Leo Ornstein

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La improvisación es terriblemente azarosa.

Leo Ornstein fue un destacado compositor experimental y pianista estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores vanguardistas y sus propias piezas innovadoras e incluso escandalosas lo convirtieron en una celebridad a ambos lados del Atlántico.

Ornstein fue el primer compositor importante en hacer uso extensivo del cluster tonal. Como pianista, fue considerado un talento de clase mundial. A mediados de la década de 1920, abandonó su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de cumplir cuarenta años, continuó escribiendo música durante otro medio siglo y más. Olvidado en gran medida durante décadas, fue redescubierto a mediados de la década de 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990 a los noventa y cuatro años, convirtiéndose en el compositor publicado más longevo de la historia, una marca posteriormente superada por Elliott Carter.

Contenido 1 Primeros años 2 Fama y "futurismo" 3 Transición en la década de 1920 4 Años posteriores 5 Véase también 6 Notas 7 Fuentes 8 Enlaces externos 8.1 Para escuchar

Primeros años

Ornstein nació en Kremenchuk, una gran ciudad en la provincia ucraniana de Poltava, entonces bajo dominio imperial ruso. Creció en un ambiente musical: su padre era un cantor judío, mientras que un tío violinista alentó los estudios del joven. Ornstein fue reconocido tempranamente como un prodigio del piano; en 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó tocar al pequeño Ornstein de seis años. Hofmann le dio una carta de recomendación para el prestigioso Conservatorio de San Petersburgo. Poco después, Ornstein fue aceptado como alumno en la Escuela Imperial de Música en Kiev, entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilovich lo escuchó tocar y lo recomendó al Conservatorio de Moscú. En 1904, Ornstein, de nueve años, hizo una audición y fue aceptado por la escuela de San Petersburgo. Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova. A los once años, Ornstein se ganaba la vida entrenando cantantes de ópera. Para escapar de los pogromos incitados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso, la familia emigró a Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. Se establecieron en el Lower East Side de Nueva York, y Ornstein se matriculó en el Institute of Musical Art —predecesor de la Juilliard School— donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper. En 1911, hizo un debut neoyorquino muy bien recibido con piezas de Bach, Beethoven, Chopin y Schumann. Grabaciones dos años más tarde de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador musical Michael Broyles, "un pianista de sensibilidad, prodigiosa habilidad técnica y madurez artística".

Fama y "futurismo"

Ornstein pronto se movió en una dirección muy diferente. Comenzó a componer obras que contenían sonidos disonantes y sorprendentes. El propio Ornstein quedó desconcertado por las primeras de estas composiciones: "Realmente dudé de mi cordura al principio. Simplemente dije, ¿qué es eso? Estaba tan completamente alejado de cualquier experiencia que hubiera tenido". El 27 de marzo de 1914, en Londres, dio su primera interpretación pública de obras entonces llamadas "futuristas", ahora conocidas como modernistas. Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg, Ornstein tocó varias de sus propias composiciones. El concierto causó un gran revuelo. Un periódico describió la obra de Ornstein como "la suma de Schoenberg y Scriabine al cuadrado". Otros fueron menos analíticos: "Nunca hemos sufrido una fealdad tan insufrible, expresada en términos de la llamada música".

La siguiente actuación de Ornstein provocó casi un disturbio: "En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa. Yo mismo no podía oír el piano. La multitud silbaba y aullaba e incluso lanzó proyectiles al escenario". Sin embargo, la reacción no fue universalmente negativa: el Musical Standard lo llamó "uno de los compositores más notables de la época... ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genio". Para el año siguiente, era la sensación de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras vanguardistas de Schoenberg, Scriabin, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel y Stravinsky, muchas de ellas estrenos en Estados Unidos, así como sus propias composiciones aún más radicales.

 Los violentos clusters tonales de Wild Men's Dance (ca. 1913–14) (Poon Hill Press/Severo Ornstein) Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando virtualmente dejó de actuar en público, Ornstein era una de las figuras más conocidas —bajo cierta perspectiva, notorias— de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "poder de convocatoria era inmenso. Actuaba constantemente ante salas repletas, a menudo de más de dos mil personas, en muchos lugares 'el público más numeroso de la temporada'". Sus piezas para piano solo como Wild Men's Dance también conocida como Danse Sauvage; ca. 1913–14 e Impressions of the Thames ca. 1913–14 fueron pioneras en el uso integrado del clúster de tonos en la composición de música clásica, recurso que Henry Cowell, tres años menor que Ornstein, popularizaría aún más. En la descripción del académico Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente e indómito, compuesta por densos clústeres de acordes... y acentos brutales. Ritmos complejos y gigantescos acordes estruendosos recorren todo el registro del piano. Esta sigue siendo una obra para un gran virtuoso capaz de imbuirla de una energía ardiente y feroz". Aaron Copland recordó una interpretación de la misma como el momento más controvertido de sus últimos años de adolescencia. En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo una obra impactante". Según el crítico Kyle Gann, Impressions of the Thames, "si bien debussyana en sus texturas, utilizaba acordes más ásperos de los que Debussy jamás osó emplear, además de clústeres en el registro agudo y un golpeteo grave que presagió a Charlemagne Palestine, pero modulaba... con un sentido de unidad convincente".

Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para Violín y Piano 1915; no 1913 como erróneamente se indica con frecuencia fue aún más lejos; "hasta el borde", como él mismo expresó: "Diría que había llevado la música justo hasta el límite mismo... Simplemente me eché atrás y dije: 'más allá de eso yace el caos absoluto'". En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo, en efecto, ha avanzado entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". Esa primavera, Ornstein ofreció una serie de recitales en el hogar neoyorquino de uno de sus patrocinadores; estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales florecería la escena de música moderna en la década de 1920. Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz. Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:

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Nunca pensé que viviría para escuchar a Arnold Schoenberg sonar apagado, sin embargo apagado suena —casi tímido y vacilante— después de Ornstein, quien es, enfáticamente, el único compositor Futurista auténtico, genuino y de pura cepa vivo.

Además de "futurista", Ornstein también fue etiquetado en ocasiones —junto con Cowell y otros de su círculo— como "ultramodernista". Un artículo en el Baltimore Evening Sun se refirió a él como "el pianista intransigente, que ha puesto de cabeza al mundo musical entero y que probablemente sea la figura más discutida del escenario concertístico". En The Musical Quarterly fue descrito como "el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo". El compositor de origen suizo Ernest Bloch lo declaró "el único compositor en Estados Unidos que muestra signos positivos de genialidad".

Para 1918, Ornstein era lo suficientemente renombrado como para que se publicara una biografía completa sobre él. El libro, de Frederick H. Martens, sugiere no solo el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su efecto divisivo en la escena cultural:

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Leo Ornstein representa para muchos un genio musical perverso que deambula más allá de los límites de la ortodoxia tonal, en una extraña Tierra de Nadie atormentada por sonidos tortuosos, por lamentos de desesperación futurista, por alaridos cubistas y gritos y estruendos posimpresionistas. Él es el gran anarquista, el iconoclasta.

Cowell, que había conocido a Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, perseguiría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también involucraba ambiciosos escritos sobre teoría musical y esfuerzos editoriales y promocionales en apoyo de la vanguardia. Ornstein, el iconoclasta vanguardista de la música clásica estadounidense, siguió una musa mucho más idiosincrática: "Me guío enteramente por mi instinto musical en cuanto a lo que siento que es consecuente o inconsecuente". Prueba de ello es el hecho de que, incluso en el apogeo de su notoriedad ultramodernista, también escribió varias obras líricas y tonales, como la Primera Sonata para Violonchelo y Piano: "está más allá de mi comprensión". Al comentar sobre la pieza tras la muerte de Ornstein aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "rivaliza con la de Rachmaninov en melodías magníficas".

Antes del cambio de década —probablemente en 1918 o 1919— Ornstein produjo una de sus obras más distintivas que involucran clústeres de tonos, Suicide in an Airplane. Su partitura requiere un patrón de ostinato en el bajo a alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación del vuelo. La pieza serviría de inspiración para la Airplane Sonata 1923 de George Antheil, quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como Sonata Sauvage 1923. Escribiendo en 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicide in an Airplane entre aquellas piezas de Ornstein que "representaron y pueden aún representar el ne plus ultra de la violencia pianística".

Transición en la década de 1920

Ornstein, agotado, abandonó efectivamente su célebre carrera como intérprete a principios de la década de 1920. Su "música pronto fue olvidada", escribe el académico Erik Levi, dejándolo como "una figura esencialmente periférica en la vida musical estadounidense". Como describe Broyles, "Ornstein se había retirado en su mayor parte cuando aparecieron las nuevas organizaciones musicales de la década de 1920. Demasiado temprano y demasiado independiente, Ornstein tenía poco deseo de participar en el movimiento modernista para cuando este arraigó en Estados Unidos. ... parecía poco perturbado por la publicidad o la falta de ella. Solo escuchaba su propia voz".

El estilo compositivo primario de Ornstein también estaba cambiando. Como describe el crítico contemporáneo Gordon Rumson, su

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lenguaje musical se organizó en una gradación reluciente y luminosa entre la simplicidad y la dureza. Las melodías tienen un matiz hebreo, y Ornstein no rehúye colocar música disonante y tonal lado a lado. Este cambio de estilo es solo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una inmediatez emocional que hace que la música sea genuinamente atractiva. También debe señalarse que su música está idealmente escrita para el piano y es claramente obra de un pianista maestro.

Esta transformación contribuyó al desvanecimiento de Ornstein en la oscuridad. Aquellos a quienes había inspirado ahora lo rechazaban, casi tan vehementemente como los críticos a quienes había escandalizado una década antes. "Había sido el símbolo del modernismo radical durante toda la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despechado", según Broyles. "Ni siquiera Cowell, conocido por su temperamento tolerante, pudo perdonar a Ornstein".

Habiendo abandonado no solo el escenario de conciertos, sino también los ingresos que lo acompañaban, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para hacer rollos de piano. Realizó más de dos docenas de rollos para Ampico, en su mayoría de un repertorio no modernista; los compositores que interpretó con más frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt. Dos rollos contenían sus propias composiciones: Berceuse Cradle Song ca. 1920–21 y Prélude tragique 1924. Ornstein nunca grabó, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que le habían traído la fama.

A mediados de la década de 1920, Ornstein dejó Nueva York para aceptar un puesto de enseñanza en la Philadelphia Musical Academy, posteriormente parte de la University of the Arts. Durante este período, escribió algunas de sus obras más importantes, incluido el Piano Concerto, encargado por la Philadelphia Orchestra en 1925. Dos años después, produjo su Piano Quintet. Una épica obra tonal marcada por un uso aventurero de la disonancia y arreglos rítmicos complejos, es reconocida como una obra maestra del género.

Últimos años

A principios de la década de 1930, Ornstein dio su última actuación pública. Unos años después, él y su esposa —la antigua Pauline Cosio Mallet-Prèvost 1892–1985, también pianista— fundaron la Ornstein School of Music en Filadelfia. Entre los estudiantes allí, John Coltrane y Jimmy Smith continuarían carreras importantes en el jazz. Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta que cerró con su jubilación en 1953. Esencialmente desaparecieron de la vista pública hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora musical Vivian Perlis: la pareja pasaba el invierno en un parque de casas rodantes en Texas también tenían una casa en New Hampshire. Ornstein había continuado componiendo música; equipado con una memoria poderosa, no era diligente en escribirlo todo y no había buscado publicitarlo durante décadas. Aunque su estilo se había moderado enormemente desde la década de 1910, conservaba su carácter único, y con su redescubrimiento llegó una nueva explosión de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein en sus ochenta años, como Solitude y Rendezvous at the Lake, presentaban melodías que "brotaban a través de interminables florituras ornamentadas que no traían a la mente a ningún otro compositor".

 Portada de Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work (1918), de Frederick H. Martens

En 1988, Ornstein, de noventa y dos años, escribió su Seventh Piano Sonata. Con esta composición Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado de mayor edad, hasta Elliott Carter, en producir una obra nueva sustancial. El 23 de septiembre de 1990, a los noventa y cuatro años, Ornstein completó su obra final, la Eighth Piano Sonata. Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no solo el paso de un lapso de tiempo notable, sino un sentido del humor y espíritu exploratorio intactos: I. "Life's Turmoil and a Few Bits of Satire" / II. "A Trip to the Attic—A Tear or Two for a Childhood Forever Gone" a. "The Bugler" / b. "A Lament for a Lost Toy" / c. "A Half-Mutilated Cradle—Berceuse" / d. "First Carousel Ride and Sounds of a Hurdy-Gurdy" / III. "Disciplines and Improvisations". Al reseñar el debut neoyorquino de la obra, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura rugiente del primer y tercer movimientos, el movimiento intermedio es una suite de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de infancia descubiertos en un ático. Aunque completamente incongruente, el cambio de tono es audaz y la música desarmante. La audiencia escuchó con atención, luego estalló en aplausos".

El 24 de febrero de 2002, Ornstein murió en Green Bay, Wisconsin. A los 106 años, fue uno de los compositores más longevos.