Francis Ford Coppola: Der Spieler, der alles auf Kunst setzte

Das Studio wollte einen billigen Gangsterfilm. Was Francis Ford Coppola ablieferte, indem er sich mit Paramount bei jeder Gelegenheit über Besetzung, Länge und seine Beharrlichkeit auf einen düsteren Unbekannten namens Al Pacino stritt, war Der Pate — ein Film so beherrschend, dass er sofort zum Maßstab wurde, dem alle amerikanischen Filme gemessen werden. Coppola war dreiunddreißig Jahre alt, pleite und sicher, dass er während der Dreharbeiten gefeuert würde. Stattdessen schuf er einen der größten Filme, die je produziert wurden, und dann, fast unmöglich, dessen Gleichwertigen in der Fortsetzung. Seine Karriere wäre ein lebenslanges Muster genau dessen: gewaltige künstlerische Wetten, die gegen die Möglichkeit des Ruins gesetzt wurden.

Der New Hollywood-Rebell

Coppola wurde 1939 in Detroit in einer musikalischen italo-amerikanischen Familie geboren und wurde an der Filmschule der UCLA ausgebildet, einer der ersten großen US-amerikanischen Regisseure, die aus einem Universitätsfilmprogramm hervorgingen, anstatt aus dem Studiosystem. Er kam, als dieses alte System zusammenbrach, und wurde eine zentrale Figur des "New Hollywood" — der Generation von Scorsese, Spielberg, Lucas und anderen, die in den späten 1960er und 1970er Jahren die kreative Kontrolle übernahmen und persönliche, ambitionierte, regisseurgetriebene Filme machten. Coppola war ihr mutiger älterer Bruder, der als Erster die Oscars gewann und der seinen Einfluss nutzte, die anderen zu fördern; er half seinem Freund George Lucas, American Graffiti und Star Wars zu realisieren.

Jahrzehnte der Meisterwerke

Die Reihe der Filme, die Coppola in den 1970er Jahren inszenierte, ist eine der größten Serien, die ein Filmemacher je erreicht hat. Der Pate (1972) und Der Pate – Teil II (1974) verwandelten eine pulpige Krimisaga in eine tragische amerikanische Epos über Familie, Macht, Einwanderung und Korruption, und der zweite Film — eine gleichzeitige Fortsetzung und Vorgänger — wird weithin als eine der seltenen Fortsetzungen betrachtet, die ihr Original übertreffen. Dazwischen machte er Die Conversation (1974), ein ruhiges, paranoisches Meisterwerk über Überwachung, das die Goldene Palme in Cannes gewann. Einmal in den mittleren 1970er Jahren hatten zwei Filme von Coppola im selben Jahr um den Oscar für den besten Film konkurriert.

Dann riskierte er alles mit Apocalypse Now (1979). Die Produktion wurde zu einer der berüchtigtsten der Filmgeschichte: ein Taifun zerstörte die Kulissen, sein Star Martin Sheen erlitt einen Herzinfarkt, Marlon Brando übergewichtig und unvorbereitet ankam, und Coppola Millionen seines eigenen Geldes in ein Drehbuch investierte, das wild über Zeitplan im philippinischen Dschungel lief. Später sagte er: "Wir waren im Dschungel, es waren zu viele von uns, wir hatten Zugang zu zu viel Geld, zu viel Ausrüstung, und allmählich wurden wir verrückt." Das Ergebnis war eine halluzinatorische Kriegsepos, die viele als das definitive Film über Vietnam betrachten und ein Monument für künstlerische Obsession, die ihn fast zerstörte.

Der Preis der Vision

Coppolas Genie war untrennbar von seiner Risikobereitschaft. Er wiederholt seine Vermögenswerte, seinen Weingut und seine Sicherheit zu finanzieren, die die Studios nicht finanzieren wollten. Sein Musical von 1982 Einer aus dem Herzen war so teuer und erfolglos, dass es sein eigenes Studio, American Zoetrope, in den Konkurs trieb, und er verbrachte die folgenden Jahre damit, Filme zu drehen, teilweise um die Schuld zu begleichen. Er war ein Visionär und ein Spieler in gleichem Maße, ein Mann, der glaubte, dass das Kino die gleiche finanzielle Unvorsicht verdient, die ein Maler auf eine Leinwand bringt. Spät in seinem Leben bewies er den Punkt ein letztes Mal, indem er Teile seines Weinimperiums verkaufte, um Megalopolis, sein jahrzehntelanges Leidenschaftsprojekt, das er 2024 schließlich veröffentlichte, selbst zu finanzieren — eine letzte, trotzige Wette eines Mannes, der nie lernte, es sicher zu spielen.

Warum das wichtig ist

Francis Ford Coppola ist wichtig, weil er die Obergrenze dessen, was das amerikanische populäre Kino erreichen konnte, anhob. Die Der Pate-Filme bewiesen, dass ein Blockbuster für ein Massenpublikum auch ein Werk von shakespearischer Tiefe sein konnte, und Apocalypse Now bewies, dass ein Studioepos genuine Kunst am Rande des Wahnsinns sein konnte. Er half, die kreative Kontrolle von den Studios an die Regisseure zu übertragen und prägte so die gesamte Kultur des modernen Autorenfilms.

Sein tieferes Erbe ist das Beispiel seines Mutes. Coppola behandelte das Filmemachen als Akt des totalen Engagements, der es wert war, alles zu riskieren, und weigerte sich bis zum Ende, Kunst von Gefahr zu trennen. Er gewann und verlor Vermögen, triumphierte und scheiterte spektakulär, und hörte nie auf zu glauben, dass die einzigen Filme, die es wert waren, gemacht zu werden, die waren, die ihn brechen konnten. In einer Branche, die auf Vorsicht aufgebaut ist, bleibt er der Schutzpatron der Alles-oder-Nichts-Wette — Beweis dafür, dass die größten Belohnungen in der Kunst denen gehören, die bereit sind, alles zu verlieren.