Barbara Hepworth : Le trou dans la pierre

En 1932, dans un atelier londonien, Hepworth a percé un trou net à travers une sculpture. Pierced Form (Forme percée) fut plus tard détruite lorsque le Blitz a rasé son atelier de Mall, mais l'idée a survécu à l'objet et a réorganisé la sculpture moderne : un vide pouvait être un élément positif, aussi actif que la masse, et l'espace traversant une sculpture comptait tout autant que la sculpture elle-même. Chaque sculpture évidée, filetée ou cordée des quarante années suivantes découle de cette décision.

Wakefield et le duo du Yorkshire

Barbara Hepworth est née le 10 janvier 1903 à Wakefield, dans le Yorkshire, enfant aînée de Herbert Hepworth, un ingénieur civil devenu géomètre de comté, et de Gertrude Johnson Hepworth. Elle a fréquenté la Wakefield Girls' High School de 1909 à 1920 grâce à des bourses de musique et générales, puis a obtenu une bourse pour la Leeds School of Art en 1920, où elle s'est retrouvée aux côtés d'un autre sculpteur du Yorkshire de la même génération : Henry Moore. La rivalité professionnelle a commencé là et n'a jamais totalement pris fin.

Elle a suivi une formation en sculpture au Royal College of Art de Londres de 1921 à 1924, a obtenu son diplôme en 1923 et est restée une année supplémentaire pour concourir au Prix de Rome. Moore l'a remporté. Elle a reçu une bourse de voyage West Riding à la place et est partie pour l'Italie en octobre 1924 — Toscane, art roman et Renaissance, Carrare, et surtout un apprentissage de la taille de marbre auprès du maître sculpteur Giovanni Ardini. C'est là que la discipline de la taille directe, travaillant le matériau sans intermédiaire en plâtre, est devenue sa méthode plutôt que sa théorie.

Skeaping, Nicholson, Unit One

En mai 1925, elle épouse le sculpteur John Skeaping au Palazzo Vecchio de Florence. Leur fils Paul naît le 3 août 1929 ; le couple se sépare en 1931 et divorce en mars 1933. Cet été 1931, dans le Norfolk, elle rencontre le peintre Ben Nicholson, et au printemps 1932, il vit et travaille avec elle dans l'atelier de Mall. Ils se marient en novembre 1938 ; leurs triplés, Simon, Rachel et Sarah, étaient déjà nés le 3 octobre 1934. Hepworth soutenait, contre les suppositions de son entourage, qu'élever des enfants nourrissait le travail plutôt qu'il ne l'affamait.

Les années 1930 furent sa décennie la plus cosmopolite. En 1933, le couple se rend à Paris et rencontre Brancusi, Arp, Picasso et Braque ; elle rejoint Abstraction-Création cette année-là. Tous deux furent membres fondateurs de Unit One, exposant à la Mayor Gallery en avril 1934 aux côtés du livre de Herbert Read définissant le mouvement moderne en Grande-Bretagne. Elle a exposé dans Abstract & Concrete en 1936 et a contribué à l'essai "Sculpture" pour Circle: International Survey of Constructive Art en 1937 — elle était écrivaine sur la forme autant qu'elle la créait.

St Ives

Le 25 août 1939, quelques jours avant le déclenchement de la guerre, Hepworth et Nicholson emmènent les triplés à St Ives, en Cornouailles, à l'invitation d'Adrian Stokes. Naum Gabo les suit. Les premières années sont difficiles : maisons exiguës, pas d'espace pour des travaux majeurs avant 1943, sculptures en plâtre et dessins réalisés la nuit après que les enfants se soient endormis, et en novembre 1940, la nouvelle que les bombardements avaient détruit l'atelier de Mall et avec lui Pierced Form. Sa première rétrospective a eu lieu à Temple Newsam à Leeds en 1943.

En septembre 1949, elle achète Trewyn Studio à St Ives et y vit en permanence à partir de décembre 1950. Cela lui donne ce qu'elle n'avait jamais eu : un jardin clos où travailler et placer des sculptures en plein air, qu'elle qualifiait de "sorte de magie". Elle emploie des assistants permanents — Denis Mitchell, John Wells, Terry Frost — et la côte des Cornouailles pénètre directement dans son œuvre ; sa lumière, son eau et sa roche érodée sous-tendent les bronzes percés et évidés.

Paul et les monuments

Le 13 février 1953, son fils Paul est tué lorsque son avion de la RAF s'écrase sur la Thaïlande. Elle sculpte Madonna and Child en guise de mémorial, qui est exposé lors de son exposition à la Whitechapel Art Gallery en 1954. Le chagrin n'est pas décoratif dans ses œuvres ultérieures ; il est structurel.

Les commandes publiques arrivent régulièrement : Meridian en 1958 pour la State House à Londres ; la figure en aluminium de cinq mètres et demi Winged Figure sur le bâtiment John Lewis d'Oxford Street en 1963 ; et en 1964, le bronze monumental Single Form devant le Secrétariat des Nations unies à New York, commandé en mémoire du Secrétaire général Dag Hammarskjöld. Elle reçoit le Grand Prix de la Biennale de São Paulo en 1959, est faite CBE en 1958 et Dame Commandeur en 1965, devient la première femme administratrice de la Tate Gallery, siégeant de 1965 à 1972, reçoit un doctorat honorifique d'Oxford en 1968 et est faite Barde de Cornouailles sous le nom de Gravyor — sculpteur. La Tate lui consacre une rétrospective complète en 1968.

Pourquoi Barbara est qualifiée de génie

L'affirmation repose sur une seule invention formelle, précisément datable et universellement adoptée : la forme percée. Avant elle, la masse sculpturale était solide et l'espace était ce qui l'entourait. Après elle, le trou est un composant — il laisse entrer la lumière, cadre le paysage à travers l'objet et transforme un bloc statique en quelque chose à travers lequel on regarde, en plus de le regarder. C'est l'équivalent sculptural de la découverte de l'espace négatif dans le dessin, et cela a changé ce que le médium pouvait faire. Elle l'a associé à la taille directe apprise à Carrare, de sorte que l'idée est arrivée avec l'autorité de la pierre taillée à la main plutôt que comme une idée de planche à dessin. Les institutions l'ont ratifiée : le Grand Prix de São Paulo, le titre de dame, la commande de l'ONU, le premier mandat d'administratrice de la Tate accordé à une femme.

La contre-argumentation porte davantage sur la gestion de sa réputation que sur ce qu'elle a fabriqué. Elle a été comparée à Henry Moore pendant cinquante ans, une comparaison à laquelle elle n'a jamais échappé et que le résultat du Prix de Rome a déclenchée en 1923 ; la priorité de la forme percée lui est attribuée, mais l'histoire populaire de la sculpture moderniste britannique a généralement été racontée comme celle de Moore, avec Hepworth en marge. Deux objections plus sérieuses : le vocabulaire des ovales, des creux et des formes cordées est étroit et, à travers des centaines d'œuvres, devient répétitif ; et les bronzes ultérieurs, produits par un studio d'assistants permanents, s'accordent mal avec le credo de vérité aux matériaux de la taille directe sur lequel son autorité initiale a été construite. Aucun de ces points ne touche à l'invention. Tous deux ont leur place dans un récit honnête.

Héritage

Hepworth est décédée le 20 mai 1975, à l'âge de soixante-douze ans, dans un incendie accidentel au Trewyn Studio. Sa famille a ouvert l'atelier en tant que Barbara Hepworth Museum en 1976 ; la Tate le gère depuis 1980, et le Hepworth Wakefield se trouve désormais dans la ville où elle est née. Elle avait publié A Pictorial Autobiography en 1970 et, l'année suivante, The Aegean Suite, neuf lithographies. Ce qu'elle a laissé n'est pas un style, mais une autorisation — qu'une sculpture peut être une ouverture autant qu'un objet, et que le paysage dans lequel une œuvre est placée peut être admis directement en son centre.