Barbara Hepworth: El agujero a través de la piedra

En 1932, en un estudio de Londres, Hepworth cortó un agujero directamente a través de una talla. Pierced Form (Forma perforada) fue destruida más tarde cuando los bombardeos del Blitz arrasaron su estudio en Mall, pero la idea sobrevivió al objeto y reorganizó la escultura moderna: un vacío podía ser un elemento positivo, tan activo como la masa, y el espacio que atravesaba una talla importaba tanto como la talla misma. Cada escultura ahuecada, enhebrada o con cuerdas de los siguientes cuarenta años desciende de esa decisión.

Wakefield y la pareja de Yorkshire

Barbara Hepworth nació el 10 de enero de 1903 en Wakefield, Yorkshire, siendo la hija mayor de Herbert Hepworth, un ingeniero civil que se convirtió en topógrafo del condado, y Gertrude Johnson Hepworth. Asistió a la Wakefield Girls' High School de 1909 a 1920 con becas de música y generales, luego obtuvo una beca para la Leeds School of Art en 1920, donde coincidió con otro escultor de Yorkshire de su misma generación: Henry Moore. La rivalidad profesional comenzó allí y nunca terminó del todo.

Se formó en escultura en el Royal College of Art de Londres de 1921 a 1924, obtuvo su diploma en 1923 y permaneció un año extra para competir por el Prix de Rome. Moore lo ganó. A ella le dieron una beca de viaje West Riding en su lugar y partió hacia Italia en octubre de 1924: la Toscana, el trabajo románico y renacentista, Carrara y, fundamentalmente, un aprendizaje en la talla de mármol con el maestro escultor Giovanni Ardini. Fue allí donde la disciplina de la talla directa, trabajando el material sin un intermediario de yeso, se convirtió en su método en lugar de su teoría.

Skeaping, Nicholson, Unit One

En mayo de 1925 se casó con el escultor John Skeaping en el Palazzo Vecchio de Florencia. Su hijo Paul nació el 3 de agosto de 1929; la pareja se separó en 1931 y se divorció en marzo de 1933. Ese verano de 1931 en Norfolk conoció al pintor Ben Nicholson, y en la primavera de 1932 él vivía y trabajaba con ella en el estudio de Mall. Se casaron en noviembre de 1938; sus trillizos, Simon, Rachel y Sarah, ya habían nacido el 3 de octubre de 1934. Hepworth argumentó, en contra de las suposiciones de todos a su alrededor, que criar hijos alimentaba en lugar de privar al trabajo.

La década de 1930 fue su época más cosmopolita. En 1933, la pareja fue a París y conoció a Brancusi, Arp, Picasso y Braque; ese año se unió a Abstraction-Création. Ambos fueron miembros fundadores de Unit One, exponiendo en la Mayor Gallery en abril de 1934 junto al libro de Herbert Read que definía el movimiento moderno en Gran Bretaña. Expuso en Abstract & Concrete en 1936 y contribuyó con el ensayo "Escultura" a Circle: International Survey of Constructive Art en 1937; ella era escritora sobre la forma además de creadora de la misma.

St Ives

El 25 de agosto de 1939, días antes de que estallara la guerra, Hepworth y Nicholson llevaron a los trillizos a St Ives en Cornualles por invitación de Adrian Stokes. Naum Gabo los siguió. Los primeros años fueron duros: casas estrechas, sin espacio para obras grandes hasta 1943, esculturas de yeso y dibujos hechos por la noche después de que los niños durmieran, y en noviembre de 1940 la noticia de que los bombardeos habían destruido el estudio de Mall y con él Pierced Form. Su primera retrospectiva tuvo lugar en Temple Newsam en Leeds en 1943.

En septiembre de 1949 compró Trewyn Studio en St Ives y, a partir de diciembre de 1950, vivió allí permanentemente. Le dio lo que nunca había tenido: un jardín amurallado en el que trabajar y colocar esculturas al aire libre, lo cual llamó "una especie de magia". Empleó asistentes permanentes (Denis Mitchell, John Wells, Terry Frost) y la costa de Cornualles entró directamente en la obra; su luz, agua y roca erosionada respaldaban los bronces perforados y ahuecados.

Paul y los monumentos

El 13 de febrero de 1953 su hijo Paul murió cuando su avión de la RAF se estrelló sobre Tailandia. Ella talló Madonna and Child como monumento conmemorativo, y se mostró durante su exposición en la Whitechapel Art Gallery en 1954. El dolor no es decorativo en la obra posterior; es estructural.

Los encargos públicos llegaron constantemente: Meridian en 1958 para State House en Londres; la figura de aluminio de cinco metros y medio Winged Figure en el edificio John Lewis en Oxford Street en 1963; y en 1964 el monumental bronce Single Form frente a la Secretaría de las Naciones Unidas en Nueva York, encargado en memoria del Secretario General Dag Hammarskjöld. Obtuvo el Gran Premio en la Bienal de São Paulo en 1959, fue nombrada CBE en 1958 y Dama Comandante en 1965, se convirtió en la primera mujer fideicomisaria de la Tate Gallery, sirviendo de 1965 a 1972, recibió un título honorífico de Oxford en 1968 y fue nombrada Bardo de Cornualles con el nombre de Gravyor (escultor). La Tate le dedicó una retrospectiva completa en 1968.

Por qué a Barbara se la llama genio

La afirmación descansa en una única invención formal, precisamente datable y universalmente adoptada: la forma perforada. Antes que ella, la masa escultórica era sólida y el espacio era lo que la rodeaba. Después de ella, el agujero es un componente: admite luz, enmarca el paisaje a través del objeto y convierte un bloque estático en algo a través de lo cual miras, además de mirarlo. Es el equivalente escultórico de descubrir el espacio negativo en el dibujo, y cambió lo que el medio podía hacer. Ella lo combinó con la talla directa aprendida en Carrara, por lo que la idea llegó con la autoridad de la piedra tallada a mano en lugar de como una ocurrencia de mesa de dibujo. Las instituciones lo ratificaron: el Gran Premio de São Paulo, el título de dama, el encargo de la ONU, el primer fideicomiso de la Tate otorgado a una mujer.

El contraargumento trata principalmente sobre cómo se manejó su reputación más que sobre lo que ella hizo. Fue medida frente a Henry Moore durante cincuenta años, una comparación de la que nunca escapó y que el resultado del Prix de Rome puso en marcha en 1923; la prioridad de la forma perforada se le atribuye a ella, pero la historia popular de la escultura modernista británica generalmente se ha contado como la de Moore con Hepworth al margen. Dos objeciones más difíciles: el vocabulario de óvalos, huecos y formas con cuerdas es estrecho y, a lo largo de cientos de obras, se vuelve repetitivo; y los bronces posteriores, producidos a través de un estudio de asistentes permanentes, chocan con el credo de honestidad con el material de la talla directa sobre el cual se construyó su autoridad inicial. Ninguno de los puntos toca la invención. Ambos pertenecen a un relato honesto.

Legado

Hepworth murió el 20 de mayo de 1975, a los setenta y dos años, en un incendio accidental en Trewyn Studio. Su familia abrió el estudio como el Museo Barbara Hepworth en 1976; la Tate lo administra desde 1980, y el Hepworth Wakefield se encuentra ahora en la ciudad donde ella nació. Había publicado A Pictorial Autobiography en 1970 y, al año siguiente, The Aegean Suite, nueve litografías. Lo que dejó no es un estilo sino un permiso: que una escultura puede ser una apertura tanto como un objeto, y que el paisaje en el que se asienta una obra puede ser admitido directamente a través de su centro.