Pierre-Auguste Renoir: Das Vergnügen ernst genommen

Während zweier Sommer in den Jahren 1880 und 1881 versammelte Renoir auf der Terrasse der Maison Fournaise in Chatou vierzehn Personen um einen Tisch mit Austern und halb ausgetrunkenem Wein. Seine zukünftige Frau Aline Charigot spielt mit einem Terrier. Der Maler Gustave Caillebotte sitzt rittlings auf einem Stuhl. Es gibt eine Schauspielerin, einen Bankier, einen Dichter, einen Kavallerieoffizier und den Sohn des Gastwirts. Das Frühstück der Ruderer ist ein Gruppenporträt, ein Stillleben und eine Landschaft, verschmolzen auf einer einzigen Leinwand, und es bleibt das überzeugendste Argument dafür, dass alltägliches Glück ein geeignetes Thema für große Kunst ist.

Von Limoges bis zur Porzellanbank

Er wurde am 25. Februar 1841 in Limoges als Sohn des Schneiders Léonard und der Näherin Marguerite geboren. Die Familie zog auf der Suche nach besseren Aussichten nach Paris. Mit dreizehn Jahren begann er eine Lehre in einer Keramikwerkstatt, in der er dekorative Motive auf feines Porzellan malte – eine Ausbildung in flachen, hellen, dekorativen Farben, die sein Staffeleiwerk nie ganz verließ. Dann kam die Maschinentechnologie und zerstörte das Handwerk. Er nahm abends an kostenlosen Kunstkursen teil, lernte nach Feierabend Ölmalerei und finanzierte sich ab 1860 durch das Kopieren von Bildern im Louvre.

Es lohnt sich, hier innezuhalten. Renoir war kein Bohèmien, der Armut als Pose wählte. Er war ein Handwerker aus der Arbeiterklasse, der durch die Industrialisierung verdrängt wurde und den Weg zur Malerei durch die Hintertür des Handwerks fand.

Gleyres Atelier und der Fluss

Im Atelier des Schweizer Malers Charles Gleyre traf er Alfred Sisley, Frédéric Bazille und Claude Monet; durch Monet kamen Pissarro, Degas und Cézanne hinzu. Bazille teilte 1865 ein Atelier mit ihm und übernahm den Großteil der Kosten. Der Salon akzeptierte 1864 La Esmeralda – die Renoir später zerstörte –, dann eine Landschaft und ein Porträt im Jahr 1865, danach ein Porträt seiner Geliebten Lise Tréhot im Jahr 1867.

Der entscheidende Sommer war 1869, als Renoir zwei Monate lang zusammen mit Monet in La Grenouillère malte, einem Badeort an der Seine. Zwei Männer bauten ihre Staffeleien nebeneinander auf und arbeiteten am selben Wasser, denselben Booten, demselben gesprenkelten Licht. Was von diesen Staffeleien kam – gebrochene Berührungen reiner Farbe, die für Reflexionen stehen, anstatt Objekte zu beschreiben – ist so nah an einem Geburtszertifikat, wie der Impressionismus es hat. Der Deutsch-Französische Krieg unterbrach alles; Renoir diente, erkrankte an Ruhr und wurde in eine Kavallerieeinheit in Bordeaux versetzt.

Die impressionistischen Jahre und der Ausstieg

Im April 1874 zeigte er sechs Werke bei der ersten impressionistischen Ausstellung und verkaufte zwei. Eine Auktion impressionistischer Werke im Jahr 1875 floppte. Tanz im Moulin de la Galette (1876) fing einen Montmartre-Hof an einem Sonntagnachmittag in wechselnden Licht- und Schattenflecken ein, die Kritiker für unleserlich hielten.

Dann kehrte er dem den Rücken. Renoir zog sich nach 1877 zurück und weigerte sich, an der Ausstellung von 1878 teilzunehmen, da er an der Beständigkeit der Gruppe zweifelte und sich stattdessen Porträtaufträgen zuwandte, die bezahlt wurden. Es war das erste Anzeichen eines Temperaments, das oft mit Gelassenheit verwechselt wurde: Er war tatsächlich ruhelos und gab eine Manier immer wieder auf, sobald sie automatisch zu werden begann.

Italien und der herbe Stil

1881 reiste er nach Algerien und war überwältigt vom nordafrikanischen Licht. Später im selben Jahr bereiste er Italien, malte Richard Wagner in Sizilien und kehrte verliebt in Raffael und Pompeji nach Hause zurück. "Das Problem mit Italien ist, dass es zu schön ist", beklagte er sich. "Warum sich die Mühe machen zu malen, wenn es so viel Vergnügen gibt?"

Was folgte, ist das umstrittenste Jahrzehnt seiner Karriere. Renoir straffte seine Konturen, verschärfte seine Zeichnung und produzierte scharf umrissene Figuren in dem, was die Franzosen seine manière aigre nennen – seine herbe oder trockene Manier. Liegender Akt aus der Mitte der 1880er Jahre und die großen Badenden gehören zu dieser Auseinandersetzung mit der klassischen Tradition. Er arbeitete mit Cézanne in L'Estaque; 1882 litt er an einer Lungenentzündung. Bis in die 1890er Jahre hatte er die beiden Impulse – impressionistische Farbe mit skulpturaler Form – in Leinwänden wie Zwei junge Mädchen am Klavier (1892) synthetisiert.

Ein später Haushalt

Aline Charigot wurde 1881 sein Modell und seine Geliebte; sie heirateten im April 1890. Pierre kam im März 1885 zur Welt, Jean – später einer der größten Filmregisseure – im September 1894, und Claude, genannt Coco, im Jahr 1901. 1895 mietete die Familie ein großes Haus in Essoyes, das sie später kaufte, während sie die Pariser Wohnung behielt.

Die Anerkennung stellte sich schließlich ein. Der französische Staat kaufte 1888 Junge Mädchen am Klavier für das Musée du Luxembourg. Ihm wurde 1890 die Ehrenlegion angeboten, die er ablehnte, 1900 nahm er sie an, und bis dahin erzielten seine Bilder etwa den doppelten Preis derer anderer Impressionisten. Ausstellungen in London, Berlin und Boston hatten 1883 begonnen. Der Schneiderssohn aus Limoges starb als reicher Mann.

Malen gegen den Körper

Die ersten Symptome von rheumatoider Arthritis traten im Dezember 1888 auf, als er siebenundvierzig war. Die Krankheit bestimmte die letzten drei Jahrzehnte seines Lebens. Er zog in den Süden, kaufte 1907 Les Collettes in Cagnes-sur-Mer, erlitt 1912 einen Schlaganfall, erholte sich soweit, dass er wieder malen konnte, und arbeitete zunehmend vom Rollstuhl aus. Da er Ton nicht selbst modellieren konnte, begann er mit der Bildhauerei, indem er die Hände eines jungen Assistenten, Richard Guino, anleitete.

Der Krieg nahm den Rest. Sowohl Pierre als auch Jean wurden 1914 eingezogen und schwer verwundet; Aline starb an einem Herzinfarkt, nachdem sie sie im Krankenhaus besucht hatte. Renoir malte weiter Akte, Porträts wie Tilla Durieux (1914) und Landschaften in warmen Tönen, bis ihn am 3. Dezember 1919 eine Lungenentzündung in Cagnes tötete.

Warum Pierre-Auguste ein Genie genannt wird

Die spezifische Fähigkeit war chromatisch – eine fast physiologische Sensibilität dafür, wie sich farbiges Licht auf Haut, Stoff und Wasser verhält, und die technischen Mittel, es festzuhalten, ohne es abzutöten. Renoir konnte Fleisch warm und bewohnt wirken lassen, statt nur wie Pigment. "Ich glaube nie, dass ich einen Akt beendet habe, bis ich glaube, dass ich ihn kneifen könnte", sagte er. In Das Frühstück der Ruderer tat er etwas, das fast niemandem gelingt: vierzehn individuell charakterisierte Figuren, ein Stillleben und eine Flusslandschaft in einem kohärenten Design gehalten, ohne dass eines der drei die anderen überlagerte. Duncan Phillips, der es 1923 kaufte, sagte, es würde "mehr Gutes tun, um Interesse und Unterstützung" für seine Galerie zu wecken, "als der Rest unserer Sammlung zusammen".

Das Gegenargument hat Gewicht. Renoir war ein Intuitiver, kein Theoretiker, und er sagte es mit einer Direktheit, die seine Bewunderer in Verlegenheit gebracht hat: "Ich denke, ein Bild sollte eine entzückende Sache sein, fröhlich und hübsch – ja, hübsch!" Dieses Credo und die enorme dekorative Popularität, die es hervorbrachte, haben seriöse Kritiker dazu veranlasst, ihn unter Monet, Degas und Cézanne einzustufen – ein Schöpfer angenehmer Oberflächen, der vor Schwierigkeiten zurückschreckte. Besonders seine späten Akte wurden als repetitiv und knochenlos kritisiert, und seine Behandlung von Frauen als Objekte des Begehrens liest sich heute ganz anders als im Jahr 1900. Seine Zweifel in der Mitte seiner Karriere, als er den Impressionismus für einen trockenen Klassizismus aufgab, werden von manchen als Mut und von anderen als ein Jahrzehnt der Irreführung gedeutet.

Vermächtnis

Er gehört zu den meistreproduzierten Malern, die je gelebt haben, was sowohl seine Leistung als auch der Grund ist, warum er herablassend behandelt wird. Wenn man die Keksdosen wegstreicht, bleibt ein Handwerker, der der europäischen Malerei lehrte, wie sich das Sonnenlicht über ein menschliches Gesicht bewegt, und der darauf bestand – gegen den gesamten modernen Strom in Richtung Qual –, dass Freude keine geringere Wahrheit über das Leben ist.