Barbara Hepworth: Das Loch durch den Stein

Im Jahr 1932 schnitt Hepworth in einem Londoner Atelier ein Loch direkt durch eine Schnitzerei. Pierced Form (Durchbohrte Form) wurde später zerstört, als der Blitz ihr Atelier in Mall zerstörte, aber die Idee überlebte das Objekt und ordnete die moderne Skulptur neu: Ein Hohlraum konnte ein positives Element sein, ebenso aktiv wie die Masse, und der Raum, der durch eine Skulptur floss, war genauso wichtig wie die Skulptur selbst. Jede ausgehöhlte, eingefädelte, mit Schnüren versehene Skulptur der nächsten vierzig Jahre geht auf diese Entscheidung zurück.

Wakefield und das Yorkshire-Paar

Barbara Hepworth wurde am 10. Januar 1903 in Wakefield, Yorkshire, als ältestes Kind von Herbert Hepworth, einem Bauingenieur, der später Vermessungsbeamter des Countys wurde, und Gertrude Johnson Hepworth geboren. Sie besuchte die Wakefield Girls' High School von 1909 bis 1920 mit Musik- und allgemeinen Stipendien und erhielt 1920 ein Stipendium für die Leeds School of Art, wo sie auf einen anderen Bildhauer aus Yorkshire derselben Generation traf: Henry Moore. Die berufliche Rivalität begann dort und endete nie ganz.

Sie absolvierte von 1921 bis 1924 eine Bildhauerausbildung am Royal College of Art in London, erhielt 1923 ihr Diplom und blieb ein weiteres Jahr, um sich für den Prix de Rome zu bewerben. Moore gewann ihn. Sie erhielt stattdessen ein West-Riding-Reisestipendium und brach im Oktober 1924 nach Italien auf – Toskana, romanische und Renaissance-Werke, Carrara und vor allem eine Lehre in der Marmorhauerei bei dem Meisterbildhauer Giovanni Ardini. Dort wurde die Disziplin der direkten Schnitzerei, bei der das Material ohne Gipszwischenschritt bearbeitet wurde, zu ihrer Methode und nicht nur zu ihrer Theorie.

Skeaping, Nicholson, Unit One

Im Mai 1925 heiratete sie den Bildhauer John Skeaping im Palazzo Vecchio in Florenz. Ihr Sohn Paul wurde am 3. August 1929 geboren; das Paar trennte sich 1931 und ließ sich im März 1933 scheiden. Im Sommer 1931 traf sie in Norfolk den Maler Ben Nicholson, und im Frühjahr 1932 lebte und arbeitete er mit ihr im Atelier in Mall. Sie heirateten im November 1938; ihre Drillinge, Simon, Rachel und Sarah, waren bereits am 3. Oktober 1934 geboren worden. Hepworth argumentierte entgegen den Annahmen ihres Umfelds, dass das Aufziehen von Kindern die Arbeit förderte, anstatt sie zu behindern.

Die 1930er Jahre waren ihr kosmopolitischstes Jahrzehnt. 1933 reiste das Paar nach Paris und traf Brancusi, Arp, Picasso und Braque; in diesem Jahr trat sie der Gruppe Abstraction-Création bei. Beide waren Gründungsmitglieder von Unit One und stellten im April 1934 in der Mayor Gallery neben Herbert Reads Buch aus, das die moderne Bewegung in Großbritannien definierte. Sie stellte 1936 in Abstract & Concrete aus und steuerte 1937 den Aufsatz "Sculpture" zu Circle: International Survey of Constructive Art bei – sie war nicht nur Gestalterin von Formen, sondern schrieb auch darüber.

St Ives

Am 25. August 1939, Tage vor Ausbruch des Krieges, nahmen Hepworth und Nicholson die Drillinge auf Einladung von Adrian Stokes mit nach St Ives in Cornwall. Naum Gabo folgte. Die frühen Jahre waren schwer: beengte Häuser, kein Platz für größere Arbeiten bis 1943, Gipsplastiken und Zeichnungen, die nachts nach dem Schlafengehen der Kinder entstanden, und im November 1940 die Nachricht, dass Bombenangriffe das Mall-Atelier und damit Pierced Form zerstört hatten. Ihre erste Retrospektive fand 1943 in Temple Newsam in Leeds statt.

Im September 1949 kaufte sie das Trewyn Studio in St Ives und lebte ab Dezember 1950 dauerhaft dort. Es gab ihr, was sie nie gehabt hatte: einen ummauerten Garten, in dem sie arbeiten und Skulpturen im Freien aufstellen konnte, was sie eine "Art Magie" nannte. Sie beschäftigte ständige Assistenten – Denis Mitchell, John Wells, Terry Frost – und die Küste Cornwalls floss direkt in ihr Werk ein; ihr Licht, ihr Wasser und ihre erodierten Felsen prägten die durchbohrten und ausgehöhlten Bronzen.

Paul und die Denkmäler

Am 13. Februar 1953 kam ihr Sohn Paul bei einem Absturz seines RAF-Flugzeugs über Thailand ums Leben. Sie schnitzte Madonna and Child als Denkmal, das während ihrer Ausstellung in der Whitechapel Art Gallery 1954 gezeigt wurde. Die Trauer ist in den späteren Werken nicht dekorativ; sie ist strukturell.

Die öffentlichen Aufträge kamen stetig: Meridian 1958 für das State House in London; die fünfeinhalb Meter hohe Aluminiumfigur Winged Figure am John Lewis-Gebäude in der Oxford Street im Jahr 1963; und 1964 die monumentale Bronzeskulptur Single Form vor dem UN-Sekretariat in New York, die im Gedenken an den UN-Generalsekretär Dag Hammarskjöld in Auftrag gegeben wurde. Sie gewann 1959 den Großen Preis der Biennale von São Paulo, wurde 1958 zum CBE und 1965 zur Dame Commander ernannt, wurde die erste weibliche Treuhänderin der Tate Gallery (1965 bis 1972), erhielt 1968 eine Ehrendoktorwürde von Oxford und wurde zum Barden von Cornwall unter dem Namen Gravyor (Bildhauer) ernannt. Die Tate widmete ihr 1968 eine umfassende Retrospektive.

Warum Barbara ein Genie genannt wird

Der Anspruch beruht auf einer einzigen formalen Erfindung, die genau datierbar und universell übernommen ist: die durchbohrte Form. Vor ihr war bildhauerische Masse solide und Raum war das, was sie umgab. Nach ihr ist das Loch eine Komponente – es lässt Licht ein, rahmt die Landschaft durch das Objekt ein und verwandelt einen statischen Block in etwas, durch das man hindurchblickt, anstatt es nur anzusehen. Es ist das bildhauerische Äquivalent zur Entdeckung des negativen Raums beim Zeichnen, und es veränderte, was das Medium leisten konnte. Sie verband es mit der in Carrara gelernten direkten Schnitzerei, sodass die Idee mit der Autorität handgeschnittener Steine ankam und nicht als bloße Skizzenidee. Institutionen ratifizierten dies: der Große Preis von São Paulo, der Adelstitel, der UN-Auftrag, das erste Treuhandmandat der Tate, das einer Frau übertragen wurde.

Die Gegenargumente betreffen eher den Umgang mit ihrem Ruf als das, was sie schuf. Sie wurde fünfzig Jahre lang an Henry Moore gemessen – ein Vergleich, dem sie nie entkam und der durch das Ergebnis des Prix de Rome 1923 in Gang gesetzt wurde; die Priorität der durchbohrten Form wird ihr zugeschrieben, aber die populäre Geschichte der britischen modernistischen Skulptur wurde meist als die von Moore erzählt, wobei Hepworth am Rande blieb. Zwei schwerwiegendere Einwände: Das Vokabular aus Ovalen, Vertiefungen und gespannten Formen ist eng und wird über Hunderte von Werken hinweg repetitiv; und die späteren Bronzen, die durch ein Atelier mit ständigen Assistenten entstanden, stehen im Widerspruch zum Credo der Materialgerechtheit der direkten Schnitzerei, auf dem ihre frühe Autorität aufgebaut war. Keiner der Punkte berührt die Erfindung. Beide gehören in eine ehrliche Darstellung.

Vermächtnis

Hepworth starb am 20. Mai 1975 im Alter von zweiundsiebzig Jahren bei einem versehentlichen Brand im Trewyn Studio. Ihre Familie eröffnete das Atelier 1976 als Barbara Hepworth Museum; die Tate verwaltet es seit 1980, und das Hepworth Wakefield steht heute in der Stadt, in der sie geboren wurde. Sie hatte 1970 A Pictorial Autobiography veröffentlicht und im Jahr darauf The Aegean Suite, neun Lithografien. Was sie hinterließ, ist kein Stil, sondern eine Erlaubnis – dass eine Skulptur genauso sehr eine Öffnung wie ein Objekt sein kann und dass die Landschaft, in der ein Werk steht, direkt durch seine Mitte gelassen werden kann.