Joseph Wright of Derby: Die Aufklärung im Kerzenschein malen

Ein reisender Dozent hat einen weißen Kakadu in ein Glasgefäß gesetzt und pumpt die Luft heraus. Das einzige Licht im Raum stammt von einer einzelnen Kerze, die durch ein Glas mit einem menschlichen Schädel scheint. Ein Mädchen beobachtet das Geschehen, wie erstarrt; ihre ältere Schwester hält sich die Augen zu und kann nicht hinsehen. Ein junges Paar achtet nur aufeinander. Ein alter Mann sitzt da und betrachtet den Schädel. Joseph Wright malte dies im Jahr 1768, zu einer Zeit, als ernsthafte britische Malerei angeblich von der Heiligen Schrift, der Antike und den Gesichtern der Reichen handeln sollte.

Derby und warum es wichtig war

Wright wurde 1734 in Derby geboren und starb dort 1797, und der Ort ist nicht zufällig. Derby war in der Mitte des 18. Jahrhunderts eines der großen Zentren der Entstehung der Industriellen Revolution und besaß eine entsprechende intellektuelle Kultur: Wissenschaftliche Vorlesungen und öffentliche Demonstrationen waren eine beliebte Unterhaltungsform, die im Rathaus vor zahlendem Publikum veranstaltet wurden. Wright freundete sich mit den führenden wissenschaftlichen Köpfen der Stadt an und bewegte sich unter den Schlüsselfiguren der englischen Aufklärung. Er malte auch die Industriellen und Intellektuellen der Midlands, was bedeutete, dass der Gegenstand, der in sein Atelier kam, in einzigartiger Weise für einen britischen Maler der Zeit die Zukunft war.

Hudsons Schüler

Er wurde in den 1750er Jahren in London bei Thomas Hudson, einem prominenten Porträtmaler, ausgebildet, und die Porträtmalerei war das Handwerk, das er lernte und ausübte. Nichts an dieser Ausbildung lässt auf das Folgende schließen. Was Wright stattdessen erwarb – das, was ihn definieren sollte –, war eine Besessenheit von künstlichem Licht, entlehnt von den niederländischen Nachfolgern Caravaggios, deren nächtliche Szenen er studierte und dann erheblich weiterentwickelte. Die Einschätzung der Britannica ist eindeutig: Er war der beste europäische Maler für künstliche Lichteffekte seiner Ära.

Das Orrery und die Luftpumpe

Zwischen etwa 1763 und 1773 schuf Wright die Gruppe von Bildern, auf denen sein Ruf beruht, alle beleuchtet durch Kerzen oder den Mond. Ein Philosoph hält einen Vortrag über das Orrery (1766) – das Derby Museum nennt es sein Meisterwerk – zeigt ein mechanisches Modell des Sonnensystems, das einem Publikum von gewöhnlichen Menschen vorgeführt wird, wobei eine Lampe die Sonne ersetzt. Der Alchemist auf der Suche nach dem Stein der Weisen nahm die ältere, okkulte Version desselben Impulses auf.

Experiment mit einem Vogel in der Luftpumpe (1768) ist das ambitionierteste von ihnen. Die technische Leistung ist das Licht selbst: Die National Gallery merkt an, dass der auffällige rote Damastrock des Dozenten im Kerzenlicht wie "lachsfarben wirkt, aber zu Magenta dunkelt, je weiter das Auge vom Licht entfernt ist" – eine nuancierte Beobachtung, wie eine Quelle auf einen Stoff fällt, durchgehalten auf einer ganzen Leinwand aus Fleisch, Glas, Messing und Stoff.

Aber das Bild ist keine Demonstration von Geschicklichkeit. Es ist eine moderne Vanitas, nach Lesart der Galerie: eine Erinnerung an das Vergehen der Zeit, die Grenzen menschlichen Wissens und die Gebrechlichkeit des Lebens selbst. Wright verleiht der Szene den gesamten Apparat der Historienmalerei – Maßstab, dramatisches Chiaroscuro, moralisches Gewicht – und übergibt sie dann einem provinziellen Salon, in dem ein Vogel zur Unterweisung von Kindern erstickt wird. Die Spanne der Reaktionen ist das Argument: Neugier, Abscheu, Gleichgültigkeit, Sterblichkeit. Er feiert die Aufklärung nicht. Er fragt, was sie kostet.

Italien und ein Vulkan, dessen Ausbruch er nie sah

Wright reiste von 1773 bis 1775 durch Italien, skizzierte 1774 in Gouache und besuchte Neapel und die Bucht, möglicherweise bei seinen Aufstiegen geführt von Sir William Hamilton, dem Diplomaten und Vulkanologen. Der Vesuv lieferte ihm ein zweites lebenslanges Thema: Es wird angenommen, dass er ihn mehr als dreißigmal gemalt hat.

Die Komplikation ist, dass der Vesuv nicht ausbrach, während er dort war. Analysen haben gezeigt, dass er sich auch Freiheiten mit der Topographie nahm und Kompositionen arrangierte, die Merkmale enthielten, die von den von ihm dargestellten Standpunkten aus eigentlich nicht sichtbar waren – und eine Leinwand der Tate, bei der festgestellt wurde, dass Schwefel für die hellen Gelbtöne auf einem Gipsgrund verwendet wurde, könnte in Italien selbst gemalt worden sein. Die Eruptionen waren mit anderen Worten konstruiert. Was er gesehen hatte, war ein Berg; was er wiederholt verkaufte, war ein Spektakel, das im Atelier aus Beobachtung, Hörensagen und demselben Lichtbeherrschung, die er bei Kerzenlicht gelernt hatte, zusammengesetzt war.

Warum Joseph ein Genie genannt wird

Zwei Behauptungen werden hier normalerweise zusammengefasst, und es lohnt sich, sie zu trennen, weil eine das Handwerk betrifft und die andere nicht.

Die erste ist technisch, und es ist diejenige, die die Quellen tatsächlich stützen. Wright war, nach dem Urteil der Britannica, der beste Maler von künstlichem Licht in Europa zu seiner Lebenszeit. Diese Fähigkeit ist spezifisch und beschreibbar: die Modellierung des Verhaltens einer einzelnen Punktquelle, wenn sie wandert – wie ein roter Damast aus der Nähe lachsfarben und aus der Ferne magenta wird, wie Licht durch Glas und einen Schädel fällt und verändert austritt, wie ein Gesicht aussieht, wenn es nur von unten beleuchtet wird. Es ist eine optische Beobachtung von ungewöhnlich disziplinierter Art, die über große Kompositionen hinweg stabil gehalten wird, und es ist eher eine körperliche und perzeptive Leistung als eine intellektuelle. Es sollte als solche beschrieben werden.

Die zweite Behauptung ist konzeptionell, und sie ist stärker. Wright bemerkte, dass eine wissenschaftliche Vorführung in einem Privathaus ein passendes Thema für ernsthafte Malerei war, zu einer Zeit, als die akademische Hierarchie diese Ernsthaftigkeit für die Heilige Schrift und die Antike reservierte. Die Anwendung des gesamten Apparats der Historienmalerei auf ein Orrery, eine Luftpumpe und eine Baumwollspinnerei war ein wirklich originelles Urteil darüber, was von Bedeutung war – und bei dem Luftpumpenbild war er hellsichtig genug, das neue Wissen eher mehrdeutig als triumphierend darzustellen. Deshalb funktioniert das Gemälde zweieinhalb Jahrhunderte später immer noch.

Das Gegenargument ist es wert, flach ausgesprochen zu werden. Niemand, der hier zitiert wird, nennt Wright ein Genie: Die National Gallery sagt, er habe innerhalb der britischen Kunst innoviert, und das Derby Museum, das mehr von ihm besitzt als jeder andere, nennt ihn einen der "interessantesten und vielseitigsten" Maler Großbritanniens – ein abgewogenes, vorsichtiges Lob. Seine unbestreitbar große Periode dauert etwa ein Jahrzehnt. Er verbrachte den größten Teil seines Arbeitslebens als Porträtmaler in einer Provinzstadt. Und die Vesuv-Bilder, mehr als dreißig an der Zahl, sind eine kommerziell wiederholte Formel, die um einen Ausbruch herum aufgebaut ist, den er nie miterlebt hat, wobei die Geographie neu angeordnet wurde, um die Aussicht zu verbessern. Das ist das Verhalten eines extrem fähigen professionellen Malers, der einen Markt bedient, nicht das eines rastlosen Urhebers. Das ehrliche Urteil ist, dass Wright eine sehr große Idee hatte, sie mit einer technischen Beherrschung ausführte, die in Europa niemand übertreffen konnte, und dann seinen Lebensunterhalt verdiente.

Vermächtnis

Wright ist heute das, was er zu Lebzeiten nicht ganz war: der Maler der Industriellen Revolution, der Mann, der feststellte, dass Hochöfen, Schmieden, Maschinen und Experimente legitimes Material für ambitionierte Kunst waren. Seine Werke hängen in großen Galerien weltweit, und das Derby Museum beherbergt die weltweit größte Sammlung seiner Werke – begonnen 1882, heute fast 600 Objekte umfassend, vom Arts Council England als Sammlung von herausragender nationaler Bedeutung bezeichnet. Experiment mit einem Vogel in der Luftpumpe ist zum Standardbild der Aufklärung selbst geworden, reproduziert in jeder Geschichte der Zeit, was ein eigenartiges Schicksal für ein Gemälde ist, dessen eigentliches Thema ein Raum voller Menschen ist, die sich nicht einig werden können, ob das, was sie sehen, wunderbar oder entsetzlich ist.