Michelangelo Antonioni: Il poeta dell'alienazione

Alla prima di L'Avventura a Cannes nel 1960, il pubblico fischiò e schernì: un film di due ore su una donna che scompare su un'isola mediterranea e non viene mai più ritrovata, la cui scomparsa smette gradualmente di interessare gli altri personaggi. Nel giro di un anno lo stesso film fu acclamato come una pietra miliare e Antonioni aveva riscritto la grammatica del cinema. Ha trasformato l'assenza stessa in un tema e l'atmosfera in una storia, diventando così, nelle parole di un museo, "uno dei pochissimi cineasti mai riconosciuti come" un grande artista europeo.

Da Ferrara al cinema

Michelangelo Antonioni è nato il 29 settembre 1912 a Ferrara, nel nord Italia. Bambino precoce che ha dato il suo primo concerto di violino a nove anni e amava disegnare, si è laureato in economia all'Università di Bologna. È entrato nel cinema in modo indiretto: come critico per un giornale di Ferrara negli anni '30, poi brevemente come studente al Centro Sperimentale di Roma, che ha lasciato dopo tre mesi. Durante la guerra è sopravvissuto a una condanna a morte come membro della Resistenza italiana e ha co-scritto un film con Roberto Rossellini. Il suo debutto nel lungometraggio, Cronaca di un amore (1950), segnava già una rottura con il neorealismo imperante, scambiando le strade e i poveri con la noia della borghesia.

La trilogia dell'alienazione

La sua reputazione poggia su una serie straordinaria all'inizio degli anni '60. L'Avventura (1960) ha vinto un Premio della Giuria a Cannes e ha reso la sua musa Monica Vitti una star. La Notte (1961), con Jeanne Moreau e Marcello Mastroianni, ha vinto l'Orso d'Oro a Berlino. L'Eclisse (1962), con Vitti e Alain Delon, ha completato quella che i critici chiamano la trilogia dell'alienazione, tre studi di persone istruite e agiate incapaci di connettersi, ambientati contro l'architettura moderna e paesaggi vuoti. Il deserto rosso (1964), il suo primo film a colori, ha esteso la visione, usando le terre desolate industriali come astrazione pittorica; ha parlato di voler mostrare che "anche le fabbriche possono essere belle".

Blow-Up e il palcoscenico mondiale

Nel 1966 Antonioni ha realizzato Blow-Up, un film in lingua inglese su un fotografo di moda nella Swinging London che potrebbe aver fotografato un omicidio. Ha vinto la Palma d'Oro, gli è valso le nomination all'Oscar per la regia e la sceneggiatura, ed è diventato, per molti, il film definitivo del decennio, una meditazione sulla percezione, la realtà e l'inaffidabilità dell'immagine. Lo ha seguito con l'esperimento di controcultura Zabriskie Point (1970) e il thriller esistenziale Professione: reporter (1975), con Jack Nicholson, il cui famoso penultimo piano scivola in modo impossibile attraverso una finestra d'albergo.

Un cinema distintivo

Lo stile di Antonioni è inconfondibile: riprese lunghe che durano più dell'azione, montaggio minimo, personaggi sminuiti dall'architettura, narrazioni che si rifiutano di risolversi. Lo studioso Seymour Chatman ha chiamato il suo metodo "la superficie del mondo", l'espressione della vita interiore attraverso gli esterni. È stato, per ampio consenso, uno dei supremi stilisti visivi del cinema, e la sua influenza attraversa Tarkovsky, Kubrick, Wenders, Scorsese e l'intero movimento del cinema lento.

Perché Michelangelo è chiamato un genio

Il genio di Antonioni è quello di un innovatore formale, un artista che ha cambiato ciò che il cinema poteva fare. La qualità creativa specifica è l'invenzione di un nuovo linguaggio cinematografico: ha dimostrato che un film poteva drammatizzare stati interiori, noia, terrore, vuoto spirituale, puramente attraverso l'immagine, il ritmo e lo spazio, senza una trama convenzionale. L'Academy lo ha riconosciuto direttamente, conferendogli un Premio alla Carriera nel 1995 "come uno dei maestri stilisti visivi del cinema", e rimane il raro regista ad aver vinto il premio principale a Cannes, Venezia e Berlino. Cineasti di primo piano lo citano come fondamentale, che è la prova di genio più duratura disponibile per un artista. Il controargomento onesto è sempre esistito e proviene da ambienti seri: Ingmar Bergman trovava alcuni dei suoi film noiosi, e Orson Welles derideva la sua convinzione che un'inquadratura migliori quanto più a lungo la si tiene. Il suo cinema di quiete e ambiguità può essere letto come autoindulgente per gli spettatori che vogliono incidenti, e i suoi detrattori lo chiamano freddo. Ma l'accusa di freddezza è in gran parte una descrizione del suo soggetto, la paralisi emotiva moderna, piuttosto che un difetto nell'opera. Che i suoi film continuino a guadagnare risonanza mentre il mondo cambia è l'argomento più forte che il suo fosse un genio genuino e profetico.

Eredità

Un grave ictus nel 1985 ha lasciato Antonioni afasico e parzialmente paralizzato, eppure ha continuato a dirigere, completando Al di là delle nuvole (1995) con Wim Wenders come supporto e contribuendo all'antologia Eros nel 2004. È morto a Roma il 30 luglio 2007, lo stesso giorno di Bergman, una coincidenza che è sembrata la chiusura di un'epoca. È stato sepolto a Ferrara. Più di mezzo secolo dopo, le sue piazze vuote e la sua macchina da presa alla deriva rimangono il modello per un cinema che osa rallentare e guardare.