Michelangelo Antonioni: O poeta da alienação

Na estreia de L'Avventura em Cannes, em 1960, o público vaiou e insultou: um filme de duas horas sobre uma mulher que desaparece numa ilha mediterrânica e nunca mais é encontrada, cujo desaparecimento os outros personagens deixam gradualmente de se preocupar. Em um ano, o mesmo filme foi aclamado como um marco, e Antonioni tinha reescrito a gramática do cinema. Ele transformou a própria ausência num tema, e o estado de espírito numa história, e ao fazê-lo tornou-se, nas palavras de um museu, "um dos poucos cineastas reconhecidos como" um grande artista europeu.

De Ferrara ao cinema

Michelangelo Antonioni nasceu a 29 de setembro de 1912 em Ferrara, no norte da Itália. Uma criança precoce que deu o seu primeiro concerto de violino aos nove anos e adorava desenhar, formou-se em economia na Universidade de Bolonha. Entrou no cinema de forma indireta: como crítico para um jornal de Ferrara na década de 1930, depois brevemente como estudante no Centro Sperimentale de Roma, que deixou após três meses. Durante a guerra, sobreviveu a uma sentença de morte como membro da Resistência italiana e coescreveu um filme com Roberto Rossellini. A sua estreia em longa-metragem, Crónica de um Amor (1950), já sinalizava uma rutura com o neorrealismo reinante, trocando as ruas e os pobres pelo tédio da burguesia.

A trilogia da alienação

A sua reputação baseia-se numa série extraordinária no início da década de 1960. L'Avventura (1960) ganhou um Prémio do Júri em Cannes e tornou a sua musa Monica Vitti numa estrela. A Noite (1961), com Jeanne Moreau e Marcello Mastroianni, ganhou o Urso de Ouro em Berlim. O Eclipse (1962), com Vitti e Alain Delon, completou o que os críticos chamam a trilogia da alienação, três estudos de pessoas educadas e confortáveis incapazes de se conectar, ambientados contra a arquitetura moderna e paisagens vazias. O Deserto Vermelho (1964), o seu primeiro filme a cores, estendeu a visão, usando terrenos industriais como abstração pictórica; ele falou de querer mostrar que "até as fábricas podem ser bonitas".

Blow-Up e o palco mundial

Em 1966, Antonioni fez Blow-Up, um filme em inglês sobre um fotógrafo de moda no Swinging London que pode ter fotografado um assassinato. Ganhou a Palma de Ouro, valeu-lhe nomeações para o Óscar de realização e argumento, e tornou-se, para muitos, o filme definidor da década, uma meditação sobre a perceção, a realidade e a falta de fiabilidade da imagem. Seguiu-se com a experiência de contracultura Zabriskie Point (1970) e o thriller existencial Profissão: Repórter (1975), protagonizado por Jack Nicholson, cujo famoso penúltimo plano desliza impossivelmente através de uma janela de hotel.

Um cinema distintivo

O estilo de Antonioni é inconfundível: planos longos que duram mais do que a ação, corte mínimo, personagens diminuídos pela arquitetura, narrativas que se recusam a resolver. O académico Seymour Chatman chamou ao seu método "a superfície do mundo", a expressão da vida interior através de exteriores. Foi, por amplo consenso, um dos supremos estilistas visuais do cinema, e a sua influência percorre Tarkovsky, Kubrick, Wenders, Scorsese e todo o movimento do cinema lento.

Por que Michelangelo é chamado de génio

O génio de Antonioni é o de um inovador formal, um artista que mudou o que o cinema podia fazer. A qualidade criativa específica é a invenção de uma nova linguagem cinematográfica: ele provou que um filme podia dramatizar estados interiores, tédio, medo, vazio espiritual, puramente através da imagem, ritmo e espaço, sem um enredo convencional. A Academia reconheceu isto diretamente, atribuindo-lhe um Prémio Honorário em 1995 "como um dos mestres estilistas visuais do cinema", e ele continua a ser o raro realizador a ganhar o prémio principal em Cannes, Veneza e Berlim. Cineastas de primeiro nível citam-no como fundamental, o que é a prova de génio mais duradoura disponível para um artista. O contra-argumento honesto sempre existiu e vem de setores sérios: Ingmar Bergman achava alguns dos seus filmes aborrecidos, e Orson Welles zombava da sua crença de que um plano melhora quanto mais tempo o mantiver. O seu cinema de quietude e ambiguidade pode ser lido como autoindulgente para os espectadores que querem incidentes, e os seus detratores chamam-lhe frio. Mas a acusação de frieza é em grande parte uma descrição do seu tema, a paralisia emocional moderna, mais do que um defeito na obra. O facto de os seus filmes continuarem a ganhar ressonância à medida que o mundo muda é o argumento mais forte de que o seu foi um génio genuíno e profético.

Legado

Um grave AVC em 1985 deixou Antonioni afásico e parcialmente paralisado, no entanto, continuou a realizar, completando Para Além das Nuvens (1995) com Wim Wenders como apoio e contribuindo para a antologia Eros em 2004. Morreu em Roma a 30 de julho de 2007, no mesmo dia que Bergman, uma coincidência que pareceu o fecho de uma era. Foi enterrado em Ferrara. Mais de meio século depois, as suas praças vazias e a sua câmara à deriva continuam a ser o modelo para um cinema que se atreve a abrandar e olhar.