Michelangelo Antonioni: El poeta de la alienación

En el estreno de L'Avventura en Cannes en 1960, el público abucheó y se burló: una película de dos horas sobre una mujer que desaparece en una isla mediterránea y nunca vuelve a ser encontrada, cuya desaparición los otros personajes dejan de preocuparles gradualmente. En un año, la misma película fue aclamada como un hito, y Antonioni había reescrito la gramática del cine. Convirtió la ausencia misma en un tema, y el estado de ánimo en una historia, y al hacerlo se convirtió, en palabras de un museo, en "uno de los muy pocos cineastas reconocidos como" un gran artista europeo.

De Ferrara al cine

Michelangelo Antonioni nació el 29 de septiembre de 1912 en Ferrara, en el norte de Italia. Un niño precoz que dio su primer concierto de violín a los nueve años y amaba el dibujo, se graduó de la Universidad de Bolonia con un título en economía. Entró al cine de forma indirecta: como crítico para un periódico de Ferrara en la década de 1930, luego brevemente como estudiante en el Centro Sperimentale de Roma, que dejó después de tres meses. Durante la guerra sobrevivió a una sentencia de muerte como miembro de la Resistencia italiana y coescribió una película con Roberto Rossellini. Su debut en largometraje, Cronaca di un amore (1950), ya señalaba una ruptura con el neorrealismo reinante, cambiando las calles y los pobres por el hastío de la burguesía.

La trilogía de la alienación

Su reputación descansa en una racha extraordinaria a principios de la década de 1960. L'Avventura (1960) ganó un Premio del Jurado en Cannes e hizo de su musa Monica Vitti una estrella. La Notte (1961), con Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni, ganó el Oso de Oro en Berlín. L'Eclisse (1962), con Vitti y Alain Delon, completó lo que los críticos llaman la trilogía de la alienación, tres estudios de personas educadas y cómodas incapaces de conectar, ambientados contra la arquitectura moderna y paisajes vacíos. El desierto rojo (1964), su primera película en color, extendió la visión, usando páramos industriales como abstracción pictórica; habló de querer mostrar que "incluso las fábricas pueden ser hermosas".

Blow-Up y el escenario mundial

En 1966 Antonioni hizo Blow-Up, una película en inglés sobre un fotógrafo de moda en el Swinging London que puede haber fotografiado un asesinato. Ganó la Palma de Oro, le valió nominaciones al Oscar a la dirección y al guion, y se convirtió, para muchos, en la película definitoria de la década, una meditación sobre la percepción, la realidad y la falta de fiabilidad de la imagen. La siguió con el experimento de contracultura Zabriskie Point (1970) y el thriller existencial El reportero (1975), protagonizado por Jack Nicholson, cuyo famoso penúltimo plano se desliza imposiblemente a través de una ventana de hotel.

Un cine distintivo

El estilo de Antonioni es inconfundible: tomas largas que duran más que la acción, corte mínimo, personajes empequeñecidos por la arquitectura, narrativas que se niegan a resolverse. El académico Seymour Chatman llamó a su método "la superficie del mundo", la expresión de la vida interior a través de exteriores. Fue, por amplio consenso, uno de los estilistas visuales supremos del cine, y su influencia recorre a Tarkovsky, Kubrick, Wenders, Scorsese y todo el movimiento del cine lento.

Por qué Michelangelo es llamado un genio

El genio de Antonioni es el de un innovador formal, un artista que cambió lo que el cine podía hacer. La cualidad creativa específica es la invención de un nuevo lenguaje cinematográfico: demostró que una película podía dramatizar estados interiores, aburrimiento, miedo, vacío espiritual, puramente a través de la imagen, el ritmo y el espacio, sin una trama convencional. La Academia reconoció esto directamente, otorgándole un Premio Honorífico en 1995 "como uno de los maestros estilistas visuales del cine", y sigue siendo el raro director en ganar el premio principal en Cannes, Venecia y Berlín. Cineastas de primer nivel lo citan como fundamental, que es la evidencia más duradera de genio disponible para un artista. El contraargumento honesto siempre ha existido y proviene de sectores serios: Ingmar Bergman encontraba algunas de sus películas aburridas, y Orson Welles se burlaba de su creencia de que una toma mejora cuanto más tiempo la mantienes. Su cine de quietud y ambigüedad puede leerse como autoindulgente para los espectadores que quieren incidentes, y sus detractores lo llaman frío. Pero la acusación de frialdad es en gran medida una descripción de su tema, la parálisis emocional moderna, más que un defecto en la obra. Que sus películas sigan ganando resonancia a medida que el mundo cambia es el argumento más fuerte de que el suyo fue un genio genuino y profético.

Legado

Un derrame cerebral severo en 1985 dejó a Antonioni afásico y parcialmente paralizado, sin embargo, continuó dirigiendo, completando Más allá de las nubes (1995) con Wim Wenders como respaldo y contribuyendo a la antología Eros en 2004. Murió en Roma el 30 de julio de 2007, el mismo día que Bergman, una coincidencia que se sintió como el cierre de una era. Fue enterrado en Ferrara. Más de medio siglo después, sus plazas vacías y su cámara a la deriva siguen siendo la plantilla para un cine que se atreve a reducir la velocidad y mirar.