Ingrid Bergman: Das Gesicht, das Hollywood nicht korrigieren wollte

Am 14. März 1950 erhob sich ein Senator der Vereinigten Staaten, um über eine schwangere schwedische Schauspielerin zu sprechen. Edwin C. Johnson bezeichnete Ingrid Bergman als „einen mächtigen Einfluss zum Bösen“ und beschuldigte sie, einen „Angriff auf die Institution der Ehe“ verübt zu haben. Zu diesem Zeitpunkt hatte sie einen Oscar gewonnen, die Ilsa Lund gespielt und drei Filme für Alfred Hitchcock gedreht. Sie würde sechs Jahre lang nicht mehr in Hollywood arbeiten. Als sie zurückkam, gewann sie einen zweiten Oscar.

Eine Waise in Stockholm

Sie wurde am 29. August 1915 in Stockholm als Tochter eines schwedischen Vaters, Justus Samuel Bergman, und einer deutschen Mutter aus Kiel, Frieda Adler, geboren. Ihre Mutter starb, bevor sie drei Jahre alt war. Ihr Vater starb 1929 im Alter von vierzehn Jahren an Magenkrebs, woraufhin sie bei Verwandten unterkam. Die Selbstbeherrschung, die Kritiker später fälschlicherweise für Gelassenheit hielten, wurde früh und unter Druck geformt.

Sie besuchte die Palmgrenska Samskolan, erhielt ein Stipendium für die Königliche Dramatische Akademie und verließ diese 1932 nach nur einem Jahr, um bei der Svensk Filmindustri zu arbeiten. Sie drehte elf schwedische Filme, bevor sie fünfundzwanzig wurde. Der entscheidende war Intermezzo (1936), ihre erste Hauptrolle an der Seite von Gösta Ekman. Der Regisseur, Gustaf Molander, drückte es mit ungewöhnlicher Ehrlichkeit aus: „Ich habe Intermezzo für sie geschaffen, aber ich war nicht für den Erfolg verantwortlich.“

Das Gesicht, das Selznick nicht korrigieren wollte

David O. Selznick holte sie für das englischsprachige Remake Intermezzo: A Love Story (1939) nach Hollywood und sah sich sofort mit dem Standardproblem konfrontiert: der Akzent war falsch, die Augenbrauen zu dick, der gesamte Apparat der Studio-Make-up-Abteilung wartete. Er ließ sie in Ruhe. Diese Entscheidung definierte ihre Karriere und wohl ein ganzes Register der Filmschauspielerei. Sie durchlief dreißig Jahre amerikanischen Films weitgehend unretuschiert, und die Industrie baute ihre Vorstellung von Glamour teilweise um diese Anomalie herum auf.

Ilsa und die Spitzenjahre

Casablanca (1942) machte sie unsterblich. Wem die Stunde schlägt (1943) brachte ihr die erste Nominierung als beste Schauspielerin ein, und Das Haus der Lady Alquist (1944) ihren ersten Oscar – eine Darstellung, die ganz darauf basierte, dass eine Frau davon überzeugt wird, den Verstand zu verlieren, was von ihr verlangte, den Verfall zu spielen, ohne jemals zu signalisieren, dass sie wusste, dass es geschah. Die Glocken von St. Marien folgte 1945.

Hitchcock setzte sie dreimal ein, in Ich kämpfe um dich (1945), Berüchtigt (1946) und Sklavin des Herzens (1949), und bekam von ihr die Qualität, die er am meisten schätzte: eine Oberfläche vollkommener Fassung, unter der sich etwas bewegte. Sie spielte 1948 Johanna von Orleans auf der Leinwand und gewann einen Tony Award für die Bühnenversion.

Stromboli und das Senatsplenum

Als sie 1950 auf der Vulkaninsel Stromboli für Roberto Rossellini drehte, wurde sie von ihm schwanger. Beide waren mit anderen Personen verheiratet. Die Enthüllung schlug ein wie eine Bombe. Hasspost kam in Massen; Ed Sullivan weigerte sich, sie in seiner Sendung zu haben; Johnson hielt seine Rede; und Hollywood, das sie als Bild der Aufrichtigkeit verkauft hatte, stellte fest, dass es einen Skandal nicht verkaufen konnte. Sie wurde faktisch ins Exil getrieben. Steve Allen, der sie schließlich doch moderierte, benannte den zugrundeliegenden Fehler präzise: „die Gefahr, künstlerische Aktivität durch das Prisma des eigenen Privatlebens beurteilen zu wollen.“

Sie ließ sich von dem Neurochirurgen Petter Lindström scheiden, den sie 1937 geheiratet hatte und mit dem sie eine Tochter, Pia, hatte, und heiratete Rossellini am 24. Mai 1950.

Das italienische Exil

Die Filme, die sie mit ihrem zweiten Ehemann drehte, waren kommerzielle Katastrophen und sind heute die einflussreichsten Arbeiten, die beide je gemacht haben. Europa 51 (1952) brachte ihr die Coppa Volpi in Venedig ein. Reise in Italien (1954) half, die Begriffe der französischen Nouvelle Vague zu definieren; zu den Bewunderern gehörten Godard, Fellini und Antonioni. Sie drehte auch Angst (1954) und inszenierte 1953 Johanna auf dem Scheiterhaufen. Aus der Ehe gingen drei Kinder hervor – Robin 1950 sowie die Zwillinge Isotta Ingrid und Isabella 1952 – und sie endete 1957 nach Rossellinis eigener Affäre mit einer Scheidung.

Anastasia und danach

Anastasia (1956) brachte sie nach Hollywood zurück und brachte ihr einen zweiten Oscar ein. Bosley Crowther nannte es „eine wunderschön geformte Leistung, würdig eines Oscars und besonders erfreulich angesichts der langen Abwesenheit von Miss Bergman von lobenswerten Filmen“ – ein Satz, der sowohl Entschuldigung als auch Herablassung schafft. 1958 heiratete sie den schwedischen Theaterproduzenten Lars Schmidt und blieb für den Rest ihres Lebens mit ihm verheiratet.

Die späte Karriere war eher abwechslungsreich als beständig: Indiskret (1958) mit Cary Grant, Die Herberge zur 6. Glückseligkeit, ein Emmy für das Fernsehstück Schloss des Schreckens (1960), Die Kaktusblüte (1969) und ein dritter Oscar für Mord im Orient-Express (1974). Ihr letzter Film war Herbstsonate (1978), unter der Regie des nicht verwandten Ingmar Bergman, was ihr die siebte und letzte Nominierung als beste Schauspielerin einbrachte. Stanley Kauffmann schrieb, dass „das Erstaunen Bergmans Leistung ist“, dass sie „erhoben in den Händen eines Meisters“ war.

Warum Ingrid als Genie bezeichnet wird

Der Anspruch hier betrifft Handwerk und physisches Instrument, nicht Intellekt, und das sollte klar gesagt werden. Bergman war keine Theoretikerin der Schauspielerei und hinterließ keine Methode. Was sie hatte, war eine spezifische technische Begabung: die Fähigkeit, einen inneren Zustand zu spielen, ohne ihn anzuzeigen. In Das Haus der Lady Alquist spielt sie eine Frau, die in den Wahnsinn getrieben wird, und lässt das Publikum nie die Schauspielerin sehen, die den Abstieg steuert. In Berüchtigt bewahrt sie die Fassung über die Angst so exakt, dass die Spannung nirgendwo entweichen kann. Kritiker griffen wiederholt auf dasselbe Vokabular zurück – „Frische und Einfachheit und natürliche Würde“ in der New York Times, „Charme, Aufrichtigkeit“ und „ansteckende Lebhaftigkeit“ in Variety. Hinzu kommt die Bandbreite: Sie spielte auf Schwedisch, Englisch, Deutsch, Italienisch und Französisch und war in allen fünf glaubwürdig.

Der Gegenbeweis ist es wert, genannt zu werden. Natürlichkeit auf der Leinwand ist teilweise eine Tatsache über ein Gesicht und eine Kamera, keine Leistung des Geistes, und Selznicks Entscheidung, sie unretuschiert zu lassen, war eine Marketing-Erkenntnis ebenso wie eine künstlerische. Ihre Rossellini-Filme, heute kanonisch, scheiterten bei der Veröffentlichung und verwirrten die zeitgenössischen Kritiker. Viele ihrer späteren Arbeiten – Die Kaktusblüte, A Walk in the Spring Rain – sind unbedeutend. Drei Oscars, zwei Emmys und ein Tony machen sie zur jüngsten Darstellerin, die die Triple Crown der Schauspielerei vervollständigte, und zu einer von nur vier Schauspielerinnen mit drei oder mehr Schauspiel-Oscars. Das ist nachhaltige Exzellenz. Ob es Genie ist, hängt davon ab, ob Transparenz als eine Form von Denken zählt.

Vermächtnis

Nachdem 1974 Brustkrebs diagnostiziert worden war, arbeitete sie weiter. Ihre letzte Rolle war Golda Meir in Eine Frau namens Golda (1982), gedreht trotz schwerer Krankheit, und es brachte ihr einen posthumen Emmy ein, den ihre Tochter Pia entgegennahm. Sie starb am 29. August 1982, ihrem siebenundsechzigsten Geburtstag. Das American Film Institute stufte sie später als die viertgrößte weibliche Filmlegende des klassischen Hollywood ein. Ihre Tochter Isabella Rossellini wurde ihrerseits Schauspielerin. Was überlebt, sind nicht nur die Filme, sondern das Präzedenzfall: der Star, der das Make-up ablehnte, den Senat überlebte und alle überdauerte, die versuchten, sie zu definieren.