps en un projet de design. Il a amassé une bibliothèque personnelle rapportée à quelque 300 000 volumes et a vécu dans des maisons décorées dans des styles Art Déco, Rococo et Memphis tour à tour, traitant les intérieurs comme il traitait les collections — comme des expressions à construire puis à abandonner. Son chat birman, Choupette, est devenu une célébrité à part entière ; Lagerfeld a laissé environ 1,5 million de dollars en provision pour ses soins, un détail qui a voyagé plus loin dans la presse que la plupart des nouvelles de mode qu'il a faites cette année-là.

Reconnaissance

Les honneurs formels de l'industrie se sont accumulés aux côtés des honneurs culturels : le prix Bambi pour la créativité, le prix Fashion Visionary du Couture Council en 2010, le prix Outstanding Achievement du British Fashion Council en 2015 et le prix John B. Fairchild de WWD en 2017. Le verdict institutionnel le plus clair est venu après sa mort, lorsque le Costume Institute du Metropolitan Museum of Art a consacré son thème du Met Gala 2023 à lui — confirmant, selon les propres termes du monde des musées, que son influence avait dépassé le calendrier des défilés pour entrer dans l'histoire de l'art.

Pourquoi Karl est appelé un génie

Le mot attaché à Lagerfeld constamment dans la vie et dans les nécrologies, et il vaut la peine d'être précis sur ce qu'il signifiait. Le sien n'était pas le génie d'un inventeur solitaire avec une idée révolutionnaire ; c'était le génie de l'étendue et de la vitesse — la capacité de diriger trois langages de design distincts (l'héritage codifié de Chanel, l'identité de maison de fourrure de Fendi, sa propre ligne éponyme) à la fois, pendant des décennies, sans que l'un ne s'effondre dans l'autre, tout en dirigeant artistiquement, photographiant et interprétant personnellement la marque. Le propre cadrage d'Artsy sur sa carrière s'appuyait exactement sur ce point, décrivant un "génie créatif" qui s'étendait au-delà de la mode vers la curation, la création d'images et la production culturelle. Le contre-argument honnête est que Lagerfeld a inventé comparativement peu de silhouettes à partir de rien ; sa compétence signature était la synthèse et la réinvention — prendre le vocabulaire existant de Chanel et la base artisanale existante de Fendi et les rééditer sans relâche pour une nouvelle décennie, saison après saison, ce qui est une forme de brillance éditoriale et managériale plutôt qu'une invention originale pure. Les critiques au sein de l'industrie ont parfois noté que ses instincts commerciaux — marchandise, licences, spectacle — dépassaient parfois l'innovation formelle. Ce qui n'est pas contesté, c'est la discipline derrière cela : trois identités créatives, maintenues en parallèle, pendant la majeure partie d'un demi-siècle, sans jamais se fondre dans la monotonie.

Héritage

Lagerfeld est décédé le 19 février 2019 à l'Hôpital américain de Paris des suites de complications d'un cancer de la prostate, ayant demandé aucune funérailles formelles. L'activité de prêt-à-porter de Chanel qu'il a héritée comme une marque presque morte est maintenant la maison patrimoniale la plus précieuse de l'industrie, la ligne de fourrure de Fendi porte toujours le double F qu'il a dessiné en 1965, et l'exposition 2023 du Met a fait de sa méthode de travail — l'histoire de l'art filtrée par le commerce, interprétée à travers une silhouette unique et incomparable — un sujet d'étude muséale à part entière.