Damien Hirst: Tod, bewertet und konserviert

Er bat um etwas, das "groß genug ist, um dich zu fressen". Im Jahr 1991 fing ein Fischer vor Hervey Bay, Australien, für Damien Hirst einen über vier Meter langen Tigerhai, den Hirst in einem Formaldehydtank suspendierte und unter dem Titel The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (Die physische Unmöglichkeit des Todes in der Vorstellung eines Lebenden) ausstellte. Der Hai kostete 6.000 Pfund und die Produktion insgesamt 50.000 Pfund; innerhalb von zwei Jahrzehnten wechselte das Werk für schätzungsweise 8 bis 12 Millionen Dollar den Besitzer, und bis dahin war der ursprüngliche Hai so stark verrottet, dass er vollständig ersetzt werden musste – eine 100.000-Dollar-Restaurierung, die Hirst mit einem Satz abtat, der sein gesamtes Schaffen zusammenfasst: "Ich komme aus der Konzeptkunst, also denke ich, dass es auf die Absicht ankommen sollte. Es ist dasselbe Stück."

Leeds, ein Leichenschauhaus und ein Ablehnungsschreiben

Damien Steven Brennan wurde am 7. Juni 1965 in Bristol geboren und wuchs nach dem Weggang seines Vaters in Leeds bei seiner irischen Mutter auf, die bei der Citizens Advice Bureau arbeitete; sein Stiefvater war Kfz-Mechaniker, und seine Mutter – die einst eine seiner Sex-Pistols-Platten auf dem Herd verbrannte – ermutigte ihn dennoch zum Zeichnen. Er erreichte in seinem Kunst-A-Level nur ein E, wurde erst nach einer anfänglichen Ablehnung in den Grundkurs des Jacob Kramer College aufgenommen, verbrachte zwei Jahre auf Londoner Baustellen und wurde einmal abgelehnt, bevor er schließlich für ein Studium der Bildenden Kunst am Goldsmiths College von 1986 bis 1989 zugelassen wurde. Während seiner Studienzeit absolvierte er ein Praktikum in einem Leichenschauhaus, eine Erfahrung, die direkt in die Beschäftigung mit Tod und Konservierung einfloss, die seine Karriere definieren sollte, und arbeitete als Galerieassistent für den Kunsthändler Anthony d'Offay.

Freeze und der Aufstieg der YBAs

Im Juli 1988, noch als Student im zweiten Jahr, organisierte Hirst Freeze, eine Ausstellung in einem stillgelegten Verwaltungsgebäude der London Docklands. Sein eigener Beitrag bestand kaum aus mehr als bemalten Pappschachteln, aber die Ausstellung – besucht dank der Kontakte seines Tutors Michael Craig-Martin von dem Sammler Charles Saatchi, dem Kurator Norman Rosenthal und Nicholas Serota von der Tate – wurde zum Gründungsereignis der Young British Artists-Bewegung. Zwei nachfolgende Lagerhaus-Ausstellungen, Modern Medicine und Gambler, lockten Saatchi erneut in einem grünen Rolls-Royce an; er kaufte A Thousand Years, eine Installation, bei der Maden zu Fliegen schlüpften, die sich von einem verwesenden Kuhkopf ernährten, bevor sie in einem in das Gehäuse eingebauten elektrischen Insektenvernichter starben – ein vollständiger, lebendiger Kreislauf statt eines statischen Objekts. Francis Bacon soll, nachdem er es in der Saatchi Gallery gesehen hatte, kurz vor seinem eigenen Tod einen bewundernden Brief an einen Freund geschrieben haben.

Der Hai und die Saatchi-Jahre

1991 bot Saatchi an, alles zu finanzieren, was Hirst machen wollte, und der Hai war die Antwort – 1992 auf der ersten Young British Artists-Ausstellung in der Saatchi Gallery enthüllt und sofort das definierende Bild der Bewegung. Hirst wurde in diesem Jahr für den Turner Prize nominiert, verlor gegen Grenville Davey, gewann ihn aber 1995. Er formalisierte seine Zusammenarbeit mit dem Kunsthändler Jay Jopling im Jahr 1991 und zeigte 1993 Mother and Child Divided – eine Kuh und ihr Kalb, jeweils halbiert und in gepaarten Vitrinen ausgestellt – auf der Biennale in Venedig, wodurch er die Formaldehyd-Methode auf eine Meditation über Trennung ebenso wie über den Tod ausweitete.

Punkte, Drehungen und die Frage nach der Urheberschaft

Ab Mitte der 1990er Jahre produzierte Hirst Hunderte von Punktbildern – präzise Raster aus farbigen Kreisen – fast ausschließlich durch Assistenten; er sagte klipp und klar, dass er selbst nur fünf gemalt habe, weil er "keinen Bock darauf hatte", und dass seine eigenen Versuche schlechter waren als die seiner leitenden Assistentin Rachel Howard. Bis 1999 hatten zwei Assistenten allein dreihundert davon fertiggestellt. Er behandelt dies als konsistent mit einer einfachen Prämisse der Konzeptkunst: die Idee, nicht die Hand, ist das Kunstwerk, eine Position, die sich auch durch die Spin Paintings – Leinwände, die auf einem rotierenden Rad bespritzt werden – zieht.

For the Love of God

Sein extravagantestes Einzelobjekt, For the Love of God (2007), verwendete einen menschlichen Schädel aus dem 18. Jahrhundert, behielt nur die ursprünglichen Zähne und bedeckte den Rest mit Platin und 8.601 Diamanten im Wert von insgesamt über 1.106 Karat, mit einem Preis von rund 50 Millionen Pfund. Das Werk ließ sich zu diesem Preis nicht verkaufen und wurde schließlich 2008 von einem Konsortium erworben, zu dem Hirst und seine eigene Galerie, White Cube, gehörten – ein Detail, das Kritiker wiederholt als ein Umstand hervorgehoben haben, der jeden Anspruch erschwert, dass der Markt und nicht der Künstler selbst den Wert bestimmt habe.

Verkauf seiner eigenen Show bei Sotheby's

Im September 2008 verkaufte Hirst, anstatt über Galerien zu gehen, einen ganzen neuen Werkkörper – 218 Stücke – direkt bei Sotheby's in einer zweitägigen Auktion mit dem Titel Beautiful Inside My Head Forever, die zufällig in die Woche des Zusammenbruchs von Lehman Brothers fiel. Sie brachte 111 Millionen Pfund ein und übertraf damit den bisherigen Rekord für eine Auktion eines einzelnen Künstlers; seine Skulptur The Golden Calf, ein Tier mit vergoldeten Hörnern und Hufen in Formaldehyd, brachte allein 10,3 Millionen Pfund ein. "Die Leute sorgen sich immer, dass Geld die Kunst irgendwie befleckt", sagte Hirst, "aber ich fand es schon immer ekelhaft, dass Leute wie Van Gogh nie Geld verdient haben." Die Sunday Times berichtete später, dass Geschäftspartner von Hirst mehr als die Hälfte der 70,5 Millionen Pfund Umsatz des ersten Tages selbst ersteigert und gekauft hatten, was Fragen darüber aufwarf, wie organisch die rekordverdächtige Nachfrage tatsächlich war.

Plagiate, Vandalismus und Datierungsstreitigkeiten

Seit 1999 hat Hirsts Arbeit sechzehn separate Plagiatsvorwürfe auf sich gezogen, von einem Rechtsstreit im Jahr 2000 wegen der Skulptur Hymn – einer Vergrößerung eines existierenden Spielzeug-Anatomiemodells für Kinder, die außergerichtlich mit Zahlungen an wohltätige Zwecke und den Designer des Spielzeugs beigelegt wurde – bis zu einem Anspruch des Malers Joe Machine im Jahr 2022 wegen Kirschblüten-Bildern. 1994 schüttete ein Demonstrant Tinte in den Tank seines Schaf-Stücks Away from the Flock; Hirst erstattete Anzeige und gewann, wurde dann aber erfolgreich verklagt, als er ein Foto des vandalisierten Werks ohne Erlaubnis wiederverwendete. Zuletzt deckten Untersuchungen des Guardian im Jahr 2024 auf, dass mehrere Formaldehyd-Werke und rund tausend Gemälde aus seinem 2021er NFT-Projekt The Currency auf Jahre vor ihrer tatsächlichen Entstehung datiert waren; Hirsts Team hält daran fest, dass die Daten die Konzeption markieren, nicht die Ausführung – ein Argument, das seine Verteidigung des nachgebauten Hais fast exakt widerspiegelt.

Warum Damien ein Genie genannt wird

Das Argument für Hirst beruht fast ausschließlich auf konzeptionellem und kommerziellem Instinkt und nicht auf handwerklichem Geschick: Er überlässt die Ausführung seit dreißig Jahren offen Assistenten und behandelt diese Delegation als das Wesentliche, nicht als Abkürzung, wobei er argumentiert, dass allein die Idee das Werk ausmacht. Tracey Emin nannte ihn "eindeutig in einer eigenen Liga", vergleichbar nur mit Warhol, und Saatchi ging noch weiter und sagte voraus, dass "jeder Künstler außer Jackson Pollock, Andy Warhol, Donald Judd und Damien Hirst eine Fußnote sein wird." Aber das Gegenargument ist ungewöhnlich laut und spezifisch, keine vagen Spitzen: Der Kritiker Robert Hughes nannte seine Arbeit "kitschig" und den Hai das "weltweit am meisten überbewertete Meereslebewesen"; Tom Lubbock schrieb, Hirst sei als Maler auf dem Niveau eines "nicht sehr vielversprechenden Kunststudenten im ersten Jahr"; und Julian Spaldings Con Art argumentiert geradeheraus, dass "der Kaiser keine Kleider anhat." Was nicht wirklich bestreitbar ist, ist der Markt- und Medieninstinkt – Hirst erkannte früher und vollständiger als jeder andere, dass Knappheit, Spektakel und der Preis selbst als künstlerisches Material fungieren konnten, und baute ein Werk fast vollständig um diese Entdeckung herum auf. Ob dies Genie ist oder eine ungewöhnlich scharfe Lektüre der Psychologie des Kunstmarktes, ist das eigentliche Argument, und ehrliche Berichte über Hirst halten beide Lesarten gleichzeitig fest, anstatt sie aufzulösen.

Vermächtnis

Hirst ist Großbritanniens reichster lebender Künstler, geschätzt auf 384 Millionen Dollar von der Sunday Times Rich List im Jahr 2020, und seine Skulptur Lullaby, Spring aus dem Jahr 2007 – ein Stahlschrank mit 6.136 Pillen – hielt kurzzeitig den Rekordpreis für das Werk eines lebenden Künstlers bei 19,2 Millionen Dollar. Seine Newport Street Gallery, die 2015 in einer umgebauten Theaterwerkstatt im Süden Londons eröffnet wurde, stellt seine eigene umfangreiche Sammlung aus, darunter fünf Gemälde von Francis Bacon, und er restauriert weiterhin ein denkmalgeschütztes Herrenhaus in der Nähe von Cheltenham, um den Rest schließlich unterzubringen. Was auch immer das endgültige Urteil über sein Werk sein mag, Hirst hat die Art und Weise, wie zeitgenössische Kunst bewertet, vermarktet und verkauft wird, dauerhaft verändert – wohl sein nachhaltigster und am wenigsten bestrittener Beitrag.