Emil Nolde: Der Nazi, den die Nazis verboten

Nach 1941 verbot der deutsche Staat Emil Nolde das Malen — nicht das Ausstellen, nicht das Verkaufen, sondern das Malen überhaupt, selbst in seinem eigenen Haus. Er reagierte darauf, indem er heimlich etwa 1300 kleine Aquarelle auf saugfähigem Japanpapier schuf, die er Ungemalte Bilder nannte. Es ist einer der großen Akte künstlerischen Trotzes des 20. Jahrhunderts, und jahrzehntelang wurde dies als eine Geschichte des Widerstands erzählt. Es war nichts dergleichen. Nolde war in den frühen 1920er Jahren über die dänische Sektion in die NSDAP eingetreten, vertrat antisemitische Ansichten und verbrachte das Dritte Reich damit, bei dessen Funktionären darum zu betteln, als der wahre deutsche Maler der Bewegung anerkannt zu werden. Er wurde von einem Regime verboten, das er unterstützte.

Ein Bauernhof in Schleswig

Er wurde am 7. August 1867 als Hans Emil Hansen nahe dem Dorf Nolde geboren — heute Teil von Burkal in Südjütland, Dänemark, damals im preußischen Herzogtum Schleswig. Seine Eltern waren gläubige Protestanten aus dänischem und friesischem Bauernstand, und er wuchs mit drei Brüdern auf ihrem Hof auf, wobei er früh erkannte, dass er für die Landwirtschaft ungeeignet war. Die Bibel, die er als Kind las, und die flache, vom Sturm gepeitschte Landschaft, in der er aufwuchs, lieferten ihm sechzig Jahre lang fast sein gesamtes Sujet.

Seine Ausbildung war handwerklich, nicht akademisch. Von 1884 bis 1891 studierte er Holzschnitzerei und Illustration in Flensburg und arbeitete in Möbelfabriken. 1889 erhielt er Zugang zur Kunstgewerbeschule in Karlsruhe. Von 1892 bis 1898 lehrte er Zeichnen am Gewerbemuseum in St. Gallen, Schweiz. 1898 lehnte ihn die Münchner Akademie der Bildenden Künste ab. Er verbrachte die nächsten vier Jahre mit privatem Malunterricht, besuchte Paris, nahm die Impressionisten in sich auf und kam erst in seinen Dreißigern als Künstler an.

1902 heiratete er die dänische Schauspielerin Ada Vilstrup, zog nach Berlin und nahm seinen Künstlernamen von dem Dorf an, neben dem er geboren wurde.

Die Brücke und der Bruch

1906 luden ihn die Dresdner Expressionisten der Künstlergruppe Die Brücke ein, beizutreten. Er akzeptierte und verließ die Gruppe Ende 1907 — eine Mitgliedschaft von etwa einem Jahr, die dennoch alles Folgende prägte. Er gehörte von 1908 bis 1910 der Berliner Secession an, aus der er nach einer Meinungsverschiedenheit mit der Führung ausgeschlossen wurde. 1912 stellte er mit Kandinskys Der Blaue Reiter aus und war schließlich berühmt genug, um von seinen Verkäufen zu leben.

Er gehörte zu den ersten Expressionisten und war einer der frühesten Maler des Jahrhunderts, der Farbe als primären Bedeutungsträger behandelte und nicht als Dienerin der Zeichnung. Seine Palette reichte von Goldgelb bis zu tiefen Rottönen, leuchtend vor düsteren Gründen; seine Themen waren wilde Himmel über der norddeutschen Küste, blühende Gärten im Geiste van Goghs sowie Szenen aus dem Berliner Nachtleben und Theater. Er war auch ein außerordentlich produktiver Grafiker und hinterließ 231 Radierungen, 197 Holzschnitte, 83 Lithografien und vier Hektografien, oft in Farbe. Der Holzschnitt Der Prophet von 1912 — ein hageres, schwarz gefurchtes Gesicht — wurde als Ikone der Kunst des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Unter seinen Gemälden sind Lesende junge Frau (1906), Blumengarten (ohne Figur) (1908) und Blumen und Wolken (1933) Meilensteine des Genres.

Christus und die Südsee

Religiöse Malerei machte einen relativ kleinen Teil seines Werks aus, markierte aber die Meilensteine darin. Zwischen 1900 und 1904 konnte er sich nicht von Millet und Daumier lösen. 1906 gelang ihm der Durchbruch, als er impressionistische Gewohnheiten zugunsten flacher, zweidimensionaler Kompositionen und gewaltsam heller Farben für heilige Themen aufgab. Eine fast tödliche Vergiftung 1909 verstärkte seine religiöse Hingabe, und nach 1911 wurde die Arbeit dunkler und bedrohlicher. Sein neunteiliges Werk Das Leben Christi beunruhigte sogar seine Frau: „Die ersten paar Tage konnte ich nur verstohlene Blicke darauf werfen“, schrieb Ada im Februar 1912, „so stark war die Wirkung.“

Er fertigte auch über 120 Zeichnungen nach den ethnografischen Sammlungen des Berliner Völkerkundemuseums an, bevor er mit der Deutschen Neuguinea-Expedition reiste, eine berühmte Serie aus der Südsee schuf und Moskau, Sibirien, Korea, Japan und China bereiste. Die Reise bestätigte eine Überzeugung, die er bereits hegte: dass die wahrste Kunst vormodern, instinktiv und rassisch verwurzelt sei.

Die Partei und die Säuberung

Diese Überzeugung führte ihn direkt in den Nationalsozialismus. Er trat in den frühen 1920er Jahren über die dänische Sektion in die NSDAP ein, äußerte antisemitische Ansichten über jüdische Künstler und argumentierte, dass der Expressionismus ein unverwechselbar germanischer Stil sei — eine Position, die zumindest zeitweise von Joseph Goebbels und Fritz Hippler geteilt wurde.

Das rettete ihn nicht. Hitlers Kulturpolitik verurteilte die Moderne rundweg, und kein Künstler litt mehr darunter als Nolde: etwa 1052 seiner Werke wurden aus deutschen Museen entfernt, und mehrere wurden in der Ausstellung Entartete Kunst 1937 in München aufgehängt, dem Schaufenster des Staates für Kunst, die er als entartet betrachtete. Er protestierte. Er appellierte persönlich an den Gauleiter Baldur von Schirach in Wien. 1941 folgte das Malverbot.

Also malte er trotzdem, in Miniatur, in Aquarell, auf Papier, das versteckt werden konnte. „Es gibt Silberblau, Himmelblau und Donnerblau“, schrieb er 1942. „Jede Farbe birgt eine Seele in sich, die mich glücklich macht oder abstößt und die als Reiz wirkt.“

Warum Emil ein Genie genannt wird

Noldes Gabe war chromatisch und in seiner Generation nahezu unerreicht. Er konnte ein gequältes Violett gegen ein säurehaltiges Gelb setzen und nicht Dissonanz, sondern atmosphärischen Druck erzeugen — Himmel, die sich wie Wetter anfühlen und nicht wie Darstellungen von Wetter. In Aquarell, technisch das am wenigsten verzeihende Medium, arbeitete er nass-in-nass auf saugfähigem Papier, wo nichts korrigiert werden kann und jede Kante in einer Sekunde entschieden wird, und er tat dies auf einem Niveau, das fast niemand erreicht hat. Das ist keine Metapher für Intelligenz; es ist eine Form davon. Farbbeziehungen sind ein echter Problemraum, und Nolde löste darin Probleme, die ausgebildete Akademiker nicht lösen konnten, da er von der Münchner Akademie abgelehnt und stattdessen in Möbelfabriken ausgebildet wurde.

Die Holzschnitte machen den gleichen Fall in umgekehrter Weise deutlich. Der Prophet erreicht in Schwarz-Weiß durch gehobeltes Holz die emotionale Gewalt, die er an anderer Stelle aus Pigmenten bezog — ein Beweis dafür, dass die Begabung strukturell war und nicht nur ein gutes Auge für hübsche Farben.

Das Gegenargument ist nicht ästhetisch, sondern moralisch, und es ist schwerwiegend. Noldes Farbtheorie und seine Politik wuchsen aus derselben Wurzel: der Überzeugung, dass authentische Kunst aus Blut, Boden und Rasse entspringe. Er war kein großer Künstler, der zufällig abscheuliche Meinungen vertrat; die Meinungen waren das Ergebnis desselben mystischen Primitivismus, der auch die Gemälde hervorbrachte. Und sein intellektuelles Urteilsvermögen war katastrophal — er versuchte jahrelang, ein Regime, das seine Arbeit verachtete, davon zu überzeugen, dass er sein rechtmäßiger Maler sei, und denunzierte nicht-jüdische Rivalen als Juden, um sich selbst voranzubringen. Wenn Genie eine umfassende geistige Qualität bedeutet, qualifiziert sich Nolde nicht. Wenn es eine isolierte, freakhafte Fähigkeit in einem engen Kanal bedeutet, tut er das eindeutig. Beides ist wahr, und keines hebt das andere auf.

Vermächtnis

Nach 1945 kamen die Ehrungen, darunter der Orden Pour le Mérite, und die Ungemalten Bilder wurden in eine tröstliche nationale Geschichte über Kunst, die Tyrannei überlebt, aufgenommen. Er starb am 13. April 1956 in Seebüll, heute Teil von Neukirchen in Nordfriesland. Diese Geschichte hielt sich sechs Jahrzehnte lang. 2019 zeigte die Berliner Nationalgalerie die Ausstellung Emil Nolde: Eine deutsche Legende, der Künstler im Nationalsozialismus, die dokumentierte, wie gründlich Nachkriegshistoriker sein Engagement für die Partei minimiert und eine Neubewertung erzwungen hatten, die heute in der Forschung Standard ist. Die Gemälde bleiben einige der physisch schönsten Objekte, die das 20. Jahrhundert hervorgebracht hat. Deutschland hat die Jahre seitdem damit verbracht, einen ehrlichen Blick darauf zu werfen.