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Improvisation ist furchtbar unberechenbar.
Leo Ornstein war ein führender amerikanischer experimenteller Komponist und Pianist des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Seine Aufführungen von Werken avantgardistischer Komponisten und seine eigenen innovativen und sogar schockierenden Stücke machten ihn auf beiden Seiten des Atlantiks zur Berühmtheit.
Ornstein war der erste bedeutende Komponist, der ausgiebig Gebrauch vom Toncluster machte. Als Pianist galt er als Weltklassetalent. Mitte der 1920er Jahre kehrte er seinem Ruhm den Rücken und verschwand bald aus dem öffentlichen Gedächtnis. Obwohl er sein letztes öffentliches Konzert vor seinem vierzigsten Lebensjahr gab, komponierte er noch ein weiteres halbes Jahrhundert und darüber hinaus. Jahrzehntelang weitgehend vergessen, wurde er Mitte der 1970er Jahre wiederentdeckt. Ornstein vollendete seine achte und letzte Klaviersonate im September 1990 im Alter von vierundneunzig Jahren, was ihn zum ältesten veröffentlichten Komponisten der Geschichte machte – eine Marke, die inzwischen von Elliott Carter übertroffen wurde.
Inhalte 1 Frühe Jahre 2 Ruhm und „Futurismus" 3 Übergang in den 1920er Jahren 4 Späte Jahre 5 Siehe auch 6 Anmerkungen 7 Quellen 8 Externe Links 8.1 Hörproben
Frühe Jahre
Ornstein wurde in Krementschuk geboren, einer großen Stadt in der ukrainischen Provinz Poltawa, die damals unter russisch-kaiserlicher Herrschaft stand. Er wuchs in einem musikalischen Umfeld auf – sein Vater war jüdischer Kantor, während ein Onkel, der Geiger war, die Studien des jungen Knaben förderte. Ornstein wurde früh als Wunderkind am Klavier erkannt; 1902, als der gefeierte polnische Pianist Josef Hofmann Krementschuk besuchte, hörte er den sechsjährigen Ornstein spielen. Hofmann gab ihm ein Empfehlungsschreiben für das hochgeschätzte St. Petersburger Konservatorium. Kurz darauf wurde Ornstein als Schüler an der Kaiserlichen Musikschule in Kiew aufgenommen, die damals von Wladimir Putschalski geleitet wurde. Ein Todesfall in der Familie zwang Ornstein zur Rückkehr nach Hause. 1903 hörte ihn Ossip Gabrilowitsch spielen und empfahl ihn dem Moskauer Konservatorium. 1904 bestand der neunjährige Ornstein das Vorspielen an der St. Petersburger Schule und wurde aufgenommen. Dort studierte er Komposition bei Alexander Glasunow und Klavier bei Anna Jessipowa. Im Alter von elf Jahren verdiente Ornstein seinen Lebensunterhalt damit, Opernsänger zu coachen. Um den Pogromen zu entkommen, die von der nationalistischen und antisemitischen Organisation Union des russischen Volkes angestiftet wurden, emigrierte die Familie am 24. Februar 1906 in die Vereinigten Staaten – exakt sechsundneunzig Jahre vor seinem Tod. Sie ließen sich in New Yorks Lower East Side nieder, und Ornstein schrieb sich am Institute of Musical Art ein – dem Vorgänger der Juilliard School –, wo er Klavier bei Bertha Feiring Tapper studierte. 1911 gab er ein vielbeachtetes New Yorker Debüt mit Stücken von Bach, Beethoven, Chopin und Schumann. Aufnahmen zwei Jahre später von Werken Chopins, Griegs und Poldinis zeigen laut dem Musikhistoriker Michael Broyles „einen Pianisten von Sensibilität, prodigioser technischer Fähigkeit und künstlerischer Reife."
Ruhm und „Futurismus"
Ornstein schlug bald eine ganz andere Richtung ein. Er begann, Werke zu komponieren, die dissonante und verstörende Klänge enthielten. Ornstein selbst war von den frühesten dieser Kompositionen verunsichert: „Ich zweifelte wirklich zuerst an meinem Verstand. Ich sagte einfach nur, was ist das? Es war so vollkommen entfernt von jeder Erfahrung, die ich je gemacht hatte." Am 27. März 1914 gab er in London seine erste öffentliche Aufführung von Werken, die damals als „futuristisch" bezeichnet wurden und heute als modernistisch bekannt sind. Neben einer Busoni-Bearbeitung dreier Bach-Choralvorspiele und mehreren Stücken von Schönberg spielte Ornstein eine Reihe seiner eigenen Kompositionen. Das Konzert verursachte großes Aufsehen. Eine Zeitung beschrieb Ornsteins Werk als „die Summe von Schönberg und Skrjabin zum Quadrat." Andere waren weniger analytisch: „Wir haben noch nie unter solch unerträglicher Abscheulichkeit gelitten, ausgedrückt in Form sogenannter Musik."
Ornsteins Folgeauftritt provozierte beinahe einen Aufruhr: „Bei meinem zweiten Konzert, das meinen eigenen Kompositionen gewidmet war, hätte ich alles spielen können. Ich konnte das Klavier selbst nicht hören. Die Menge pfiff und heulte und warf sogar greifbare Wurfgeschosse auf die Bühne." Die Reaktion war jedoch keineswegs durchweg negativ – der Musical Standard nannte ihn „einen der bemerkenswertesten Komponisten der Gegenwart ... jener Keim von Realismus und Menschlichkeit, der auf Genialität hinweist." Bereits im folgenden Jahr war er das Stadtgespräch der amerikanischen Musikszene für seine Aufführungen bahnbrechender Werke von Schönberg, Skrjabin, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel und Strawinsky – viele davon US-Premieren –, sowie für seine eigenen, noch radikaleren Kompositionen.
 Die gewaltsamen Toncluster von Wild Men's Dance (ca. 1913–14) (Poon Hill Press/Severo Ornstein) Zwischen 1915 und den frühen 1920er Jahren, als er praktisch aufhörte, öffentlich aufzutreten, war Ornstein eine der bekanntesten – manche würden sagen: berüchtigtsten – Persönlichkeiten der amerikanischen klassischen Musik. Nach der Darstellung von Broyles und Denise Von Glahn war „seine Anziehungskraft immens. Er trat ständig vor ausverkauften Sälen auf, oft mehr als zweitausend Zuhörer, vielerorts das ‚größte Publikum der Saison'." Seine Soloklavierstücke wie Wild Men's Dance alias Danse Sauvage; ca. 1913–14 und Impressions of the Thames ca. 1913–14 waren Pionierarbeiten für den integrierten Einsatz des Tontraubenclusters in der klassischen Musikkomposition, den Henry Cowell, drei Jahre jünger als Ornstein, noch stärker popularisieren sollte. Nach der Darstellung des Wissenschaftlers Gordon Rumson ist Wild Men's Dance ein „Werk von vehementem, widerspenstigem Rhythmus, zusammengesetzt aus dichten Akkordclustern ... und brutalen Akzenten. Komplexe Rhythmen und gigantische krachende Akkorde durchqueren die gesamte Klaviatur. Es bleibt ein Werk für einen großen Virtuosen, der es mit brennender, wilder Energie zu erfüllen vermag." Aaron Copland erinnerte sich an eine Aufführung davon als den kontroversesten Moment seiner späten Jugendjahre. 2002 erklärte ein Kritiker der New York Times, das Stück „bleibt ein Schock." Laut Kritiker Kyle Gann verwendete Impressions of the Thames, „wenn auch debussysch in seinen Texturen, stachligere Akkorde, als Debussy sich je getraut hatte, sowie Cluster im Diskantbereich und ein tiefes Hämmern, das Charlemagne Palestine vorwegnahm, und modulierte dennoch ... mit einem zwingenden Gefühl für Einheit."
Als Beispiel dessen, was Ornstein als „abstrakte Musik" beschrieb, ging seine Sonata for Violin and Piano 1915; nicht 1913, wie oft fälschlich angegeben noch weiter; „bis an den Rand", wie er es formulierte: „Ich würde sagen, dass ich die Musik bis an die äußerste Grenze gebracht habe. ... Ich zog mich einfach zurück und sagte: ‚Dahinter liegt vollständiges Chaos.'" 1916 erklärte der Kritiker Herbert F. Peyser, dass „sich die Welt tatsächlich bewegt hat zwischen der Epoche Beethovens und der von Leo Ornstein." Im selben Frühjahr gab Ornstein eine Reihe von Konzerten im New Yorker Haus eines seiner Fürsprecher; diese Konzerte waren entscheidende Präzedenzfälle für die Komponistenvereinigungen, um die herum die moderne Musikszene in den 1920er Jahren florieren sollte. Ornstein reiste 1916 auch nach New Orleans, wo er den Jazz entdeckte. Im darauffolgenden Jahr schrieb der Kritiker James Huneker,
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Ich hätte nie gedacht, dass ich noch erleben würde, wie Arnold Schoenberg zahm klingt, doch zahm klingt er – beinahe schüchtern und zögerlich – nach Ornstein, der ganz entschieden der einzige waschechte, genuine Futurist-Komponist ist, der am Leben ist.
Neben „Futurist" wurde Ornstein – zusammen mit Cowell und anderen in ihrem Umkreis – mitunter auch als „Ultra-Modernist" bezeichnet. Ein Artikel in der Baltimore Evening Sun bezeichnete ihn als „den kompromisslosen Pianisten, der die gesamte Musikwelt in Aufruhr versetzt hat und der wahrscheinlich die meistdiskutierte Figur auf der Konzertbühne ist." In The Musical Quarterly wurde er als „das hervorstechendste musikalische Phänomen unserer Zeit" beschrieben. Der gebürtige Schweizer Komponist Ernest Bloch erklärte ihn zum „einzigen Komponisten in Amerika, der positive Anzeichen von Genie zeigt."
Bis 1918 war Ornstein so bekannt, dass eine vollständige Biographie über ihn veröffentlicht wurde. Das Buch von Frederick H. Martens deutet nicht nur auf das Ausmaß von Ornsteins Ruhm im Alter von vierundzwanzig Jahren hin, sondern auch auf seine polarisierende Wirkung auf die Kulturszene:
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Leo Ornstein repräsentiert für viele ein böses musikalisches Genie, das außerhalb der äußersten Grenzen tonaler Orthodoxie wandert, in einem seltsamen Niemandsland, heimgesucht von gewundenem Klang, mit futuristischen Verzweiflungsschreien, kubistischen Schreien und postimpressionistischen Rufen und Krachen. Er ist der große Anarchist, der Ikonoklast.
Cowell, der Ornstein während seines Studiums in New York begegnet war, sollte einen ähnlich radikalen Stil als Teil einer großen intellektuellen und kulturellen Mission verfolgen, die auch ambitionierte musiktheoretische Schriften sowie Verlags- und Fördermaßnahmen zugunsten der Avantgarde umfasste. Ornstein, der avantgardistische Ikonoklast der amerikanischen klassischen Musik, folgte einer wesentlich eigenwilligeren Muse: „Ich werde gänzlich von meinem musikalischen Instinkt geleitet, was ich für wesentlich oder unwesentlich halte." Ein Beleg dafür ist die Tatsache, dass er selbst auf dem Höhepunkt seiner ultra-modernistischen Berühmtheit auch mehrere lyrische, tonale Werke schrieb, wie etwa die First Sonata for Cello and Piano: „... es übersteigt mein Verständnis." Als er das Stück etwa dreivierteljahrhundert nach Ornsteins Tod kommentierte, schrieb Kritiker Martin Anderson, es „rivalisiere mit Rachmaninows in herrlichen Melodien."
Vor der Jahrhundertwende – vermutlich 1918 oder 1919 – schuf Ornstein eines seiner markantesten Werke mit Tontraubenclustern, Suicide in an Airplane. Die Partitur verlangt ein hochgeschwindigkeitsmäßiges Bass-Ostinato-Muster, das den Klang von Motoren simulieren und das Fluggefühl einfangen soll. Das Stück sollte als Inspiration für die Airplane Sonata 1923 von George Antheil dienen, der Ornsteins Einfluss in anderen Werken wie Sonata Sauvage 1923 widerspiegelte. Der Pianist und Historiker Joseph Smith zählte im Jahr 2000 Suicide in an Airplane zu jenen Stücken Ornsteins, die „das ne plus ultra pianistischer Gewalt repräsentierten und möglicherweise noch immer repräsentieren."
Übergang in den 1920er Jahren
Ornstein, ausgebrannt, gab seine gefeierte Konzertkarriere in den frühen 1920er Jahren faktisch auf. Seine „Musik geriet bald in Vergessenheit", schreibt der Wissenschaftler Erik Levi, was ihn zu „einer im Wesentlichen peripheren Figur im amerikanischen Musikleben" machte. Wie Broyles beschreibt, „hatte sich Ornstein größtenteils zurückgezogen, als die neuen Musikorganisationen der 1920er Jahre entstanden. Zu früh und zu unabhängig hatte Ornstein wenig Verlangen, an der modernistischen Bewegung teilzunehmen, als diese in den Vereinigten Staaten Fuß fasste. ... schien von der Publizität oder deren Fehlen kaum berührt. Er hörte nur auf seine eigene Stimme."
Auch Ornsteins primärer Kompositionsstil veränderte sich. Wie der spätere Kritiker Gordon Rumson beschreibt, organisierte sich seine
> musikalische Sprache in eine schimmernde, leuchtende Abstufung zwischen Einfachheit und Härte. Die Melodien haben einen hebräischen Anstrich, und Ornstein scheut sich nicht, dissonante und tonale Musik nebeneinanderzustellen. Diese Stilverschiebung ist nur eines von Ornsteins kreativen Werkzeugen. Wichtiger noch ist eine Direktheit der Emotion, die die Musik wirklich ansprechend macht. Es sollte auch bemerkt werden, dass seine Musik ideal für das Klavier geschrieben ist und eindeutig das Werk eines Meisterpianisten darstellt.
Diese Transformation trug zu Ornsteins Versinken in die Vergessenheit bei. Jene, die er inspiriert hatte, wandten sich nun von ihm ab, fast so vehement wie die Kritiker, die er ein Jahrzehnt zuvor schockiert hatte. „Er war in den 1910er Jahren das Aushängeschild des radikalen Modernismus gewesen, und als er diesen Stil zugunsten eines expressiveren aufgab, reagierten die Ultramodernen wie verschmähte Liebhaber", so Broyles. „Nicht einmal Cowell, bekannt für sein nachsichtiges Temperament, konnte Ornstein verzeihen."
Nachdem er nicht nur die Konzertbühne, sondern auch die damit verbundenen Einnahmen aufgegeben hatte, unterzeichnete Ornstein einen Exklusivvertrag mit dem Label Ampico zur Herstellung von Notenrollen. Er produzierte über zwei Dutzend Rollen für Ampico, hauptsächlich mit einem nichtmodernistischen Repertoire; die Komponisten, die er am häufigsten aufführte, waren Chopin, Schumann und Liszt. Zwei Rollen enthielten seine eigenen Kompositionen: Berceuse Cradle Song ca. 1920–21 und Prélude tragique 1924. Ornstein nahm in keinem Format auch nur ein einziges Beispiel seiner futuristischen Stücke auf, die ihm Ruhm gebracht hatten.
Mitte der 1920er Jahre verließ Ornstein New York, um eine Lehrstelle an der Philadelphia Musical Academy anzunehmen, die später Teil der University of the Arts wurde. In dieser Zeit schrieb er einige seiner wichtigsten Werke, darunter das Klavierkonzert, das 1925 vom Philadelphia Orchestra in Auftrag gegeben wurde. Zwei Jahre später produzierte er sein Klavierquintett. Ein episches tonales Werk, das durch einen abenteuerlichen Einsatz von Dissonanzen und komplexen rhythmischen Arrangements gekennzeichnet ist, wird es als Meisterwerk des Genres anerkannt.
Späteres Leben
In den frühen 1930er Jahren gab Ornstein seinen letzten öffentlichen Auftritt. Einige Jahre später gründeten er und seine Frau – die ehemalige Pauline Cosio Mallet-Prèvost 1892–1985, ebenfalls Pianistin – die Ornstein School of Music in Philadelphia. Unter den dortigen Studenten sollten John Coltrane und Jimmy Smith später bedeutende Karrieren im Jazz machen. Die Ornsteins leiteten und unterrichteten an der Schule, bis sie mit ihrer Pensionierung 1953 schloss. Sie verschwanden im Wesentlichen aus der Öffentlichkeit, bis sie Mitte der 1970er Jahre von der Musikhistorikerin Vivian Perlis aufgespürt wurden: Das Paar verbrachte den Winter in einem Wohnwagenpark in Texas, sie hatten auch ein Haus in New Hampshire. Ornstein hatte weiterhin Musik komponiert; ausgestattet mit einem kraftvollen Gedächtnis, war er nicht gewissenhaft darin, alles aufzuschreiben, und hatte seit Jahrzehnten nicht versucht, es zu veröffentlichen. Obwohl sein Stil sich seit den 1910er Jahren erheblich gemäßigt hatte, behielt er seinen einzigartigen Charakter, und mit seiner Wiederentdeckung kam ein neuer Produktivitätsschub. In Ganns Beschreibung zeichneten sich Klavierwerke, die Ornstein in seinen Achtzigern komponierte, wie Solitude und Rendezvous at the Lake, durch Melodien aus, die „durch endlose ornamentale Schnörkel sprangen, die an keinen anderen Komponisten erinnerten."
 Cover von Leo Ornstein: The Man, His Ideas, His Work (1918), von Frederick H. Martens
1988 schrieb der zweiundneunzigjährige Ornstein seine Siebte Klaviersonate. Mit dieser Komposition wurde Ornstein, um einige Jahre, zum ältesten veröffentlichten Komponisten – bis Elliott Carter – der jemals ein substanzielles neues Werk schuf. Am 23. September 1990 vollendete Ornstein im Alter von vierundneunzig Jahren sein letztes Werk, die Achte Klaviersonate. Die Namen der Sonatensätze spiegeln nicht nur das Vergehen einer bemerkenswerten Zeitspanne wider, sondern auch einen ungetrübten Sinn für Humor und explorativen Geist: I. „Life's Turmoil and a Few Bits of Satire" / II. „A Trip to the Attic—A Tear or Two for a Childhood Forever Gone" a. „The Bugler" / b. „A Lament for a Lost Toy" / c. „A Half-Mutilated Cradle—Berceuse" / d. „First Carousel Ride and Sounds of a Hurdy-Gurdy" / III. „Disciplines and Improvisations." In seiner Rezension der New Yorker Premiere schrieb der Kritiker Anthony Tommasini: „Zwischen dem tosenden Wahnsinn des ersten und dritten Satzes ist der mittlere Satz eine Suite aus vier kurzen musikalischen Betrachtungen über Kindheitserinnerungen, die auf einem Dachboden entdeckt wurden. Obwohl völlig unpassend, ist der Tonwechsel kühn und die Musik entwaffnend. Das Publikum lauschte gebannt und brach dann in Applaus aus."
Am 24. Februar 2002 starb Ornstein in Green Bay, Wisconsin. Im Alter von 106 Jahren gehörte er zu den langlebigsten Komponisten.
