Julianne Moore: Emotionale Entblößung als Disziplin

Als sie sich bei der Schauspielergewerkschaft Actors' Equity registrieren ließ, war der Name Julie Anne Smith bereits vergeben – und zwar zweimal. Also konstruierte sie einen neuen aus losen Teilen: dem zweiten Vornamen ihres Vaters, Moore, und dem Vornamen ihrer Mutter, Anne. Der erfundene Name erwies sich als passend. Über vier Jahrzehnte hinweg hat sich Julianne Moore eine Karriere damit aufgebaut, Frauen zu porträtieren, die sich sichtlich zusammenreißen, und genau den Moment einzufangen, in dem dieses Zusammenreißen scheitert.

Neun Schulen, eine Konstante

Julie Anne Smith wurde am 3. Dezember 1960 in Fort Bragg, North Carolina, geboren. Ihr Vater war ein Oberst der Armee, der Militärrichter wurde; ihre Mutter war eine in Schottland geborene Psychologin und Sozialarbeiterin. Die Familie zog ständig um, und Moore besuchte neun verschiedene Schulen in verschiedenen amerikanischen Bundesstaaten und im Ausland. Es gibt keine offensichtliche kausale Linie von dieser Kindheit zu ihrer Spezialisierung als Erwachsene, aber die Übereinstimmung ist schwer zu ignorieren: eine Schauspielerin, die sich mit Menschen beschäftigt, die versuchen, in fremden Räumen normal zu wirken.

Sie studierte Theater am College of Fine Arts der Boston University und machte 1983 ihren BFA-Abschluss. In New York arbeitete sie im Off-Broadway-Bereich und studierte bei André Gregory – jenem Gregory, dessen Tschechow-Workshop später zu Louis Malles Vanya on 42nd Street werden sollte, in dem sie Jelena spielte.

Die Seifenoper-Lehre

Ihr erster fester Job war beim Tagesfernsehen. Von 1985 bis 1988 trat Moore in As the World Turns auf, wo sie Halbschwestern spielte und dafür einen Daytime Emmy gewann. Die Seifenoper ist das am meisten verspottete Trainingsgelände der amerikanischen Schauspielkunst und eines der brutalsten: tagelange Dialogseiten, eine Einstellung, keine Proben. Es lehrte sie Schnelligkeit und lehrte sie, nicht kostbar zu sein, was sich beides später auszahlte.

Altman, Haynes und die unbequemen neunziger Jahre

Robert Altmans Short Cuts (1993) machte sie im Filmgeschäft bekannt – ein ausladendes Mosaik nach Raymond Carver, in dem ihre Beichte einer alten Untreue, inszeniert mit einer bewussten und berühmten Abwesenheit von Eitelkeit, ankündigte, welche Art von Schauspielerin sie sein wollte. Zwei Jahre später besetzte Todd Haynes sie in Safe als Hausfrau aus dem San Fernando Valley, die allergisch gegen das zwanzigste Jahrhundert wird; er bleibt einer der seltsamsten und besten amerikanischen Filme des Jahrzehnts und begründete eine Arbeitsbeziehung mit Haynes, die nun schon dreißig Jahre andauert.

Der Rest der 1990er Jahre war bewusst promiscu. Sie drehte Blockbuster (The Lost World: Jurassic Park, Assassins), Komödien (Nine Months), einen Kultklassiker der Coen-Brüder als die spöttische Konzeptkünstlerin Maude Lebowski, Gus Van Sants Psycho und zwei Filme für Paul Thomas Anderson – Boogie Nights, der ihr die erste Oscar-Nominierung einbrachte, und Magnolia. 1999 brachte ihr Neil Jordans The End of the Affair eine zweite Nominierung ein, diesmal als beste Hauptdarstellerin.

2002: Das Doppel

Dann kam ein Jahr, wie es fast niemand bekommt. Im Jahr 2002 spielte Moore Cathy Whitaker, die Hausfrau aus Connecticut in Haynes' Douglas-Sirk-Hommage Far from Heaven, und Laura Brown, die erstickende Mutter der 1950er Jahre in Stephen Daldrys The Hours. Sie wurde für beides nominiert – als beste Hauptdarstellerin und als beste Nebendarstellerin im selben Jahr, was sie zur neunten Darstellerin in der Geschichte der Academy machte, der dies gelang. Venedig verlieh ihr den Volpi-Pokal für Far from Heaven; Berlin gab ihr einen Silbernen Bären, geteilt mit Nicole Kidman und Meryl Streep, für The Hours. Sie gewann keinen der beiden Oscars.

Die lange Mitte und Sarah Palin

Das folgende Jahrzehnt war absichtlich ungleichmäßig: Alfonso Cuaróns Children of Men, Tom Fords A Single Man und Lisa Cholodenkos The Kids Are All Right, durchsetzt mit Arbeiten, die schlicht die Rechnungen bezahlten. Das Highlight war das Fernsehen. Für HBOs Game Change (2012) spielte sie Sarah Palin, und die Vorbereitung war charakteristisch forensisch: "Ich las ihre Biografie, Bücher, die über sie und die Wahl geschrieben wurden, hörte mir ihre Stimme endlos auf meinem iPod an und arbeitete zwei Monate lang mit einem Stimmtrainer." Sie gewann den Primetime Emmy.

Alice Howland

Still Alice (2014) ist ein kleiner Film über eine Linguistik-Professorin mit früh einsetzender Alzheimer-Krankheit, und Moore näherte sich dem Thema eher durch Recherche als durch Instinkt. Sie verbrachte etwa vier Monate damit, "mit Ärzten und Klinikern und Patienten und Familienmitgliedern zu sprechen", Dokumentationen zu sehen, bei Selbsthilfegruppen zuzuhören. Ihre Methode bei den Patienten war entwaffnend einfach: "Ich sagte buchstäblich: 'Können Sie mir sagen, wie sich das anfühlt?', und ich habe einfach versucht, so spezifisch wie möglich zu sein." Ihr Co-Regisseur Wash Westmoreland beschrieb die gemeinsame Vorgabe: "Sie wollen nichts darstellen, das falsch wirkt, Sie wollen, dass es authentisch aussieht."

Dies brachte ihr bei ihrer fünften Nominierung den Oscar als beste Hauptdarstellerin ein. Im selben Jahr gewann sie für David Cronenbergs Maps to the Stars – in dem sie einen monströsen, bedürftigen, alternden Filmstar spielt – in Cannes den Preis als beste Hauptdarstellerin, was sie zu einer von nur zwei Schauspielerinnen machte, die jemals Schauspielpreise in Berlin, Cannes und Venedig gewannen.

Warum Julianne ein Genie genannt wird

Der Beweis für das Wort ist nicht eine einzelne Darbietung, sondern eine Konsistenz der Nervenstärke. Ben Brantley von der New York Times nannte sie "unvergleichlich" in ihren "Porträts von aufgewühltem Frausein" und benannte die Spezialität genau: "Emotionale Entblößung ist Frau Moores Spezialität." Oliver Burkeman vom Guardian beschrieb ihre charakteristische Rolle als eine Frau, "die darum kämpft, angesichts einer geheimen Qual oder eines schleichenden Bewusstseins des Scheiterns an der Normalität festzuhalten." Was Moore tut, was nur wenige tun, ist, den Instinkt des Schauspielers zu erklären, abzulehnen: Sie lässt eine Figur unsympathisch, unattraktiv, falsch oder einfach leer sein und vertraut darauf, dass die Kamera die Bruchstelle findet.

Ihr eigener Bericht über den Prozess ist als Technik ernst zu nehmen: "Ich möchte ein Gefühl dafür haben, wer ein Charakter ist, und dann möchte ich dorthin kommen und es vor der Kamera mit mir geschehen lassen." Das ist eine Wette auf Entdeckung statt auf Vorbereitung – das Gegenteil der vier Monate Alzheimer-Recherche, die sie auch betrieb. Die wahre Fähigkeit besteht darin zu wissen, welche Rolle was braucht.

Das Gegenargument ist einfach: Das ist Handwerk, kein Intellekt, und das Wort leistet sentimentale Arbeit, wenn es etwas anderes impliziert. Moore ist eine hervorragend ausgebildete, außergewöhnlich mutige Technikerin, nicht die Erfinderin einer Form, und ihre Filmografie enthält eine ganze Menge vergessenswerter Studio-Produkte, die zwischen den guten Filmen gedreht wurden. Sie misstraut dem heroischen Rahmen selbst: "Es ist mir nie wichtig, dass [meine Figuren] 'stark' sind. Ich suche nach dem, was menschlich, erkennbar und emotional ist. Wir sind nicht perfekt, wir sind nicht heldenhaft, wir haben keine Kontrolle."

Nachwort

Moore heiratete 2003 den Regisseur Bart Freundlich, nachdem sie ihn am Set von The Myth of Fingerprints kennengelernt hatte; sie leben mit zwei Kindern in Greenwich Village. Sie schrieb die Kinderbücher Freckleface Strawberry, einen New-York-Times-Bestseller mit sechs Fortsetzungen und einem Off-Broadway-Musical, nachdem ihr Sohn anfing, sein eigenes Aussehen nicht zu mögen. Sie sitzt im Vorstand von Planned Parenthood, macht Kampagnen mit Everytown for Gun Safety und ist seit 2008 Kunstbotschafterin für Save the Children. Sie hat sich öffentlich gegen Schönheitsoperationen ausgesprochen, mit der Begründung, dass sie "Menschen nicht jünger aussehen lassen. Sie lassen sie so aussehen, als hätten sie eine Operation hinter sich." Von einer Schauspielerin, deren gesamtes Thema die Kluft zwischen dem Gesicht, das die Menschen präsentieren, und der Person darunter ist, kommt, ist das weniger Eitelkeit als Konsistenz.