Michelangelo Antonioni: Der Dichter der Entfremdung

Bei der Premiere von L'Avventura in Cannes 1960 buhte und zischte das Publikum: ein zweistündiger Film über eine Frau, die auf einer Mittelmeerinsel verschwindet und nie wieder gefunden wird, deren Verschwinden die anderen Charaktere allmählich nicht mehr kümmert. Innerhalb eines Jahres wurde derselbe Film als Meilenstein gefeiert, und Antonioni hatte die Grammatik des Kinos neu geschrieben. Er machte die Abwesenheit selbst zu einem Thema und die Stimmung zu einer Geschichte, und wurde dadurch, in den Worten eines Museums, „einer der wenigen Filmemacher, die jemals als“ bedeutender europäischer Künstler anerkannt wurden.

Von Ferrara zum Film

Michelangelo Antonioni wurde am 29. September 1912 in Ferrara in Norditalien geboren. Als frühreifes Kind, das mit neun Jahren sein erstes Geigenkonzert gab und gerne zeichnete, schloss er sein Studium an der Universität Bologna mit einem Abschluss in Wirtschaftswissenschaften ab. Er kam auf Umwegen zum Film: in den 1930er Jahren als Kritiker für eine Zeitung in Ferrara, dann kurzzeitig als Student am Centro Sperimentale in Rom, das er nach drei Monaten verließ. Während des Krieges überlebte er als Mitglied des italienischen Widerstands ein Todesurteil und schrieb gemeinsam mit Roberto Rossellini einen Film. Sein Spielfilmdebüt Chronik einer Liebe (1950) signalisierte bereits einen Bruch mit dem herrschenden Neorealismus und tauschte die Straßen und die Armen gegen die Langeweile des Bürgertums ein.

Die Trilogie der Entfremdung

Sein Ruf beruht auf einer außergewöhnlichen Serie in den frühen 1960er Jahren. L'Avventura (1960) gewann einen Jurypreis in Cannes und machte seine Muse Monica Vitti zum Star. Die Nacht (1961) mit Jeanne Moreau und Marcello Mastroianni gewann den Goldenen Bären in Berlin. Liebe 1962 (1962) mit Vitti und Alain Delon vervollständigte die sogenannte Trilogie der Entfremdung, drei Studien über gebildete, wohlhabende Menschen, die unfähig sind, eine Verbindung aufzubauen, vor dem Hintergrund moderner Architektur und leerer Landschaften. Die rote Wüste (1964), sein erster Farbfilm, erweiterte diese Vision, indem er industrielle Ödlande als malerische Abstraktion nutzte; er sprach davon, zeigen zu wollen, dass „sogar Fabriken schön sein können“.

Blow Up und die Weltbühne

1966 drehte Antonioni Blow Up, einen englischsprachigen Film über einen Modefotografen im Swinging London, der möglicherweise einen Mord fotografiert hat. Er gewann die Goldene Palme, brachte ihm Oscar-Nominierungen für Regie und Drehbuch ein und wurde für viele zum bestimmenden Film des Jahrzehnts, eine Meditation über Wahrnehmung, Realität und die Unzuverlässigkeit des Bildes. Es folgten das Gegenkulturexperiment Zabriskie Point (1970) und der existenzielle Thriller Beruf: Reporter (1975) mit Jack Nicholson, dessen berühmte vorletzte Einstellung unmöglich durch ein Hotelfenster gleitet.

Ein unverwechselbares Kino

Antonionis Stil ist unverwechselbar: lange Einstellungen, die länger dauern als die Handlung, minimaler Schnitt, Charaktere, die von der Architektur in den Schatten gestellt werden, Erzählungen, die sich weigern, sich aufzulösen. Der Gelehrte Seymour Chatman nannte seine Methode „die Oberfläche der Welt“, den Ausdruck des Innenlebens durch Äußeres. Er war weithin anerkannt als einer der größten visuellen Stilisten des Kinos, und sein Einfluss zieht sich durch Tarkowski, Kubrick, Wenders, Scorsese und die gesamte Slow-Cinema-Bewegung.

Warum Michelangelo ein Genie genannt wird

Antonionis Genie ist das eines formalen Erneuerers, eines Künstlers, der veränderte, was Film leisten konnte. Die spezifische kreative Qualität ist die Erfindung einer neuen Filmsprache: Er bewies, dass ein Film innere Zustände, Langeweile, Angst, spirituelle Leere rein durch Bild, Rhythmus und Raum ohne konventionelle Handlung dramatisieren konnte. Die Academy erkannte dies direkt an und verlieh ihm 1995 einen Ehrenpreis „als einer der meisterhaften visuellen Stilisten des Kinos“, und er bleibt einer der wenigen Regisseure, die den Hauptpreis in Cannes, Venedig und Berlin gewonnen haben. Erstklassige Filmemacher zitieren ihn als grundlegend, was der dauerhafteste Beweis für Genie ist, der einem Künstler zur Verfügung steht. Das ehrliche Gegenargument existierte immer und kam aus ernsthaften Kreisen: Ingmar Bergman fand einige seiner Filme langweilig, und Orson Welles verspottete seinen Glauben, dass eine Einstellung besser wird, je länger man sie hält. Sein Kino der Stille und Mehrdeutigkeit kann für Zuschauer, die Handlung wollen, als selbstgefällig gelesen werden, und seine Kritiker nennen es kühl. Aber der Vorwurf der Kälte ist eher eine Beschreibung seines Themas, der modernen emotionalen Lähmung, als ein Fehler im Werk. Dass seine Filme immer mehr an Resonanz gewinnen, während sich die Welt verändert, ist das stärkste Argument dafür, dass er ein echtes und prophetisches Genie war.

Vermächtnis

Ein schwerer Schlaganfall im Jahr 1985 machte Antonioni aphasisch und teilweise gelähmt, doch er führte weiterhin Regie, vollendete Jenseits der Wolken (1995) mit Wim Wenders als Unterstützung und trug 2004 zur Anthologie Eros bei. Er starb am 30. Juli 2007 in Rom, am selben Tag wie Bergman, ein Zufall, der sich wie das Ende einer Ära anfühlte. Er wurde in Ferrara beigesetzt. Mehr als ein halbes Jahrhundert später sind seine leeren Plätze und seine treibende Kamera immer noch die Vorlage für ein Kino, das es wagt, langsamer zu werden und hinzusehen.